Pablo Picasso : le cubisme, la vie et l'œuvre

Brillant, charismatique et rebelle sont les adjectifs qui caractérisent Pablo Picasso (Malaga 1881 - Mougins 1973), l’un des peintres les plus influents et les plus révolutionnaires de l’histoire de l’art occidental. Enfant prodige révélé dès son plus jeune âge, il démontre son talent pour le dessin, à tel point que son père (peintre modeste et professeur à l’Académie de Barcelone) le fait collaborer à certaines de ses toiles. La production artistique du peintre espagnol est particulièrement vaste et complexe. S’il est difficile de dégager des constantes dans le style d’un artiste aussi prolifique, certains éléments le caractérisent : clarté et équilibre des compositions, solidité des formes et des volumes, grand sens de la couleur et puissance expressive.

Picasso était un artiste qui ne s’est jamais contenté d’un style précis. Aussi imprévisible dans son âme que dans son art, l’artiste andalou a traversé plusieurs phases artistiques : de la période bleue (1901-1904), à la période rose (1904-06), la naissance du cubisme grâce à son association avec George Braque, puis un retour à un style de peinture plus traditionnel, tandis que la dernière phase se caractérise par une activité très intense, impliquant également des techniques telles que la céramique et le graphisme.

Très jeune, il s’installe à Paris, ville stimulante et pleine d’opportunités, où il rencontre des artistes comme André Derain, Amedeo Modigliani et Henri Matisse, mais aussi de riches marchands d’artdes marchands d’art comme Daniel-Henry Kahnweiler, l’écrivain Gertrude Stein, à qui l’artiste consacre un portrait considéré par beaucoup comme un précurseur du cubisme, et le marchand d’art français au flair exceptionnel, Armbroise Vollard : tous sont immortalisés par les portraits de Picasso, l’une de leurs “découvertes” les plus prometteuses.

En dehors de l’étroite sphère artistique, Picasso était également célèbre pour ses diverses liaisons. Fernand Oliver fut le premier grand amour de Picasso et apparaît dans plus de soixante tableaux, dont Les Demoiselles d’Avignon (1906-07) ; après la rupture avec Fernand, l’artiste rencontra Marcelle Gouel, qu’il rebaptisa “Eva” et qui apparaît également dans de nombreuses œuvres abstraites. Sa vie amoureuse est en fait extrêmement instable et houleuse, rythmée par la succession d’amours et de muses inspiratrices.

Pablo Picasso

La vie de Pablo Picasso

Pablo Picasso est né à Malaga le 25 octobre 1881, premier fils du peintre naturaliste José Ruiz et de Maria Picasso y López. Dès son plus jeune âge, il commence à dessiner et, à partir de 1901, signe son nom avec celui de sa mère, une décision qui scelle un signe d’affection très fort envers la figure maternelle. Adolescent, il déménage avec sa famille à Barcelone, où il commence à s’intéresser à la vie intellectuelle de la ville : il y fréquente un groupe de jeunes artistes qui se réunissent au Els quatre gats, et bien que le cercle intellectuel espagnol soit très stimulant, Picasso ressent de plus en plus le besoin de s’échapper d’un milieu dont il ressent les limites.

Dès l’âge de dix-neuf ans, le jeune artiste quitte Barcelone pour vivre la vie de bohème entre Montmartre et Montparnasse à Paris: les rues scintillantes, le brouhaha assourdissant des marchés et le cliquetis des calèches, les cafés et les boulevards fascinent Picasso et lui donnent l’impression d’être chez lui. En 1904, il s’installe définitivement dans la capitale française en louant une ancienne usine à Montmartre, transformée par la suite en atelier d’ artistes : c’est le Bateau-Lavoir qui, grâce à la présence charismatique de Picasso, devient un atelier fréquenté par de nombreuses personnalités. Au début de son séjour, Picasso partage sa chambre avec le poète Max Jacob, une figure importante dans la vie de Picasso, car il le soutient à la fois dans sa vie artistique et dans ses premières difficultés financières. L’environnement français est extrêmement stimulant pour le jeune artiste, qui commence à fréquenter les salons parisiens, où il rencontre en 1913 le poète Guillaume Apollinare, auteur de l’ouvrage Les peintres cubistes. Le style de l’artiste andalou commence à présenter des traits spécifiques et originaux. C’est ainsi que débute la période dite bleue, caractérisée par des œuvres monochromes telles que La vie (1903) ou Le vieux guitariste (1903), dans lesquelles le bleu est utilisé dans toutes ses nuances et tons possibles. Cette couleur est utilisée non seulement pour son pouvoir expressif, mais aussi pour la valence mélancolique et dramatique qu’elle dégage. Cette phase est suivie par la période rose (1904-06) : les toiles, désormais plus lumineuses, comme La famille de Saltimbanchi (1905), sont peuplées de personnages de cirque tels que des acrobates, des musiciens de rue et des arlequins. Les tons dominants sont le rose, l’ocre et les couleurs pastel, évoquant une atmosphère plus sereine, bien qu’une note vaguement mélancolique subsiste.

La véritable percée artistique a lieu en 1907 avec Les Demoiselles d’Avignon , qui ouvre la voie à un véritable changement artistique destiné à bouleverser l’avenir de l’histoire de l’art. Avec ce grand tableau, Picasso ouvre sa saison cubiste, en maintenant un dialogue continu avec les œuvres de Paul Cézanne. Cette œuvre marque le début d’une longue recherche de possibilités expressives multiples, réalisées par la décomposition des volumes et le traitement schématique des plans. À cette époque, l’artiste est en contact étroit avec Georges Braque, avec qui il partage la recherche artistique : ensemble, ils créent des œuvres présentant de nombreuses similitudes. En 1912, le cubisme atteint son apogée, les figures se fragmentent pour produire une multitude de points de vue. L’introduction du papier collé (technique picturale consistant à coller des matériaux différents) et du collage (superposition de matériaux en papier) joue un rôle important dans ce processus. La même année, Picasso rencontre la belle et future muse Marcelle Hubert, qu’il appelle Eva, et pour indiquer son amour pour elle, les mots “J’aime Eva” apparaissent sur de nombreux tableaux de la période cubiste. Eva tombe malade de la tuberculose et meurt peu après, un coup dur pour l’artiste.

En 1915, il rencontre Olga Kokhlova, qui devient sa femme et sa muse : leur fils Paulo naît de leur union. Entre 1914 et 1918, il y a une période de transition : ce sont les années de la Première Guerre mondiale et, tout en continuant à expérimenter, Picasso semble revenir à un style de peinture plus traditionnel. Ses œuvres rappellent alors celles des grands maîtres de la Renaissance italienne, en particulier Raphaël, mais aussi les toiles néoclassiques de Jean-Auguste-Dominique Ingres. En 1936, la guerre civile éclate en Espagne et Picasso sympathise avec les républicains, au nom de son amour de la liberté, contre les fascistes du général Franco. 1937 est l’année de l’Exposition universelle de Paris, pour laquelle l’artiste espagnol réalise le grand tableau Guernica, qui représente le bombardement et la destruction de la petite ville espagnole de Guernica par les nazis-fascistes qui ont soutenu l’armée franquiste et l’ont bombardée.

Après la libération de Paris à la fin de la Seconde Guerre mondiale, Pablo s’est lié avec la jeune étudiante en art Françoise Gilot, dont il a eu deux enfants, Pablo et Paloma. Françoise fut la seule femme à le quitter, lassée de ses infidélités. Dans les années qui suivent la Seconde Guerre mondiale, Picasso, après avoir peint un chef-d’œuvre comme Joie de vivre (1946-1948), qui inaugure une période plus insouciante de sa carrière, se consacre à la céramique(pour en savoir plus sur les céramiques de Picasso, cliquez ici) et à la sculpture, tandis que ses peintures se caractérisent par des œuvres “d’après”, c’est-à-dire des interprétations personnelles de tableaux célèbres. En 1950, Pablo Picasso était un artiste célèbre et célébré dans les musées du monde entier. L’artiste est décédé à Mougins le 8 avril 1973 à l’âge de 91 ans. En 2003, le musée Picasso a été inauguré à Malaga(en savoir plus sur le musée Picasso de Malaga ici), qui abrite plus de deux cents œuvres de l’artiste espagnol en exposition permanente. Ses œuvres sont aujourd’hui vendues dans les plus grandes maisons de vente aux enchères pour des millions de dollars.

Pablo Picasso, Vie (1903 ; huile sur toile, 197 x 127,5 cm ; Cleveland, Cleveland Museum of Art)

Pablo Picasso, Vieux guitariste (1903 ; huile sur toile, 121 x 92 cm ; Chicago, The Art Institute)

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon (1907 ; huile sur toile, 243,9 x 233,7 cm ; New York, Museum of Modern Art)

Pablo Picasso, La joie de vivre (1946-1948 ; peinture ripolin et fusain sur fibrociment, 120 x 250 cm ; Antibes, Musée Picasso)

Le style et les œuvres majeures de Picasso

La production artistique de Picasso est l’une des plus prolifiques et des plus variées du XXe siècle. En effet, tout au long de sa carrière, l’artiste a connu de nombreux changements stylistiques et s’est révélé être un artiste aux multiples facettes, capable d’aborder n’importe quelle expression artistique. Ses peintures sont étroitement liées à ses expériences de vie. Un groupe de dessins et plusieurs esquisses constituent la première exposition de Picasso: l’exposition est installée sur les murs d’un lieu artistico-littéraire, Els Quatre Gats, à Barcelone en 1897. Ce club était fréquenté par des intellectuels et des artistes qui représentaient une nouvelle orientation dans les milieux artistiques de Barcelone. C’est dans ce club que l’artiste andalou rencontre le peintre et poète Carlos Casagemas, avec lequel il décide, à l’automne 1900, de partir pour Paris, alors capitale de l’art. Là, les musées et les galeries de marchands permettent à Picasso de voir les œuvres d’Ingres, de Delacroix, de Van Gogh et de Toulouse-Lautrec. Malgré la brièveté de son séjour, l’artiste trouve le temps de peindre plusieurs tableaux qui témoignent de sa capacité à assimiler rapidement de nouvelles influences, comme l’œuvre Les Moulins de la Galette de 1900, qui s’inscrit dans la tradition impressionniste. La toile représente une salle bondée de couples de danseurs, dont la surface est traitée par des coups de pinceau fluides aux couleurs vives. La lumière semble provenir de la couleur des jupes des dames et de leurs chapeaux flamboyants, ainsi que des festons à l’arrière-plan et des lumières qui caractérisent ces lieux typiquement parisiens. La technique des impressionnistes est adoptée par Picasso, qui démontre immédiatement sa capacité à maîtriser un nouveau style.

L’occasion de sa première exposition parisienne lui est offerte par le marchand et galeriste Ambroise Vollard, qui possède une boutique rue Laffitte, une rue devenue célèbre pour ses galeries consacrées aux peintres d’avant-garde. Vollard était l’ami et le soutien de peintres dont les noms comptaient parmi les plus illustres de son époque et que Picasso a connus grâce à lui : parmi eux, Cézanne. L’exposition dans la galerie de Vollard ne suscite l’intérêt que de quelques critiques et collectionneurs, mais elle est à l’origine de nouvelles amitiés, comme celle avec le poète mystique Max Jacob.

Dans les premières années du XXe siècle, Picasso commence à montrer des symptômes de dépression, à la suite du suicide de son ami Carlos Casagemos. Cette période coïncide avec la phase bleue: le délicat équilibre psychologique du peintre se traduit sur la toile. En effet, le bleu prend une valeur mélancolique, poétique, presque sacrée, et devient une sorte de projection de son propre malaise intérieur. Les sujets des toiles de cette phase sont des pauvres et des marginaux, dont le désespoir et la mélancolie sont à la fois sociaux et mentaux. Le tableau le plus important de cette période est sans aucun doute La vie (1903) : l’allégorie que l’artiste a voulu exprimer n’est pas facile à lire. La rigidité des personnages suggère qu’ils expriment l’incompatibilité de la vie et de l’amour sexuel. Le tableau pourrait également renvoyer au thème de la vie régie par un malaise quotidien et inévitable que l’on peut affronter seul ou en couple. De la même époque, Le vieux guitariste (1903) : peu d’éléments sont présents dans le tableau, l’accent est mis sur le vieil aveugle qui, en jouant de la guitare, semble ne plus avoir la force de vivre. Ces deux exemples témoignent de la forte tristesse et de la pauvreté qui caractérisent cette période et surtout de l’habileté d’un artiste qui, à seulement vingt-deux ans, a su traduire sous forme visuelle des sensations et des prises de conscience qui n’étaient pas faciles à assimiler. Dans la période qui suit (1904-06), le rose devient la couleur principale de ses œuvres. Ici, la leçon principale semble être celle d’Henri de Toulouse-Lautrec, en perdant toutefois la légèreté et les aspects plaisants de l’artiste français. Dans la période rose, Picasso montre un intérêt renouvelé pour le volume et l’espace, bien que la mélancolie soit toujours présente. Les seuls aspects positifs de la pauvreté sont les liens affectifs, comme dans les nombreuses représentations de saltimbanques : La Famille d’ acrobates (1905) où un groupe d’artistes de cirque pose entouré d’un paysage intemporel ; les personnages semblent être des icônes de la marginalisation, ils deviennent des symboles de la souffrance humaine, mais contrairement aux personnages de la période bleue, les acrobates représentés ici ne font pas preuve d’une tristesse excessive, c’est plutôt le vide qui les entoure qui suscite un sentiment de solitude et d’aliénation, comme dans Le Garçon à la pipe (1905). L’œuvre a atteint une grande notoriété car elle a été la peinture la plus payée dans une vente publique de tous les temps : en 2004, elle a été adjugée à plus de 100 millions de dollars et reste l’une des rares peintures de la période rose en mains privées.

Dans les années qui suivent, les peintures deviennent plus sèches, les lignes plus géométriques et les volumes réduits: c’est ce que démontre le Portrait de Gertrude Stein (1906), dans lequel l’artiste évite la perspective et rend les traits du visage délibérément asymétriques. L’écrivain américain apprécie beaucoup ce cadeau, qu’elle accroche dans son salon. En 1907, Picasso approfondit sa connaissance de l’art africain en visitant le musée ethnographique du Trocadéro, que Pablo avait approché grâce à l’artiste André Derain. L’approche de ce type d’art est fondamentale pour l’artiste qui, attiré par les masques africains, les mentionnera également dans Les Demoiselles d’Avignon(1906-07), œuvre considérée par de nombreux historiens de l’art comme le manifeste du cubisme. La toile est restée longtemps dans l’atelier de l’artiste, jusqu’en 1916, bien qu’elle ait été vue par de nombreux artistes qui fréquentaient l’atelier : les cinq jeunes filles regardent directement le spectateur, ce qui donne l’impression que celui-ci se trouve à l’intérieur du tableau et crée un espace quadridimensionnel. Le point fort de l’œuvre est le croisement de l’ancienne tradition picturale du groupe de nus féminins avec le thème prosaïque de la maison close. L’image était déconcertante pour ceux qui étaient habitués à une peinture plus traditionnelle. Au début du 20e siècle, en effet, de nombreux peintres peignaient dans un style impressionniste. Les artistes post-impressionnistes comme Edvard Munch, Vincent Van Gogh et Cèzanne ont certes beaucoup expérimenté sur le plan pictural et formel, mais les figures brisées et déformées que Picasso a présentées ont apporté d’autres éléments de nouveauté.

En 1910, Picasso rencontre George Braque et ensemble ils commencent à introduire la planéité des volumes, la perte des effets de clair-obscur, la réduction progressive des couleurs et, surtout, le principe de simultanéité, marque de fabrique du cubisme: la superposition de plusieurs points de vue dans une même image. Le Portrait de Daniel - Henry Kahnweiler (1910) est un portrait cubiste du galeriste de Picasso et Braque. L’intention première de l’artiste espagnol n’était pas de recréer une image ressemblant à la réalité ou d’“imiter la nature”, mais de fragmenter les formes et de les recomposer sur la toile : comme il l’a écrit en 1923, “l’art a toujours été l’art et non la nature”. Selon les témoignages de l’époque, Kahnweiler a posé trente fois, preuve de l’engagement de Pablo dans l’élaboration de son langage spatial.

Picasso menait ses recherches picturales dans un but rationnel et scientifique, comme le montre une autre de ses œuvres de la période cubiste, Femme à la mandoline (1910) : au centre se trouve une femme, dont la figure est composée de formes géométriques simples, de volumes qui se chevauchent et se croisent, et l’on peut également distinguer la mandoline dont la femme joue. Picasso ne s’arrête pas à la période cubiste. En 1917, il se rend en Italie avec son ami écrivain Jean Cocteau. La rencontre avec le Bel Paese pousse l’artiste andalou vers un style de peinture classique qui se manifeste par la représentation de figures féminines monumentales et douces: un exemple en est les Femmes dansant sur la plage (1924), un tableau inspiré du thème traditionnel des Bacchantes. C’est au début des années 1920 qu’a lieu la rencontre avec André Breton, qui tente d’impliquer le Picasso mature dans le mouvement surréaliste: l’artiste n’y adhère cependant pas complètement, bien que des éléments de la poétique surréaliste soient perceptibles dans les œuvres de ces années-là. La phase classique a été suivie d’un type de peinture plus “violent”. La petite ville espagnole de Guernica a été bombardée le 26 avril 1937 et, en mai de la même année, Picasso a travaillé sur Guernica, une grande toile (351x782 centimètres) que l’artiste a peinte pour l’Exposition universelle de Paris. Cette œuvre est considérée par beaucoup comme le sommet de sa carrière artistique. L’espace décrit est un intérieur démoli par les bombardements, et les figures font de nombreuses références aux classiques : il convient en effet de noter que la figure de la mère avec l’enfant renvoie à la Pieta de Michel-Ange. Le tableau, qui exprime le nouveau lien entre l’art et la vie, la forme et le sentiment, n’est pas seulement un témoignage pictural, mais un véritable “manifeste” de l’art moderne politiquement engagé. Pablo Picasso a été l’un des artistes les plus importants de l’histoire de l’art. Artiste d’une créativité extraordinaire dans ses dernières années, il a également créé des assiettes, des vases et des sculptures. Lorsqu’il meurt à l’âge de 91 ans, Pablo Picasso est toujours un maître dont la créativité ne semble jamais s’épuiser.

Pablo Picasso, Les Moulins de la Galette (1900 ; huile sur toile, 88,2 x 115 cm ; New York, musée Guggenheim)

Pablo Picasso, Portrait de Gertrude Stein (1905-1906 ; huile sur toile, 99,6 x 81,3 cm ; New York, Metropolitan Museum)

Pablo Picasso, Portrait de Daniel Kahnweiler (1910 ; huile sur toile, 100,4 x 72,4 cm ; Chicago, The Art Institute)

Pablo Picasso, Guernica (1937 ; huile sur toile, 349,3 x 776,6 cm ; Madrid, Museo Reina Sofía)

Où voir les œuvres majeures de Picasso

Le musée le plus connu consacré à l’artiste espagnol est le musée Picasso à Paris, qui compte environ 3 000 œuvres. Cette abondante collection est le fruit de deux importantes donations, l’une en 1979 et l’autre en 1990 par sa fille Jacqueline. De nouvelles acquisitions sont venues s’ajouter au fil des ans ; on peut voir ici l’œuvre cubiste Nature morte à la chaise de paille (1912) et Femmes courant sur la plage de 1922. Barcelone a également consacré un musée au peintre espagnol, qui y a vécu ses années de formation et était donc très attaché à la ville. Le musée Picasso de Malaga est un autre lieu où l’on peut admirer les œuvres. Le musée est situé dans un palais caractéristique du centre-ville. Des travaux de restauration ultérieurs ont mis au jour d’anciens vestiges phéniciens, romains et arabes que l’on peut désormais admirer dans les sous-sols du musée. Le musée expose en permanence plus de 200 œuvres de l’artiste. Toujours en Espagne, l’impressionnant Guernica peut être admiré au musée Reina Sofia de Madrid. Pour voir Les Demoiselles d’Avignon , il faut se rendre outre-Atlantique, au Museum of Modern Art (MoMa) de New York.

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