Piero Dorazio, abstractionniste révolutionnaire. Vie, œuvres principales, style

Piero Dorazio (Rome, 1927 - Pérouse, 2005) est l’un des plus grands représentants de l’abstractionnisme européen, un mouvement artistique qu’il a abordé au milieu du XXe siècle. Ses œuvres se caractérisent par l’utilisation de lignes, de géométrie et de couleurs, autant d’éléments qui deviendront sa marque de fabrique stylistique, grâce également à une étude et à une subdivision minutieuses de l’espace.

Dès son plus jeune âge, Dorazio adhère progressivement au courant abstractionniste italien. L’année 1945, qui marque la fin de la Seconde Guerre mondiale, est fondamentale dans son parcours stylistique. À cette date, la scène artistique italienne commence à ressentir le besoin de débarrasser l’art de toute référence naturaliste et de la fonction sociale qui caractérisait les œuvres jusqu’alors, au profit d’un nouveau langage, apparemment plus simple et conforme aux expériences artistiques internationales. Dorazio s’exprime également dans ce sens: en 1945, avec Carlo Aymonino, Achille Perilli, Mino Guerrini, Lucio Manisco, Carlo Busiri Vici, Alfio Barbagallo et Renzo Vespignani, il fonde le Gruppo Ariete et, plus tard, le Gruppo Arte Sociale.

En 1947, la recherche expressive de l’art dorazien se poursuit à travers le groupe Forma 1, auquel participent Carla Accardi, Ugo Attardi, Pietro Consagra, Mino Guerrini, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo et Giulio Turcato ; les membres du groupe sont unis par le désir de libérer l’art d’une dimension psychologique ou réaliste, en l’associant au critère de la structure et en mettant l’accent sur le signe et la forme, qui deviennent un élément d’expression unique. Ces principes influenceront désormais de manière décisive toute la production de Dorazio.

Après avoir résidé à Rome et voyagé entre l’Europe et les États-Unis, Dorazio choisit un ancien couvent à Todi, près de Pérouse, comme résidence permanente. Il s’y installe en 1973, l’aménageant en résidence et en atelier. C’est dans la campagne ombrienne que l’artiste trouve une nouvelle inspiration et s’imprègne d’une énergie fertile qui éveille ses sens. Ce petit village est en effet devenu un véritable temple de l’art abstrait qui accueille également des artistes internationaux.

La recherche de sens dans les compositions de Dorazian n’est pas chose aisée. Pourtant, dans de nombreux entretiens avec des critiques, Dorazio trouve une clé de compréhension de l’art abstrait . Il affirme que le tableau abstrait ne représente rien d’autre que lui-même, car il est composé d’éléments de la vision: la couleur, l’espace, la matière, la taille et le mouvement se combinent pour transmettre des sensations et des émotions. L’art est synthétisé dans la représentation de l’irréel, qui est cependant capable d’exciter et de transmettre des sentiments et des sensations véritables. Par conséquent, l’art non figuratif est toujours une abstraction, car il permet de créer des images à partir des éléments de la vision.

La vie

Piero Dorazio est né à Rome le 29 juin 1927. Parallèlement à ses études classiques, il fréquente l’atelier du peintre Aldo Bandinelli. Il commence à peindre des paysages et des natures mortes, puis se concentre sur des sujets qui rappellent de loin le cubisme. La peinture représente pour l’artiste une forme de transgression et d’évasion du climat de guerre et de fascisme qui perturbe également le secteur artistique de l’époque. Après des études d’architecture à l’université de Rome, il s’inscrit à l’école de spécialisation et suit les cours de Lionello Venturi, une occasion précieuse d’approcher les œuvres de Paul Cézanne, précurseur du cubisme, par le biais de diapositives.

En 1947, il obtient une bourse pour l’École des Beaux-Arts de Paris, où il réside pendant un an, grâce à la médiation de Gino Severini, et entre en contact avec les protagonistes de la scène culturelle et artistique locale tels qu’André Breton, Henri Matisse, Joan Miró, Le Corbusier, Georges Braque, Hans Arp et Fernand Léger. La même année, il se rend à Prague, ville où se tient le premier Festival mondial de la jeunesse, dont la section italienne est dirigée par Mario Pirani et les socialistes, et qui représente la première grande rencontre internationale de jeunes du monde entier. De retour à Rome, les suggestions de l’environnement parisien épaississent la production artistique de Dorazio, qui expose trois œuvres à la Quadriennale de Rome en 1948 et, deux ans plus tard, se lance dans un projet ambitieux: avec Achille Perilli et Giovanni Guerrini, il inaugure L’Age d’Or, une galerie-librairie située Via del Babuino, spécialisée dans les revues et les livres d’avant-garde, lieu d’expositions d’art abstrait et premier lieu de rencontre de la bohème internationale.

Les expositions aux États-Unis et les contacts avec des artistes tels que Klein, Cornell, Motherwell, Duchamp et Rothko constituent pour l’artiste une confrontation continue avec l’art international en effervescence qui encombre les galeries new-yorkaises à cette époque. En effet, en 1954, la Rose Fried Gallery organise sa première exposition personnelle. Trois ans plus tard, la Galleria La Tartaruga lui consacre sa première exposition personnelle en Italie.

En 1960, à l’université de Pennsylvanie à Philadelphie, Dorazio réorganise et dirige le département des beaux-arts. L’année suivante, il reçoit le prix Kandinskij et le prix de la Biennale de Paris, mais refuse le million de francs car il est opposé à la politique française de guerre en Algérie. En 1968, il vit pendant six mois à Berlin, grâce au prix qu’il a reçu de l’Académie allemande. De retour en Italie, il s’installe dans la campagne romaine, puis réside définitivement au couvent de Todi, près de Pérouse.

Il y poursuit son travail, se consacrant à des livres d’artiste, des illustrations, des estampes, des gravures et des productions théâtrales. En 1979, une grande exposition anthologique, organisée par le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, célèbre le génie du peintre et est suivie en 1990 d’une exposition au Musée de Grenoble. Quatre ans plus tard, il collabore à des mosaïques d’artistes pour les stations de métro de Rome. La réputation internationale de l’artiste a également été présentée à l’occasion de l’exposition Dorazio Jazz, qui s’est tenue au Museion de Bolzano, même si la rétrospective organisée à l’Institut Valencia d’Art Modern, à Valence, a été plus importante. Après avoir atteint une position de premier plan dans le panorama de l’art abstrait, confirmée également par des expériences à l’étranger, Piero Dorazio s’est éteint le 17 mai 2005 à Pérouse.

Les principales œuvres et le style de Piero Dorazio

La production artistique de Piero Dorazio s’étend sur une période d’environ soixante ans, depuis les toutes premières œuvres des années 1940 qui se concentrent sur le thème du paysage, en passant par les quelques exemples qui montrent des suggestions futuristes, jusqu’au principal résultat de sa recherche qui, à travers l’utilisation de couleurs bien définies qui ponctuent la surface picturale, prend forme dans la longue série d’œuvres abstraites.

Au début de sa recherche picturale, l’artiste s’attarde sur le thème du paysage, en prenant pour modèle la campagne romaine de la Via Flaminia, dont il observe la nature sauvage et inculte et analyse les ombres et les lumières, transformant ces vues en “paysages intuitifs”. Son approche du mouvement cubiste est éphémère et trouve l’une de ses plus grandes réussites dans la Nature morte de 1946, aujourd’hui conservée dans une collection privée. Peinte immédiatement après la Seconde Guerre mondiale, elle fait partie du noyau d’œuvres de jeunesse que Dorazio a créées à la suite de suggestions suscitées par une visite à l’exposition de reproductions de tableaux impressionnistes organisée par Lionello Venturi à la National Gallery of Modern Art, et grâce au cours sur Cézanne donné par Venturi à l’École de spécialisation, qui l’a initié à l’art précubiste par le biais de diapositives en noir et blanc projetées pendant le cours.

Après 1946, l’artiste rencontre Gino Severini et Enrico Prampolini, fondateurs de l’International Art Club à la Galleria San Marco, qui l’initient au futurisme, un mouvement jusqu’alors négligé car associé au fascisme. À cette époque, ses œuvres marquent une rupture avec le climat culturel romain et le climat italien par l’utilisation de couleurs discordantes et de formes qui suggèrent le dynamisme, comme en témoigne Composizione - Fiorista (Composition - Fleuriste ) de 1947, conservée à la GAM - Galleria civica d’arte moderna e contemporanea de Turin.

La même année, le voyage à Prague donne lieu à la création de la série des Paysages de Prague, comme le Pont Charles et Tout Prague, des œuvres abstraites qui se concentrent sur l’organisation de l’espace à travers la définition de structures et de lignes telles que les triangles et les ogives qui, d’une certaine manière, restaurent la physionomie gothique de la ville. Paris représente l’un des voyages les plus formateurs pour l’artiste. Il y a eu l’occasion de peindre et d’étudier l’architecture, tout en fréquentant Le Corbusier, Matisse et bien d’autres.

Un résultat intéressant de ce séjour est Léda de 1949, une œuvre inspirée du mythe grec et présentée comme une œuvre constructiviste, où les images sont organisées par des plans et des césures, ainsi que la présence d’un mouvement de lignes courbes et droites qui donnent à l’œuvre une charge cubiste synthétique.L’une des œuvres qui a connu le plus grand succès international est le relief Quattro domande, une œuvre qui constitue la mise à zéro de la peinture, où les quatre questions font référence aux concepts d’espace, de couleur, de matière et de lumière, posant la question de savoir comment interpréter ces quatre paramètres de la forme expressive. Elle fait partie d’une série de reliefs réalisés entre 1952 et 1954, dont certains seront coulés en argent et en bronze. Les reliefs blancs, en particulier, seront très appréciés par la critique américaine.

Conversazionetelefonazione con Ulàn Batòr (Conversation téléphonique avec Ulàn Bat&ogr ave;r) de 1954 constitue un net retour à la peinture, à travers des touches de couleur qui rappellent des chefs-d’œuvre tels que States of Mind d’Umberto Boccioni, que l’artiste a vu à la Galleria La Margherita à Rome. La composition est désormais complète et la surface du tableau est perçue comme une composition musicale rythmiquement répétée, dynamique et continue, à travers les coups de pinceau de la couleur.

Dans la production de l’artiste, l’utilisation de titres particuliers, comme celui utilisé pour Interno de 1957, a pour but de désorienter l’observateur, de le détourner de l’habitude de voir représenté dans le tableau quelque chose de déjà connu. Dans ce cas, le titre renvoie à un intérieur métaphysique, car l’œuvre ne représente ni un paysage ni une figure. Ce tableau poursuit l’expérience du précédent, car il contient des méthodes de peinture similaires, telles que le coup de pinceau plat et le coup de couteau à palette. Les couleurs ne sont pas dramatiques, mais sereines, comme l’étaient les années de Dorazio à l’époque.

Vers la fin des années 1950, les peintures se caractérisent par une surface dense de coups de pinceau. Des tableaux comme Stream of Tenderness et Styx, réalisés en 1958 et conservés au Museo del Novecento de Milan, révèlent un mélange de trois couleurs primaires, utilisées d’une manière presque divisionniste. Ces deux toiles anticipent les “réticules” des années 1960, tels qu’ils ont été définis par les critiques. À cette typologie appartient Oltre blu (Au-delà du bleu), une œuvre dans laquelle des coups de pinceau ordonnés construisent une structure qui crée une sensation d’espace ; il ne s’agit pas de coups droits, mais ils sont attachés les uns aux autres, rappelant la peinture divisionniste de Previati. Toujours dans les années 1960, Dorazio étudie de près la trame des “réticules”, réalisant de véritables agrandissements avec des lignes obliques, horizontales et verticales qui se chevauchent. C’est ainsi qu’est construite l’œuvre Cercando la Magliana de 1964, provenant d’une collection privée, qui suggère une impression de mouvement et de lumière. Le thème du dynamisme se retrouve également dans Tangente, une peinture aux lignes courbes qui caractérise les œuvres de 1966 à 1969.

Dans les années 1970, la peinture de l’artiste devient de plus en plus rythmée, pleine de contrastes et de points d’ombre et de lumière, comme en témoigne Discanto de 1975. Ici, les taches de couleur sont dessinées dans l’ordre, de manière intuitive et dynamique. La recherche minutieuse de la structure de la composition est un thème constant dans la production tardive du peintre. Jusqu’aux années 2000, le thème des “grilles” est analysé dans de nombreuses œuvres qui ont fait de lui l’un des artistes abstraits les plus importants de la scène italienne et internationale.

Où voir les œuvres de Piero Dorazio?

Bien que de nombreuses œuvres soient conservées dans des collections privées, la production dorazienne exposée au public est à ce jour répartie entre l’Italie, Vienne, Amsterdam, Londres et New York.

Commençons par le premier lieu, la GAM - Galleria civica d’arte moderna e contemporanea de Turin, où sont conservées Composizione - Fiorista (1947) et La ribambelle des Gobelins (1964). À Rome, en revanche, on trouve Ginn Rull, un diptyque en acrylique sur toile appartenant à la GNAM - Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma ; au MACRO - Museo d’arte contemporanea di Roma, une œuvre de la phase de maturité, No-stop, datant de 1996. La collection Intesa Sanpaolo comprend également une huile sur toile intitulée Crack bleu datant de 1959.

Le Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien à Vienne possède Supernova de 1958. La Tate Modern de Londres possède Molto a punta de 1965 et le Stedelijk Museum d’Amsterdam Tra una cosa e l’altra de 1966. Toujours à l’étranger, à la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, se trouve A peaceful solution de 1976-1977.

Dans le but de promouvoir l’art de Piero Dorazio et d’encourager l’étude et la protection de la production de l’artiste, l’Associazione Archivio Piero Dorazio a été créée à Milan en 2014, à l’initiative des héritiers de l’artiste.

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