Rosso Fiorentino, la vie, l'œuvre et le style du grand peintre maniériste

Avec Pontormo, Rosso Fiorentino (Giovanni Battista di Jacopo ; Florence, 1495 - Fontainebleau, 1540) est la figure clé du premier maniérisme florentin: les deux peintres, à peu près du même âge, ont reçu la même formation (ils ont tous deux été élèves d’Andrea del Sarto) et ont proposé un style de peinture nettement nouveau et non conventionnel. La réalité de Rosso Fiorentino est une “non-réalité” résolument aliénée et inquiétante : ses œuvres sont peuplées de figures grotesques, aliénantes, bizarres, souvent caractérisées par des regards ahuris ou inquiets, et par la rupture totale de l’équilibre et de l’harmonie qui constituaient l’un des principaux acquis de la Renaissance. Dans un monde aussi perturbé et agité que celui du début du XVIe siècle, la peinture de Rosso Fiorentino reflète toutes les préoccupations de l’homme de l’époque.

Rosso Fiorentino (surnommé ainsi en raison de la couleur de ses cheveux) était un artiste très original, intolérant aux règles, qui proposait un style personnel en dehors des canons : et le fait que Giovanni Battista di Jacopo était un peintre rebelle, agité et tourmenté peut être déduit dès sa formation, car Giorgio Vasari lui-même, dans ses Vies, affirme que Rosso n’aimait pas l’art de ses contemporains, à l’exception de “quelques maîtres” (c’est Vasari lui-même qui utilise cette expression) qu’il voulait plutôt suivre, et parmi ces quelques maîtres appréciés par le peintre figuraient Andrea del Sarto, un point de référence important pour les jeunes peintres de l’époque à Florence, et Michelangelo Buonarroti (Vasari souligne que la caricature de Michelangelo de la bataille de Cascina, qu’il a copiée dès son plus jeune âge, a joué un rôle important dans la formation de Rosso Fiorentino) : lire ici un aperçu détaillé de la bataille de Cascina).

En tant que l’une des principales figures de l’art maniériste et, avec Pontormo, l’initiateur du maniérisme à Florence, Rosso Fiorentino peut être classé parmi les grands noms de l’histoire de l’art italien. Son œuvre a eu un impact considérable sur de nombreux artistes ultérieurs : par exemple Giorgio Vasari, Giulio Romano, Ludovico Cardi dit Cigoli, Francesco Granacci, Francesco Primaticcio, Andrea Lilio et bien d’autres.

Giorgio Vasari et ses assistants, Portrait de Rosso Fiorentino (fresque ; Arezzo, Casa Vasari). Photo de Francesco Bini

La biographie de Rosso Fiorentino

Giovanni Battista di Jacopo est né à Florence en mars 1494, quelques mois avant son “alter ego” Pontormo (né à Pontorme, dans la banlieue d’Empoli). Nous ne savons pas grand-chose sur la famille du peintre : nous savons que son père Jacopo était originaire du Val di Chiana et que son frère Filippo était frère de l’église de la Santissima Annunziata. Il Rosso, surnom dérivé de la couleur de ses cheveux (il semble d’ailleurs que Giovanni Battista était un très bel homme), compléta sa formation auprès d’Andrea del Sarto et l’étude de la Battaglia di Cascina de Michelangelo fut fondamentale pour lui. En 1512, alors qu’il n’a pas encore dix-huit ans, il peint avec Pontormo la prédelle de l’Annonciation de San Gallo d’Andrea del Sarto. Le tableau du maître de Rosso se trouve aujourd’hui au palais Pitti, tandis que la prédelle de ses deux élèves a été perdue. Rosso se confirme comme un artiste au talent précoce lorsqu’en 1513, à l’âge de dix-neuf ans, il commence à peindre sa première œuvre datable avec certitude, la fresque de l’Assomption dans la basilique de la Santissima Annunziata à Florence, achevée l’année suivante.

En 1515, Rosso participe à la préparation des festivités à l’occasion de l’arrivée du pape Léon X à Florence. En 1517, il s’inscrit à l’Arte dei Medici e degli Speziali, tandis que l’année suivante il réalise, pour Leonardo Buonafede, l’œuvre connue aujourd’hui sous le nom de Retable de Spedalingo, conservée aux Offices, l’un de ses chefs-d’œuvre les plus connus et les plus célèbres, bien que l’aspect résolument inhabituel de l’œuvre ait conduit le commanditaire à ne pas l’apprécier. Vers 1520, l’artiste se trouve à Piombino où il travaille pour le seigneur local, Jacopo V Appiani, sans que l’on connaisse avec certitude les dates de son séjour. En 1521, Rosso Fiorentino se trouve à Volterra, où il peint son plus grand et plus célèbre chef-d’œuvre, ainsi que la pierre angulaire de tout le maniérisme et de l’histoire de l’art italien : la Déposition, aujourd’hui conservée à la Pinacoteca Civica de Volterra. Toujours à Volterra, il exécute la Pala di Villamagna. En 1522, pour la famille Dei, il peint le retable Dei qui se trouve aujourd’hui aux Offices. De nouveau, vers 1523, il peint l’un de ses chefs-d’œuvre les plus connus, Moïse et les filles de Jethro. La même année, il s’installe à Rome où il travaille à la chapelle Cesi de l’église Santa Maria della Pace, là même où Raphaël Sanzio avait travaillé quelques années plus tôt. En 1527, lors du sac de Rome, il est fait prisonnier par les Allemands, mais parvient à se libérer et se réfugie à Pérouse. La même année, il rejoint la ville de Sansepolcro, où il peint la Lamentation sur le Christ mort, une autre œuvre clé de sa production, également connue sous le nom de Déposition de Sansepolcro.

En 1528, Rosso Fiorentino se trouve à Città di Castello où il peint le Christ en gloire pour la cathédrale locale. Le jeudi saint 1530, il est impliqué dans une rixe qui éclate dans une église de Sansepolcro, où Rosso Fiorentino et l’un de ses apprentis sont contraints d’affronter des prêtres (cet épisode grotesque est relaté dans les Vies de Vasari). L’artiste décide de se rendre à Venise, où il est accueilli par son ami Pietro Aretino (qu’il a probablement rencontré à Rome), puis part pour la France, lieu où, selon Giorgio Vasari, le peintre a toujours exprimé le désir d’aller. En France, Rosso Fiorentino devient peintre de la cour de François Ier. En 1532, pour François Ier de France, il commence à diriger les travaux de la galerie dite de François Ier dans le château de Fontainebleau, qui doit être décorée d’une série de fresques. Il participe au projet jusqu’en 1539 et, la même année, il commence à travailler avec Francesco Primaticcio (Bologne, 1504 - 1570) sur les fresques des Amours de Vertunno et Pomone, qui sont achevées l’année suivante. L’artiste meurt subitement, âgé de seulement quarante-six ans, le 14 novembre 1540 à Fontainebleau. La cause de sa mort n’est pas connue avec certitude : selon Vasari, le peintre se serait suicidé, éprouvant un fort sentiment de culpabilité pour avoir injustement accusé de vol un ami peintre, Francesco di Pellegrino, qui fut par la suite également torturé en prison. L’information de Vasari n’est toutefois confirmée par aucune autre source (et pour la même raison, à savoir l’absence de documents sur le sujet, elle ne peut pas non plus être réfutée). Tous ses chantiers et commandes furent hérités par Primaticcio, qui poursuivit l’œuvre de Rosso, donnant naissance à ce que l’on appelle l’école de Fontainebleau, qui introduisit le maniérisme italien en France grâce à la présence de quelques figures de proue.

Rosso Fiorentino, Assomption (1517 ; fresque, 385 x 337 cm ; Florence, Santissima Annunziata, Chiostrino dei Voti)

Rosso Fiorentino, Pelle du Spedalingo (1518 ; tempera sur panneau, 172 x 141,5 cm ; Florence, Uffizi)

Rosso Fiorentino, Déposition de croix (1521 ; huile sur panneau, 343 × 201 cm ; Volterra, Pinacothèque et Museo Civico)

Le style et les principales œuvres de Rosso Fiorentino

La première œuvre certaine de Rosso Fiorentino est l’Assomption de la Vierge, peinte entre 1513 et 1514, alors que l’artiste n’avait que dix-huit ans, dans ce que l’on appelle le Chiostrino dei Voti, une cour de la basilique Santissima Annunziata de Florence, à la décoration à fresque de laquelle participèrent tous les plus grands artistes de l’époque, à commencer par le propre maître de Rosso, Andrea del Sarto (il est plausible que la participation de Rosso Fiorentino à l’entreprise ait été préconisée par Andrea del Sarto lui-même, qui, à seulement vingt-sept ans, était déjà l’un des artistes les plus en vue de Florence à l’époque). La fresque de Rosso est divisée en deux registres, celui du haut où l’on voit la Madone monter au ciel au milieu d’une liesse d’anges, et celui du bas où l’on voit les apôtres qui observent la scène avec étonnement, selon un schéma de composition qui rappelle celui du Jugement dernier de Fra’ Bartolomeo. Outre la vigueur des figures, qui rappelle l’art de Michel-Ange, et le chromatisme qui renvoie plutôt à l’art d’Andrea del Sarto, on remarque déjà dans cette Assomption de nombreux traits qui seront propres à l’art de Rosso Fiorentino, comme la façon dont il traite les draperies, qui sont très grandes (elles apparaissent presque toujours plus larges qu’elles ne devraient l’être) et de forme anguleuse (une des nombreuses bizarreries qui caractérisent le style du peintre florentin). L’Assomption se distingue également par la modernité avec laquelle l’artiste dispose les figures des apôtres, qui ne sont pas rigides et schématiques, mais prennent des poses et des angles différents. Là encore, il est important d’observer le drapé de la figure centrale : le manteau vert qui sort du cadre dans lequel le tableau est placé constitue un motif qui rompt l’harmonie et l’équilibre (éléments qui seront à la base de la naissance du maniérisme).

Un Rosso Fiorentino encore plus original et encore plus orienté vers le maniérisme se manifeste dans la " Pala dello Spedalingo“, une œuvre de 1518 conservée aux Offices. Elle est appelée ainsi parce qu’elle a été commandée par Leonardo Buonafede, un moine important de Florence à l’époque et ”spedalingo", c’est-à-dire recteur de l’hôpital de Santa Maria Nuova, qui était destiné à devenir évêque quelques années plus tard. Le retable aurait dû être placé dans l’église d’Ognissanti, mais il n’a pas été apprécié et n’a donc pas été exposé dans l’église (il a été envoyé à l’église de Santo Stefano à Grezzano, un hameau de la ville de Borgo San Lorenzo). En ce qui concerne le tableau, Vasari raconte une anecdote selon laquelle Leonardo Buonafede, se rendant dans l’atelier du peintre pour voir l’avancement du travail, s’enfuit avec horreur parce que les saints lui semblaient être des diables. Nous ne savons pas si cela a été le cas, mais cette anecdote traduit de manière très éloquente l’originalité de l’art de Giovanni Battista di Jacopo. En effet, les figures, surtout celles des saints avancés en âge comme saint Antoine Abbé et saint Jérôme, apparaissent très disgracieuses : saint Jérôme, par exemple, est voûté, a un corps squelettique et une paire de mains (surtout la gauche) dont les doigts ressemblent plutôt à des griffes. Un saint, donc, à l’aspect grotesque. Les autres saints, à savoir saint Jean-Baptiste à gauche et saint Étienne à côté de saint Jérôme, ont des regards et des expressions qui sont tout sauf joyeux et calmes : ils ont l’air étonnés et agités, chacun regardant dans une direction différente, et les ombres lourdes autour des yeux (regardez ceux de l’Enfant Jésus, par exemple) contribuent à rendre les visages légèrement rougis des saints encore plus troublants.

L’œuvre la plus connue de Rosso Fiorentino est cependant la Déposition à Volterra : après l’expérience du retable de Spedalingo, l’artiste quitta Florence (sans que l’on sache si ce déménagement est lié à l’affaire du retable) et se rendit d’abord à Piombino, puis à Volterra où il exécuta deux œuvres : le Retable de Villamagna, aujourd’hui conservé au Musée diocésain de Volterra, et la grandiose Déposition conservée aujourd’hui à la Pinacoteca Civica (elle a été réalisée pour la Compagnia della Croce de Volterra et a été placée dans la chapelle de la Compagnia, à l’intérieur de l’église San Francesco). Avec la Déposition, Rosso Fiorentino a signé l’une des œuvres les plus importantes de l’histoire de l’art italien, un jalon du maniérisme. Avec sa Déposition, exactement comme Pontormo le fera quelques années plus tard, Rosso Fiorentino cherche à étrangler l’observateur en subvertissant l’harmonie et l’équilibre : le maniérisme nie les règles de la Renaissance, il est contraire à toute logique de réalisme et de vraisemblance, il est le reflet de l’époque de fortes contradictions et de bouleversements politiques dans laquelle ce mouvement est né (et par conséquent les artistes ont été affectés et ont commencé à transférer toutes leurs angoisses et leurs inquiétudes sur la toile). Dans la Déposition de Rosso Fiorentino, les références spatiales (qui auraient manqué dans la Déposition de Pontormo) ne manquent pas, même si les escaliers adossés à la croix sont placés de manière asymétrique, mais le drame et le sentiment d’inquiétude sont transmis au sujet par les mouvements agités et inquiets, les aspects physiques des personnages, leurs poses totalement irréalistes, les couleurs très vives, la représentation extrêmement anguleuse et très irréaliste de la draperie. En outre, le choix de faire arriver la lumière d’un seul côté (c’est-à-dire du côté droit de la composition) fait que certaines parties du vêtement ont des tons très clairs et celles qui sont dans l’ombre sont très sombres, sans transitions graduelles de la lumière à l’ombre, un expédient qui donne un sens plus dramatique à la scène, comme si le mouvement accentué des protagonistes, ainsi que leurs gestes presque grotesques, n’étaient pas déjà suffisants. À cet égard, les cris des personnages qui enlèvent le corps de Jésus de la croix sont intéressants, d’une part, et les cris de désespoir des personnages en bas, d’autre part, avec Madeleine tombant théâtralement pour embrasser les jambes de la Madone et saint Jean s’avançant plutôt vers l’observateur en tenant son visage dans ses mains (il semble d’ailleurs que le saint cache un autoportrait du peintre : selon le récit de Vasari, Rosso était un jeune homme de belle allure). Un autre détail contribue à rendre l’ensemble encore plus aliénant : le peintre a en effet décidé d’insérer, dans le coin inférieur droit, des figures qui n’ont apparemment rien à voir avec la scène (il s’agit de trois personnages qui apparaissent près de la colline, vêtus d’habits contemporains, que l’on remarque à peine sur les reproductions photographiques mais que l’on remarque facilement si l’on observe l’œuvre en direct à une distance rapprochée). On peut supposer qu’il s’agit de soldats et qu’ils ont donc un rapport avec l’histoire de la Passion du Christ (ils symboliseraient donc le mal).

Parmi les autres œuvres importantes, citons la Lamentation sur le Christ mort de l’église San Lorenzo de Sansepolcro : l’œuvre a été commandée par la Confraternité des Battuti pour l’Oratoire de la Sainte-Croix, et a ensuite été déplacée à son emplacement actuel. Achevée en 1528, la peinture compte parmi les plus inquiétantes de Rosso Fiorentino et de tout le maniérisme. Les tons deviennent sombres, lugubres, le ciel bleu disparaît et Rosso introduit le fond sombre : ces tons donnent une idée de l’expérience dramatique vécue par le peintre en 1527 lors du sac de Rome, à tel point que l’élément le plus inquiétant du tableau, le soldat derrière la Madone évanouie, semble monstrueux, car le soldat, dans le contexte de la Passion du Christ, symbolise le mal. En outre, Rosso Fiorentino veut probablement condamner ici l’expérience qu’il a vécue à Rome l’année précédente. L’agitation est donc différente de celle qui animait la Déposition de Volterra : alors qu’à Volterra, Rosso avait divisé le tableau en deux registres, créant un contraste entre les deux plans, celui supérieur de la fatigue et celui inférieur du désespoir et de la douleur, ici tout le groupe de participants est animé exclusivement par la douleur et c’est seulement sur la douleur que Rosso concentre son attention. Toujours en Ombrie, à Città di Castello, le peintre exécute entre 1528 et 1530 le Christ ressuscité en gloire, une œuvre réalisée pour la société Corpus Domini et destinée à la cathédrale de la ville, aujourd’hui conservée au Museo Diocesano local. Les personnages proches du Christ sont Marie Madeleine, la Vierge Marie, Sainte Anne et Sainte Marie d’Égypte, tandis qu’en dessous se trouvent diverses figures représentant différents métiers ainsi que des peuples du monde (il y a également une gitane et un personnage noir, des peuples qui ont été sauvés par le sacrifice de Jésus mort et ressuscité et auxquels s’adresse donc le message du Christ lui-même). L’œuvre n’a pas été très appréciée car, selon la mentalité de l’époque, il était difficile d’accepter l’inclusion de personnages aussi bizarres dans une œuvre d’art de ce type, et aussi parce qu’un tel tableau, qui devait exprimer la sérénité et la joie de la résurrection du Christ, était encore peint dans des tons sombres et avec des atmosphères qui rappelaient celles de la Déposition de Sansepolcro. Encore une fois, le rejet de la tradition et l’harmonie prévalent, des caractéristiques qui ont toujours accompagné l’art de Rosso.

Rosso Fiorentino, Pala Dei (1522 ; huile sur panneau, 250 x 299 cm ; Florence, Palazzo Pitti, Galerie Palatine)

Rosso Fiorentino, Lamentation sur le Christ mort (1528 ; huile sur panneau, 270 x 201 cm ; Sansepolcro, San Lorenzo)

Rosso Fiorentino, Christ ressuscité en gloire (1528-1530 ; huile sur panneau, 348 x 258 cm ; Città di Castello, Museo Diocesano)

Où voir les œuvres de Rosso Fiorentino ?

Peu de peintures de Rosso Fiorentino nous sont parvenues. Un grand nombre d’œuvres de Giovanni Battista di Jacopo se trouvent à Florence : dans la capitale toscane, on peut admirer l’Assomption dans le Chiostrino dei Voti de la Santissima Annunziata, plusieurs œuvres aux Offices (le Retable de Spedalingo, l’Angiolino musicante, le Ritratto di Giovani in nero, le San Giovannino, le Mosè che difende le figlie di Ietro). La galerie Palatine de Palazzo Pitti conserve quant à elle le Pala Dei, tandis que la basilique de San Lorenzo abrite le Sposalizio della Vergine. Pour connaître l’art de Rosso Fiorentino, il est toutefois indispensable de se rendre à Volterra, pour admirer la Pala di Villamagna et surtout la Déposition, son plus grand chef-d’œuvre. Toujours dans la région, vous pourrez admirer la Lamentation sur le Christ mort dans l’église de San Lorenzo à Sansepolcro.

En dehors de la Toscane, peu d’endroits abritent des œuvres de Rosso Fiorentino. Le Christ ressuscité se trouve à Città di Castello, tandis que le Museo Nazionale di Capodimonte à Naples abrite un Portrait d’un jeune homme assis avec un tapis. Les derniers chefs-d’œuvre se trouvent tous hors d’Italie : on peut admirer les fresques de la galerie de François Ier à Fontainebleau, le Bacchus, Vénus et l’Amour au musée national d’histoire et d’art de Luxembourg, et le dernier chef-d’œuvre, la Pietà, peinte en France et conservée au Louvre. Parmi les autres œuvres conservées hors d’Italie, citons la Madone en gloire de 1517 (à l’Ermitage de Saint-Pétersbourg), l’Allégorie du salut (au Los Angeles County Museum of Art), la Sainte Famille avec saint Jean au Walters Art Museum de Baltimore, le Portrait d’un jeune homme à la National Gallery of Art de Washington, le Christ mort pleuré par quatre anges au Boston Museum of Fine Arts et la Mort de Cléopâtre au Herzog Anton Ulrich Museum de Braunschweig, en Allemagne.

Rosso Fiorentino, la vie, l'œuvre et le style du grand peintre maniériste

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