Klimt et sa relation particulière avec l'Italie. Voici à quoi ressemble l'exposition à Rome

Si l’art de Gustav Klimt (Baumgarten, 1862 - Vienne, 1918) vous fascine et que vous n’avez pas encore eu l’occasion de visiter le musée du Belvédère et la Fondation Klimt à Vienne, l’exposition qui lui est consacrée au Palazzo Braschi à Rome, jusqu’au 27 mars 2022, est vraiment faite pour vous. Tout d’abord, parce que la plupart des plus de deux cents œuvres exposées proviennent de ces deux musées viennois, qui abritent le nec plus ultra de l’art du maître de la Sécession (l’exposition a d’ailleurs été organisée par le Musée du Belvédère). En effet, l’exposition est le fruit d’une collaboration entre le Belvédère de Vienne, la Fondation Klimt et la Surintendance aux Biens Culturels de la Capitale de Rome), et le projet d’exposition bénéficie également du commissariat d’éminents spécialistes de l’artiste (Franz Smola, conservateur du musée du Belvédère, Maria Vittoria Marini Clarelli, Surintendante aux Biens Culturels du Capitole, et Sandra Tretter, directrice adjointe de la Fondation Klimt de Vienne), qui ont conçu un parcours agréable et remarquablement cohérent avec l’exposition. un parcours agréable et remarquablement clair, avec des œuvres bien sélectionnées et bien disposées, et de nombreuses idées pour comprendre l’ensemble de la production de Klimt et sa parabole artistique, y compris des chefs-d’œuvre célèbres comme Judith I et des thèmes jusqu’à présent peu abordés, comme le rapport de l’artiste avec l’Italie.

L’exposition s’intitule Klimt. La Secessione e l’Italia par lequel sont anticipés les points clés de l’exposition elle-même: d’une part Klimt en tant que fondateur et principal représentant de la Sécession, et d’autre part son lien avec le Bel Paese et Rome en particulier. On pense en effet au pavillon autrichien conçu par Josef Hoffmann où étaient exposées huit toiles de Klimt et qui fut l’un des principaux sites visités lors de l’Exposition internationale de Rome de 1911, ou encore aux deux Biennales de Venise de 1899 et 1910; l’exposition a le mérite de ramener une exposition sur Klimt dans la capitale 110 ans plus tard. Mais au-delà des projets d’exposition, il a voyagé tout au long de sa vie à travers l’Italie et nous avons des preuves de ses séjours grâce aux lettres et cartes postales que l’artiste a écrites et envoyées de différentes villes à ses amis et surtout à Emilie Flöge ( Vienne, 1874 - 1952), sa muse et amie intime (ou peut-être plus) d’une vie, qui est probablement représentée dans l’un de ses chefs-d’œuvre, Le Baiser, malheureusement absent de l’exposition. Pensez encore à l’influence que la vue des mosaïques byzantines pendant son séjour à Ravenne a eue sur son art, en particulier pour l’utilisation extensive de la feuille d’or appliquée sur la toile, à l’apogée de son âge d’or, qui est discutée en détail dans les deux essais du catalogue consacrés à la “vision mosaïque” de Klimt, écrits par Maria Vittoria Marini Clarelli, et aux deux chefs-d’œuvre de Klimt comparés, à savoir Le Baiser et Les trois âges de la femme, écrits par Franz Smola. Enfin, l’achat de trois tableaux de l’artiste auprès de trois institutions muséales italiennes différentes, à savoir Les trois âges de la femme de la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Rome, Judith II de la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro de Venise et le redécouvert Portrait d’une dame de la Galleria Ricci Oddi de Piacenza. Tous ces sujets sont abordés dans le catalogue et clairement reflétés dans le parcours de l’exposition.

L’Italie est le pays que Klimt a visité le plus souvent, où il a exposé la plupart de ses chefs-d’œuvre lors d’événements d’une importance fondamentale, notamment en raison de l’influence qu’il a exercée sur des artistes italiens tels que Vittorio Zecchin, Galileo Chini et Felice Casorati, ainsi que sur le sculpteur Giovanni Prini. La critique italienne a également accordé beaucoup d’attention aux Quadri delle Facoltà qui lui avaient été commandés par l’université de Vienne et qui ont été retirés à la suite de critiques. L’ensemble de l’exposition du Palazzo Braschi accompagne donc le visiteur, comme le souhaitaient les commissaires, dans la découverte de la vie et de la production du célèbre artiste à travers une nouvelle perspective, celle de sa relation avec l’Italie.

Le public découvre la Vienne de l’ époque grâce à un grand plan datant de 1895, année de l’ouverture de Venedig in Wien, l’un des premiers parcs à thème au monde, comme le décrivent Sandra Tretter et Peter Weinhäupl dans leur essai, aménagé dans le style vénitien avec des reproductions de palais historiques, un canal artificiel et une promenade en gondole incluse. La carte présente l’aspect d’une ville moderne et cosmopolite grâce à la construction en 1865 d’un double boulevard périphérique bordé d’arbres, la Ringstraße, le long duquel se trouvent des jardins, des cafés et des bâtiments représentatifs. Klimt, en collaboration avec l’architecte Otto Wagner, s’est également consacré à la construction et à la décoration des bâtiments du Ring au cours des dernières décennies du XIXe siècle. Gustav et son frère Ernst avaient en effet fréquenté l’école des arts et métiers de Vienne, ce qui leur a donné les bases, affinées par la suite, pour fonder vers 1879, alors qu’ils étaient encore étudiants, avec Franz Matsch, la Kü nstler-Compagnie spécialisée dans le Ring.La Kü nstler-Compagnie s’est spécialisée dans la décoration des murs et des plafonds et, à la demande du cabinet d’architectes Fellner & Helmer, a également réalisé des peintures pour les rideaux et les plafonds de théâtre (dans l’exposition, quelques œuvres et esquisses témoignent du travail de la société, qui a été dissoute en raison de la mort soudaine d’Ernst en 1892). L’une des commandes les plus importantes fut la création de fresques de plafond pour les deux escaliers du nouveau Burgtheater. Entre-temps, Gustav avait rejoint la Wiener Künstlerhaus, l’association officielle des artistes viennois, au sein de laquelle une scission s’est produite peu avant 1900 en raison de la pression croissante exercée par les jeunes membres en faveur d’une modernisation des activités d’exposition: C’est ainsi que naît en 1897 la Sécession - Association des artistes figuratifs autrichiens, qui compte vingt-trois membres dont des peintres, des sculpteurs et des architectes, et dont Klimt est le président la première année. La troisième section de l’exposition présente des œuvres de divers Sécessionnistes, dont Carl Moll, Friedrich König, Koloman Moser, Wilhelm List et Vlastimil Hofman, représentant principalement des portraits, des paysages ou des scènes de la vie populaire, qui se distinguent tous du style de Klimt, caractérisé par une peinture plus évanescente et nuancée, comme on peut le voir dans La Dame devant la cheminée (1897-98). Pour le nouveau bâtiment, connu aujourd’hui encore sous le nom de Palais de la Sécession et chef-d’œuvre de l’architecture Jugendstil viennoise, Gustav conçoit une construction cubique surmontée d’un fronton en forme de temple, que Joseph Maria Olbrich retravaillera plus tard en ajoutant une coupole couverte de feuilles de laurier dorées et la devise Der Zeit ihre Kunst (L’époque et l’art ) sur la porte d’entrée. Der Kunst ihre Freiheit(Au temps son art, à l’art sa liberté). Une devise conforme à ce que Wagner avait écrit dans son ouvrage Moderne Architektur: “Tout ce qui est créé selon des critères modernes doit correspondre aux nouveaux matériaux et aux exigences du présent si l’on veut qu’il s’adapte à l’humanité moderne”. La Sécession viennoise avait pour principe commun uneœuvre d’art totale où l’art, l’architecture et le design se fondaient l’un dans l’autre. Vienne est ensuite devenue le centre du design moderne avec la fondation en 1903 de la Wiener Werkstätte par Koloman Moser et Josef Hoffmann, produisant des objets, des bijoux, de l’argenterie et des meubles aux formes géométriques puristes (la plupart des vases et des bols exposés ici sont des vases et des bols).

Gustav Klimt conçoit également l’affiche de la première exposition de la Sécession au printemps 1898: elle représente un Thésée nu combattant dans la partie supérieure comme le veut l’art antique, mais jugée trop choquante, elle est censurée et recouvre d’un gimmick les parties intimes de la figure héroïque. Enfin, on trouve des illustrations pour les couvertures de la revue d’art de la Sécession, Ver Sacrum, dont le titre fait référence à une tradition mythologique de la Rome antique selon laquelle les personnes nées au printemps étaient envoyées à l’âge adulte pour fonder de nouvelles colonies: La revue a été publiée de 1898 à 1903, puis s’est arrêtée en raison de conflits au sein de l’association, ce qui a conduit Klimt et dix-sept autres artistes à quitter l’association deux ans plus tard ; ils sont toutefois restés actifs en termes d’expositions sous le nom de " Klimt Gruppe". Le macro-thème de Klimt en tant que fondateur de la Sécession est donc abordé, avec des peintures, des dessins et des objets créés par Klimt et son cercle, afin de permettre une bonne compréhension de la naissance de la Sécession et des jalons d’un mouvement artistique qui fascine encore aujourd’hui par son caractère décoratif. Ce parcours introduit explicitement l’autre macro-thème de l’exposition, à savoir la relation de Klimt avec l’Italie, à travers des preuves documentaires de ses premiers voyages dans le Bel Paese entre 1890 et 1913: au cours de cette période, il a visité l’Italie au moins huit fois.

Dans la même grande salle où les objets de design sont placés au centre, sont en effet exposées quelques-unes des cartes postales que Klimt envoyait presque quotidiennement à Emilie Flöge pour lui dire où il se trouvait. Grâce à ces documents extraordinaires, il est désormais possible de reconstituer tous les déplacements de l’artiste d’une ville à l’autre: Trieste, Venise, Padoue, Ravenne, Florence, Pise, La Spezia, Vérone, Riva del Garda. Klimt n’aimait pas particulièrement voyager, à l’exception de son voyage annuel avec Emilie au lac Attersee dans la région du Salzkammergut. Il rédigeait ses récits de voyage sur des billets et des lettres, ce qui nous donne un aperçu de ses impressions, comme la “vie de fête” qu’il menait à Venise, le fait que “l’art florentin n’est pas supérieur à l’art vénitien” ou encore “les mosaïques d’une splendeur inouïe” qu’il a vues à Ravenne.

Il est alors inévitable d’être captivé par l’une des œuvres les plus iconiques et sensuelles de l’artiste: la Judith de 1901, l’un des exemples les plus réussis de femme fatale que le peintre ait produit dans l’ensemble de sa production, grâce à sa combinaison de séduction, de sensualité et en même temps de créature dangereuse pour le meurtre d’Holopherne. Dans ce tableau, il fait également un usage considérable de la feuille d’or appliquée sur la toile en même temps que la peinture à l’huile: une technique qui l’a rendu célèbre et reconnaissable dans le monde entier et qui donne à l’œuvre un aspect scintillant qui attire le regard. La salle est complétée par des œuvres, y compris des sculptures, d’une grande sensualité réalisées par des artistes influencés par Klimt, comme le poignant Amanti de Giovanni Prini de Gênes, ou des œuvres exprimant l’érotisme fort des femmes dans la lignée des dessins de nus de Gustav du début du XXe siècle: les Deux figures couchées, étude pour Serpenti d’acqua II, sont ici en dialogue avec À la source de la vie de Karl Borschke ou Médée d’ Hugo Künhelt, par exemple.

On entre ensuite dans un environnement “immersif”, dans lequel la Frise de Beethoven a été recréée sur trois murs d’une salle: À l’occasion de la 14e exposition de la Sécession viennoise, qui s’est tenue d’avril à juin 1902 et qui était consacrée à Ludwig van Beethoven, une sculpture en marbre de Max Klinger représentant le compositeur avait été placée au centre de la salle (l’esquisse est exposée ici), d’autres artistes avaient apporté des contributions diverses, tandis que Klimt avait créé une frise murale de plus de trente-quatre mètres de long et de deux mètres de haut sur trois murs d’une salle annexe. Avec sa frise, Gustav entendait interpréter la Neuvième Symphonie, en partant d’un groupe de figures féminines aux bras tendus vers l’avant flottant dans l’eau ; celles-ci rencontrent d’abord des figures nues avec une jeune femme debout et un couple agenouillé, qui se tournent vers un cavalier, lequel regarde à son tour vers le mur plus scénique dans lequel on reconnaît un jeune homme et une femme comme étant les protagonistes. mur scénique où l’on reconnaît un monstre simiesque, trois Gorgones, la Mort et d’autres figures féminines, filles du géant Typhée ; plus loin, une figure féminine presque squelettique est accroupie devant le corps serpentiforme du monstre. La frise se poursuit avec la Poésie solitaire, tandis que les Arts, les figures féminines accroupies mènent au chœur céleste des anges, symbole du bonheur et de l’amour absolu. À la fin de la 14e exposition, la frise n’a pas été détruite et est toujours visible en permanence dans le sous-sol du bâtiment de la Sécession. Il est vraiment passionnant de se trouver au milieu d’une pièce que l’on ne peut voir qu’à Vienne, entouré de l’un des chefs-d’œuvre les plus impressionnants de l’artiste grâce à sa reproduction.

Un autre mérite de l’exposition du Palazzo Braschi est d’avoir reconstitué pour la première fois les couleurs originales des peintures de la Faculté, grâce à l’apprentissage automatique et à l’intelligence artificielle, dans le cadre d’un projet numérique de Google Arts & Culture. En 1894, le ministère de l’éducation de Vienne a demandé à Klimt et à Franz Matsch d’exécuter des allégories monumentales pour le plafond de la salle de bal de l’université : une au centre et quatre autres allégories des facultés. Gustav se répartit les tâches et choisit de réaliser la philosophie, la médecine et le droit. Il commença à les réaliser quatre ans plus tard et, en 1900, il présenta pour la première fois la Philosophie à la 7e exposition de la Sécession. Cette œuvre et, plus encore, la Médecine exposée en 1901 suscitent de nombreuses critiques, car elles sont jugées trop sensuelles, érotiques et pessimistes, alors qu’elles auraient dû au contraire communiquer une vision positive et idéalisée des sciences. L’université refusa de les placer dans la salle de bal et Klimt renonça à la commande et rendit ses honoraires. Suite à des vicissitudes, les tableaux ont été transportés au château d’Immendorf, qui a été incendié en 1945, entraînant la perte des trois tableaux. La preuve de ces œuvres n’était disponible que par des photographies en noir et blanc, à l’exception de la figure d’ Hygieia dans le tableau de la Médecine, dont on connaissait un détail en couleur, ainsi que par les rapports détaillés sur les couleurs des tableaux rédigés par les critiques pour en parler durement. Ainsi, grâce à ces documents, une équipe de chercheurs a pu retrouver les vraies couleurs et, dans l’exposition, il est possible de les voir dans leur aspect original.

Un autre sujet que l’artiste a beaucoup traité est le portrait féminin, , dont la technique a évolué au fil du temps, comme le montre le portrait féminin de grand format de 1894, à l’aspect presque photoréaliste, très différent de la Dame au manteau et au chapeau sur fond rouge de 1897-98, peinte dans un style presque impressionniste. Klimt a réalisé de nombreuses études au crayon pour trouver la pose optimale de son modèle. Et encore, la peinture de paysage à laquelle Klimt se consacre vers 1900 et qui est sans doute influencée par les vues et les lieux qu’il voyait chaque été dans la région des lacs du Salzkammergut, où le paysage devient flou et harmonieux pour représenter un monde serein et paradisiaque, et par son séjour au lac de Garde.

La relation de Klimt avec l’Italie est ensuite analysée en trois sections: la première Biennale de Venise en 1899 et la deuxième en 1910, la plus importante, où il dispose d’une salle entière pour présenter vingt-deux tableaux couvrant ses dix dernières années d’activité dans les trois domaines du portrait, de la figure allégorique et du paysage. Il s’agit notamment des Trois âges de la femme, du Portrait d’Adele Bloch-Bauer, des Serpents d’eau II, des Amies (les sœurs), du Portrait d’une dame en rouge et noir, du Château de Kammer II et de la Forêt de bouleaux. Lors de l’exposition internationale de 1911 à Rome , il présente huit peintures et quatre dessins datant de la période comprise entre 1902 et 1911, placés le long des murs d’une salle blanche semi-circulaire en forme d’abside, afin de conférer à l’ensemble de la pièce une aura sacrée. Il s’agit de Serpents d’eau I, Mort et vie et du Portrait d’Emilie Flöge. Enfin, il n’y a qu’un seul tableau de Klimt à la Seconde Sécession romaine de 1914, le Portrait de Mäda Primavesi, où étaient également exposées des œuvres d’artistes tels que Vittorio Zecchin, Felice Casorati et Galileo Chini, dans lesquelles l’influence de l’art de Klimt est notable, en particulier dans la Cour des princesses et les Princesses au jardin de Zecchin et la Prière de Casorati, où les vêtements et le paysage environnant sont constitués de motifs de mosaïque.

Les deux dernières sections sont consacrées à deux véritables joyaux, à savoir La Mariée, un monumental chef-d’œuvre inachevé auquel Klimt travaillait lorsque sa mort l’a surpris en 1918. Il s’agit de l’un des plus grands tableaux de toute sa production, dans lequel il aborde le thème de l’amour et du désir sensuel. Ici aussi, la sensualité des corps nus alterne avec le chromatisme fort et les motifs ornementaux des vêtements: la mariée au centre, vêtue d’une robe d’un bleu profond, endormie, le visage proche de celui de son mari, se distingue parmi des figures féminines flottant dans l’espace dans diverses positions pour représenter la satisfaction sexuelle totale. Enfin, nous avons redécouvert le Portrait d’une dame de la galerie Ricci Oddi de Plaisance. Réalisé dans la dernière phase de l’activité de l’artiste, entre 1916 et 1917, le tableau a été acheté en 1925 par Giuseppe Ricci Oddi, le seul collectionneur privé en Italie à posséder un tableau de Klimt. En 1997, le tableau a été volé et a été retrouvé après plus de vingt ans, en 2019, dans un sac noir à l’intérieur d’une niche dans la cour du musée. C’est la première fois que l’œuvre sort du Ricci Oddi depuis son retour dans sa maison et nous avons donc l’occasion de l’admirer ici, au Palazzo Braschi, après tant d’années.

Le tableau redécouvert clôt donc une exposition qui a été tant attendue, qui a suscité tant d’attentes et qui, à la fin de la visite, est pleinement satisfaite. Non seulement pour la présence d’un noyau d’œuvres viennoises aussi important, mais aussi pour le parcours compréhensible et bien divisé entre les différentes étapes et les différents thèmes, pour la mise en page parfois évocatrice, pour la présentation d’œuvres peu connues comme La Mariée , qui sortait pour la première fois de la Fondation Klimt, et de chefs-d’œuvre qui laissent sans voix comme Judith I. Et encore, pour le projet innovant qui a permis de reconstituer les couleurs originales des Quadri delle Facoltà, mais surtout pour raconter un aspect jusqu’ici peu étudié comme le rapport avec l’Italie auquel l’exposition consacre, comme on l’a dit, plusieurs passages et des sections entières. Pour toutes ces raisons, ainsi que pour le catalogue qui l’accompagne et qui contient des contributions d’experts (l’absence de fiches de travail constitue une lacune), l’exposition romaine du Palazzo Braschi mérite d’être visitée à loisir pour en profiter pleinement. Un conseil: préparez-vous toutefois à vous armer de patience si vous voulez rester quelques instants de plus devant votre œuvre préférée... c’est une exposition où l’on ne trouve guère de monde, tant elle attire de visiteurs chaque jour.

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