Les merveilles de la peinture sur pierre au XVIIe siècle exposées à la Galleria Borghese à Rome

Du 25 octobre 2022 au 29 janvier 2023, la Galleria Borghese de Rome accueille l’exposition Timeless Wonder. Peinture sur pierre à Rome au XVIIe siècle, organisée par Francesca Cappelletti et Patrizia Cavazzini: une exposition consacrée à la peinture sur pierre, à ses utilisations et à ses significations. L’histoire commence en 1527, l’année du sac de Rome: au cours de cet événement tragique, Sebastiano del Piombo, désespéré par la perte de nombreux tableaux, commence à peindre sur des supports autres que la toile, plus résistants au danger et au temps, et donc capables de prolonger la vie de l’œuvre: c’est au peintre vénitien que l’on doit l’invention de la peinture sur pierre.

L’exposition, destinée à attirer l’attention du public sur cette production d’objets singuliers, s’inscrit dans un parcours de recherche qui a débuté en 2021 avec l’approfondissement du thème de la Nature et du Paysage au sein de la collection de la Galerie. C’est la collection elle-même, rassemblée par Scipione Borghese dans les trois premières décennies du XVIIe siècle, qui présente des exemples de peintures sur pierre d’ un intérêt considérable, tandis que le contexte, la diversité des matériaux utilisés dans les œuvres et leur harmonie avec les collections historiques de plantes, d’animaux et d’autres curiosités naturelles qui n’existent plus, contribuent à définir le sens de l’émerveillement et de l’étonnement qui l’accompagne depuis des siècles.

Avec plus de 60 œuvres provenant de musées italiens et étrangers et d’importantes collections privées, Timeless Wonder. Peinture sur pierre à Rome au XVIIe siècle raconte, outre l’ambition d’éternité des œuvres d’art, le débat critique d’une époque sensible à la concurrence entre peinture et sculpture.L’exposition raconte, outre l’ambition d’éternité des œuvres d’art, le débat critique d’une époque sensible à la concurrence entre peinture et sculpture, mais aussi les matériaux primordiaux, extraits des mines, leur voyage aventureux vers les ateliers des artistes et leur place dans les collections, qui deviennent de nouveaux lieux de débat, dans des palais et des villas de plus en plus riches en mobilier, aimants de la production de biens de luxe.

Antonio Tempesta

Jacques Stella,

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Le parcours, divisé en huit sections, commence par La pietra dipinta e il suo inventore (La pierre peinte et son inventeur), une prémisse nécessaire du XVIe siècle qui démontre comment l’utilisation de métaux et de marbres comme support de la peinture a rendu celle-ci capable non seulement de conquérir le temps, comme la sculpture, mais aussi de rendre durable le souvenir d’un personnage: C’est ce que nous révèlent des œuvres comme le Portrait de Filippo Strozzi (vers 1550) de Francesco Salviati, sur marbre africain, le Portrait de Cosimo de Medici (vers 1560) attribué à Bronzino, sur porphyre rouge, ou le Portrait du pape Clément VII à la barbe (vers 1531) de Sebastiano del Piombo.

À partir des premières décennies du XVIIe siècle, en fonction des contextes géographiques, le choix des matériaux oscille entre la nécessité d’assurer la conservation des œuvres et l’intérêt pour la capacité de ces matériaux à évoquer le sujet lui-même, à se confronter à l’Antiquité et aux autres arts, en participant à la construction du sens de l’image. Dans la section Une dévotion éternelle comme le marbre, à côté des œuvres de type talisman, auxquelles on attribuait parfois un pouvoirmagique de protection contre les maux physiques et spirituels, et dédiées aux images incorruptibles de la dévotion - qui faisaient souvent partie de l’ameublement des chambres à coucher des cardinaux, comme l’Adoration des Mages (1600 - 1620) sur albâtre d’Antonio Tempesta ou la Vierge à l’Enfant et Saint François (vers 1605) d’Antonio Carracci peinte sur cuivre - on trouve des peintures sur albâtre, ardoise et marbre de Carlo Saraceni, Orazio Gentileschi, Il Cavalier d’Arpino et bien d’autres encore.

À côté, une petite section consacrée à Vénus et à ses héroïnes rassemble trois images féminines du peintre toscan Leonardo Grazia dédiées à Hébé, Lucrèce et Cléopâtre, réalisées dans la première moitié du XVIe siècle, dont deux sur ardoise ; tandis que la section Antiquité et Allégorie contient des œuvres sur marbre, ardoise et pierre de touche, toutes consacrées à des thèmes poétiques tels que l’Andromède de Cavalier d’Arpino et l’Enfer de Vincenzo Mannozzi, avec des épisodes mythologiques. Brillants et chatoyants, les fonds des tableaux reflètent comme des miroirs l’image du spectateur qui, en l’observant, devient partie intégrante de l’œuvre.

Une nuit noire comme la pierre regroupe les peintures sur pierre sombre (pierre de parangon, ardoise ou marbre belge) qui exploitent la noirceur du support pour mettre en scène des scènes nocturnes et faire ressortir la finition dorée ; tandis que dans les sections Peinture sur pierre/paysages et architecture et Pierres précieuses et colorées, les surprenants décors offerts par le paysage de pierre et la préciosité des supports comme le lapis-lazuli, utilisé pour la mer et le ciel, sont mis en valeur par l’intervention de l’artiste: là encore, la couleur et les marbrures des pierres contribuent à la composition de l’œuvre et suggèrent des significations. Il s’agit souvent d’œuvres d’artistes de formation florentine, qui expérimentent le support de la pierre non seulement en termes d’éternité de la peinture, mais aussi pour mettre en évidence les possibilités décoratives du matériau. C’est dans ce contexte que s’inscrit Antonio Tempesta, figure singulière qui fait le lien entre Florence et le monde nordique. Peintre et graveur de grande fortune sous le pontificat de Paul V, Tempesta est passé maître dans l’art de transformer la pierre de pays en édifices, paysages et marines en quelques coups de pinceau habiles.

La discussion sur la durabilité des œuvres d’art avait été intégrée au débat sur la comparaison entre la sculpture et la peinture, mais au cours du XVIIe siècle, l’interaction entre les arts frères s’est intensifiée: les sculpteurs ont utilisé des marbres colorés et les peintres ont peint sur la pierre, tandis que les métaux et les bois précieux ont concouru à la création d’objets extraordinaires, tels que de petits autels, des cabinets et des horloges, aux formes architecturales complexes et ornés de petites sculptures, de reliefs et de peintures.

Une section de l’exposition est consacrée à ces objets, dans lesquels différents types de marbre et de pierres semi-précieuses sont utilisés pour créer une tension avec la finalité même de l’objet, comme dans le cas de l’horloge qui affronte l’insaisissable passage du Temps, et plus souvent pour leur valeur et leur étonnante facture, introduisant la présence de pierres colorées dans les collections de l’aristocratie romaine. Ce prologue spectaculaire comprend également des objets qui font déjà partie de la collection Borghèse, comme la table en pierres semi-précieuses d’origine romaine de la salle XIV ou le tabernacle de la chapelle avec un étonnant cadre en pierre dure.

L’itinéraire est enrichi par les statues aux inserts polychromes de la Galerie, qui suscitent une comparaison nécessaire avec les marbres colorés antiques, un sujet qui n’était certainement pas étranger à la conception des arts et à la présentation de la collection du cardinal et de sa cour, et que l’exposition Merveille intemporelle vise à faire comprendre dans son unité, une unité visuelle riche en variations et en nuances. Pour plus d’informations, visitez le site de la Galleria Borghese.

Les merveilles de la peinture sur pierre au XVIIe siècle exposées à la Galleria Borghese à Rome

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