Hostile au style. L'art de Mario Consiglio raconté par lui

Né à Maglie (Lecce) en 1968, l’artiste ombrien Mario Consiglio vit et travaille entre Berlin et Pérouse. Il a fait ses débuts vers la fin des années 1980 et a ensuite affiné son propre langage, en travaillant avec différentes techniques et en expérimentant beaucoup avec le lycra, le matériau avec lequel il a créé ses “tableaux rembourrés” qui représentent sa production la plus connue et la plus appréciée. Diplômé de l’Académie des beaux-arts d’Urbino, il est académicien de mérite à l’Académie des beaux-arts “Pietro Vannucci” de Pérouse. Il a exposé dans de nombreux espaces privés et publics en Italie et à l’étranger, parmi lesquels: Grimmuseum (Berlin), Trolley Gallery (Londres), Galleria Carbone (Turin), Galleria Seno (Milan), Palazzo Bricherasio (Turin), Centro Pecci (Prato), Galeria Villena (La Havane), Studio Visconti (Milan), Galleria Pio Monti, (Rome), Studio La Città (Vérone), Museo Laboratorio (Città Sant’Angelo, Pescara), MACRO (Rome), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turin), Gran Central Terminal (New York), Art in Perpetuity Trust (Londres), British Institute (Rome), Spiral Hall (Tokyo), Art Basel, Palazzo Reale (Naples), Flash Art Mueseum (Trevi, Pérouse), CIAC (Foligno, Pérouse), Rare Ofiice (Berlin), Fondazione Querini Stampalia (Venise), White Spider Col Condesa (Mexico), Nolias Gallery (Londres). Il nous parle de son art dans cet entretien avec Gabriele Landi.

GL. Pour la plupart des artistes, l’enfance représente l’âge d’or où apparaissent les premiers symptômes d’une certaine propension à appartenir au monde de l’art. Est-ce le cas pour vous aussi ?

MC. J’avais six ans quand lors d’un dîner avec des amis de mes parents, où je m’ennuyais probablement, j’ai commencé à modeler un éléphant avec de la mie de pain et la maîtresse de maison a été surprise du résultat et m’a demandé de lui faire une vache et c’était facile, puis un écureuil et je l’ai fait aussi, puis elle s’est tournée vers ma mère avec les sculptures à la main pour lui annoncer qu’elle avait un fils artiste. C’est ce que ma mère m’a dit, je me souviens seulement de la cheminée allumée avec mes petits opéras dessus et d’une dame qui riait. Je pense cependant que l’impulsion est venue de mon père qui, pendant son temps libre, avec quelques amis, est allé peindre avec le Maestro Rossi, un peintre “exotique” qui avait vécu en Afrique. Nous étions à Città di Castello, au milieu des années 70, Burri faisait fureur et mon père et ses amis faisaient des peintures avec des plastiques brûlés dont ils tiraient des sujets qui, en y repensant aujourd’hui, étaient intéressants, entre Soutine et Burri je dirais. J’étais trop jeune pour le feu et je peignais des paysages sur des toiles que le maître Rossi me passait. Papa m’a emmené à la Fondation Albizzini, qui m’a éduqué à l’art libre et expérimental. Dans les plastiques noirs de Burri, je voyais des grottes avec des chauves-souris et des lieux mystérieux.

Quelles études avez-vous faites ?

Après le lycée de Cortona, je suis allé à Urbino. J’ai été convaincu par Claudio Boccolacci, un peintre abstrait passionné de cerfs-volants qui enseignait à l’académie. Je l’ai rencontré près de Ginezzo, dans les montagnes de Cortona, alors qu’il construisait un piège pour une vipère. Il était arrivé avec un Ape50 d’Urbino, ça lui a pris du temps, m’a-t-il dit. Il n’avait jamais eu de permis de conduire. Nous avons sympathisé, je lui ai montré mes dessins et il m’a dit que je pouvais être artiste, j’ai donc passé et réussi l’examen pour entrer à Urbino et c’est ainsi que l’aventure a commencé. Passer d’un lycée classique à une académie d’avant-garde comme Urbino était quelque chose d’irréel. J’ai senti le daimon grandir, j’avais un but, la mort ou la gloire, j’allais être un artiste.

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Mario Consiglio

Mario Consiglio,

Y a-t-il eu des rencontres importantes pendant votre formation ?

Peindre à Urbino était une belle unité psychiatrique. Le premier ami a été Davide Banda, avec qui je collabore encore aujourd’hui. C’était le meilleur, même Pier Paolo Calzolari l’a dit, donc c’était vrai. Banda refusait d’être un artiste, il trouvait illogique la commercialisation de l’art. Nous avons tous essayé de le convaincre de changer d’avis, mais c’était impossible. En revanche, il a toujours écrit des poèmes brillants qu’il n’a jamais voulu publier et il a fait des dessins étonnants, notamment ceux qu’il a réalisés en Inde dans les années 1990. Je pourrais écrire un livre rien que sur lui, mais je me contenterai de dire qu’il a été mon colocataire dans les quatre maisons dont nous avons été chassés au cours de ces années. Un autre frère, qui nous a malheureusement quittés il y a onze ans, était Andrea Di Marco, un peintre de Palerme, également colocataire et compagnon de route. Andrea nous manque beaucoup, sa disparition a été un traumatisme pour tout le monde. Ensuite, nous nous sommes liés d’amitié avec Antonio Paoloni. Il nous a fallu un certain temps pour briser la glace avec lui en raison de son caractère introverti, mais nous sommes devenus des amis inséparables. Di Marco agaçait souvent Paoloni, qui s’énervait comme une bête et le poursuivait, lui lançant parfois des objets contondants ; un sketch qui se répétait souvent. Aujourd’hui, Paoloni, en plus d’être un excellent designer, est l’un de mes meilleurs amis et collaborateurs depuis trente ans ; sans lui, la plupart de mes travaux n’existeraient pas... alors merci Pablo. D’autres personnes ont rejoint le groupe, comme Fulvio Di Piazza et Rocco Dubbini: leurs prestations lors des fêtes sont inoubliables. Il y avait aussi Giorgio Piantini d’Arezzo qui était toujours avec nous, un Toscan très sympathique. Nous avons également eu d’excellentes relations avec les professeurs de l’académie comme Umberto Palestini, Cristina Marabini, Claudio Boccolacci, Gian Ruggiero Manzoni, Omar Galliani, Elio Marchegiani, Pino Mascia, Christian Cassar, Sergio Monari, Pier Paolo Calzolari, Sergia Avveduti, Sebastiano Guerrera et d’autres encore. Ils ont tous contribué à notre formation, chacun nous a appris quelque chose, précisément en raison des différences qu’ils avaient entre eux. Au niveau de la notoriété, bien sûr, Pier Paolo Calzolari était en tête de liste, et le fait d’avoir eu un professeur que nous avons étudié dans les livres pendant un an nous a donné une certaine charge. Le professeur était impressionnant, il y avait peu de choses à plaisanter et beaucoup à apprendre. Sa voix rayonnait d’énergie, de conviction artistique et de force politique. Il soutenait pleinement nos occupations et nous parlait de son “68”. Impazza angel artist", l’une de ses œuvres historiques, était l’une de nos devises.

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Mario Consiglio

Comment est née l’idée de travailler sur des peintures rembourrées ?

De ma maison à Brufa, on peut voir Assise et le mont Subasio, le lieu mystique où saint François est allé en retraite. L’œuvre a une forme douce et son dessin rappelle les lignes du cellotex de Burri, que j’ai toujours interprétées comme des paysages ombriens. J’y ai imaginé des fouilles archéologiques, des découvertes, des tunnels et des cachettes que j’ai essayé de représenter avec une peinture bidimensionnelle. J’avais l’habitude de créer des récipients sur les toiles pour y placer les trouvailles, enveloppées de tissu que j’imbibais ensuite de cire et de pigment. À cette époque, j’étais fasciné par les animaux décapités de Pino Pascali, les bossus de Burri et les extroflexions de Castellani et Bonalumi. Puis ce fut l’époque de la Transavanguardia et de l’École romaine, et de l’Amérique vinrent les images de Jean-Michel Basquiat, Schnabel et Mike Kelley. Il semblait que la peinture n’avait plus rien à voir avec la mythification de ces jeunes géants et j’ai ressenti le besoin d’inventer quelque chose d’unique, de reconnaissable et qui me rendrait indépendant. En expérimentant beaucoup avec le caoutchouc mousse et en travaillant dur, j’ai découvert cette technique que j’allais beaucoup utiliser au fil des ans. Je peux donc dire que tout est parti de l’énergie hypnotique de Subasio et de la somme des expériences visuelles que j’avais vécues jusqu’alors.

Quand et comment avez-vous rencontré Guido Carbone et quels souvenirs gardez-vous de lui ?

En 1995, j’ai participé à une exposition collective à Mondovì, dans le Piémont, avec des artistes de Cortona. J’y ai rencontré le professeur Mantovani, qui enseignait à l’Académie Albertina, et qui m’a dit qu’il fallait absolument que j’aille à Turin pour montrer mes œuvres à d’importants galeristes qu’il connaissait et qu’il prendrait lui-même rendez-vous avec eux. Mes œuvres n’étaient pas belles sur les photos, il fallait donc les montrer en vrai. J’ai donc mis au point un plan diabolique avec un ami peintre d’Asti, Fabio Ballario. En gros, pendant que je parlais au galeriste au bureau, il déposait rapidement les œuvres à la galerie. J’ai donc chargé les œuvres dans la voiture, j’ai quitté Pérouse, j’ai récupéré Ballario à Asti et nous sommes partis pour Turin. Nous avions rendez-vous avec Bertaccini, Paolo Tonin et Guido Carbone. Le plan a fonctionné avec Paolo Tonin qui m’a proposé une exposition de groupe prochainement, puis chez Bertaccini où j’ai rencontré Luca Beatrice pour la première fois, qui m’a proposé quelque chose, mais mon attention était focalisée sur Carbone, ce galeriste culte dont on parlait depuis quelque temps, un type difficile m’a-t-on dit, un dur à cuire qui ne savait pas comment il pouvait réagir. Il était dans le bureau, il était nerveux, peut-être pompette et me demande où est le livre, je lui dis que je ne l’ai pas et que j’ai apporté les œuvres, ce qui l’énerve immédiatement et il me demande où sont ces œuvres, “dans la galerie” Je lui dis, et il se lève nerveusement en allant dans cette direction, Ballario avait déjà tout installé, Guido voit les œuvres et commence à s’exciter, il me demande si je veux un spritz, j’accepte, puis il appelle un de ses amis collectionneurs et je l’entends dire qu’il y avait quelque chose d’intéressant. J’avais réussi. Carbone est tombé amoureux de mon travail et m’a protégé de toutes ses forces, c’était un vrai découvreur de talents, il avait du flair, il aimait et comprenait l’art. Il était galeriste et père, il conseillait et attendait toujours des évolutions de l’œuvre avec un courage expérimental. Nous formions une famille avec Laura Viale, sa compagne, Stefano Pisano, Pierluigi Calignano, Maria Bruno, Francesco Lauretta et d’autres. Lorsque Guido est mort, nous nous sommes tous sentis perdus, nous avions perdu notre père artistique qui s’était battu pour nous.

Vos premières œuvres étaient très colorées et prenaient beaucoup de temps.

Pour réaliser ces œuvres, il fallait de l’aide, il y avait de la demande, alors j’ai pris des assistants avec moi. Marco Brinci a été mon assistant historique, il a passé au moins dix ans dans mon atelier. Il était très inventif et travaillait beaucoup. Il a inventé des machines avec des aspirateurs pour mouler le caoutchouc mousse, ce qui a considérablement accéléré le processus de travail. Mon père l’appelait Archimède. Brinci était diplômé en droit, mais il a toujours préféré travailler à son compte et de manière créative, s’intéressant aux effets spéciaux cinématographiques, à la mécanique robotique et aux matériaux tels que les résines et les fibres. Il avait un studio avec une porte en acier qui s’ouvrait comme celle du vaisseau spatial de Star Trek, fabriquée par lui bien sûr. Après avoir terminé avec moi, il a réalisé son rêve de travailler pour le cinéma en collaborant avec le studio Stivaletti à Rome. Nous sommes toujours de grands amis. Cependant, il y a des assistants externes qui collaborent avec moi depuis des décennies, comme Gianni pour le laquage et Roberto pour la découpe au laser, ou mes vendeurs de lycra, nous sommes un peu comme une grande famille après tant d’années de collaboration.

Après cette première phase, comment votre parcours s’est-il développé ?

Après des années d’utilisation de cette technique et le développement de nombreux thèmes en 2005, je suis passé aux laques avec des thèmes géométriques tels que Targets, Rinks, Run-Doms et Cages. Ma première rétrospective a eu lieu au Palazzo Della Penna de Pérouse, où j’ai présenté mon parcours jusqu’alors, préparant le public à ma nouvelle période abstraite et géométrique. Peu après, j’ai présenté Cage à Carbone.to, Hubble à la Seno Gallery et Rinks &Targets à la Trolley Gallery de Londres, et c’est là qu’est né mon besoin d’explorer d’autres champs d’expression. Londres était un rêve et aller à la galerie me permettait de rencontrer des artistes importants et de visiter les galeries de l’East End qui étaient très à la mode à l’époque. Les Britanniques m’ont beaucoup inspiré dans mon changement, ce mélange de victorianisme et d’anarchie était irrésistible. Peu après, j’ai eu une double exposition personnelle à Milan, Spariamo bang diventare invisibili à la Galleria Seno et au Studio Visconti et Tutti gli insetti vengono da un altro pianeta à La Havane à Cuba à la Galleria Villena où mes convictions de changement ont commencé à prendre sérieusement racine surtout après avoir visité les ateliers des artistes locaux, où j’ai vu des œuvres incroyables faites à coût zéro avec des techniques sublimes. Bravo aux Cubains, un peuple cultivé et éduqué dans les arts. Je termine le cycle abstrait-géométrique dans cette île merveilleuse, dernière résistance révolutionnaire de la planète, pour planifier immédiatement une évasion de l’Italie et me rendre à Berlin, où se trouve la plus grande communauté artistique du monde et c’est dans cette ville fantastique, où personne ne me connaît, que je pourrai réexplorer de nouvelles voies expressives enfin en toute liberté.

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Quand les peintures en lettres sont-elles apparues ?

Le lettrage rembourré a commencé à Berlin avec Speed et, peu après, j’ai réalisé Escape, que j’ai présenté lors de l’exposition personnelle au Grimmuseum We don’t need enemies (Nous n’avons pas besoin d’ennemis). En fait, j’utilisais déjà le lettrage dans les années 1990, j’ai encore un lettrage “Shit” de 1994 que je n’ai jamais présenté. Cependant, j’ai commencé à les faire avec plus d’insistance en 2014 avec le premier Date on Fire. Je regardais le travail de Christopher Woll à l’époque et je pensais au pouvoir de communication des tapisseries de Boetti, donc je cherchais des phrases qui fonctionnaient à la fois sur le plan formel mais surtout qui avaient un impact communicatif... ça n’a pas été facile.

Quelle est l’origine des phrases ou des slogans que vous utilisez dans ces œuvres ?

C’est précisément pour cette raison que j’ai entamé une collaboration avec Davide Banda, qui est à mon avis l’un des poètes les plus intéressants qui soient. Bella la folla, Il sole non ama Berlino, Quando vivo faccio finta di niente, Mario cammina come se fosse in spiaggia, Mai Ali, tous ceux qui ont un bon palais littéraire comprennent que nous sommes face à un nouveau phénomène de poésie hermétique contemporaine. J’ai la chance de travailler avec lui. Il y a aussi mes phrases Donne-toi du feu, Hostile au style, Ce que tu penses de moi, c’est toi, mais il est meilleur.

Il me semble que dans ces œuvres, par rapport aux premières, il y a plus de radicalité, tant dans le contenu que dans les choix de couleurs ?

Cela dépend de l’œuvre et de l’humeur. L’impact visuel est certainement moins juvénile par rapport aux premières œuvres réalisées avec plus ou moins les mêmes techniques, mais elles ont parfois la même ironie et le même cynisme qu’à l’époque. J’ai toujours été partagé entre la peur et le rire. Je continue à faire la distinction entre l’art tragique et l’art ironique. En peinture, je suis définitivement plus tragique, mais je m’amuse beaucoup à le faire. Il y a aussi les œuvres comme les Skulls, les Fiori di Pino et les Pistols que je présente avec Spazio Rivoluzione à Palerme et qui sont des pièces de collection qui remontent à mes premières productions.

Pensez-vous que la politique et la poésie peuvent aller de pair ?

Absolument. La poésie est politique lorsqu’elle parle de l’humanité, mais aussi lorsqu’elle exprime des sentiments à l’égard de la nature, devenant ainsi une pensée politique écologique, lorsqu’elle raconte avec passion la vie d’un autre peuple, ce que l’on appelle l’inclusivité, la curiosité et l’ouverture aux différentes cultures, c’est politique.

Dans quelles autres directions votre travail se développe-t-il ?

Au fond, je réalise plusieurs cycles depuis de nombreuses années, certains sont terminés immédiatement mais d’autres reviennent, comme le dessin, que j’ai toujours pratiqué, mais aussi la peinture de grand format, puis il y a tout le travail photographique, le lettrage peint, les sculptures d’animaux, la tapisserie d’ameublement, la plongée, les vidéos, etc. J’ai beaucoup créé jusqu’à présent, c’est une grande chance d’avoir eu l’opportunité de m’exprimer et j’espère continuer encore longtemps, il y a tellement de choses à dire et jusqu’à ce que je sois à court d’idées, je continue.

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