Egon Schiele à Vienne: des chefs-d'œuvre pour connaître les tourments de l'artiste

Au début du XXe siècle à Vienne, Gustav Klimt (Baumgarten, 1862 - Vienne, 1918) était une figure de proue et le fondateur de la Sécession viennoise, cette association de dix-neuf artistes qui voulaient rompre avec la tradition académique viennoise pour repenser l’œuvre d’art elle-même comme une œuvre d’art totale englobant l’architecture, la sculpture, la peinture et le design. Dans ces années-là, un autre peintre, de trente ans plus jeune que Klimt, Egon Schiele (Tulln an der Donau, 1890 - Vienne, 1918), a également participé au mouvement de grand renouveau artistique et a été fortement fasciné par l’art de Klimt. Cependant, comme le souligne Patrick Bade, “Klimt appartient à l’ère transitoire de la fin du XIXe siècle”, tandis que Schiele représente “les prémices du mouvement qui appartient indubitablement au début du XXe siècle qu’est l’expressionnisme”. Contrairement à Klimt, dont les œuvres se caractérisent par des traits oniriques et délicats et souvent par la présence de fleurs colorées accompagnées d’éléments de mosaïque, les œuvres de Schiele sont l’expression d’une psyché tourmentée. Une relation d’estime et d’amitié profonde s’est développée entre les deux artistes, même si leur style était très différent: Schiele s’est d’abord inspiré de l’art de son ami et maître, mais il a immédiatement abandonné les traits artistiques typiques de ce dernier, des lignes sinueuses aux décorations dorées, au profit d’un style plus cru et plus réel, clairement visible dans la représentation des figures humaines, en particulier dans les portraits, les autoportraits et les nus féminins.

L’expressionnisme, mouvement né en Allemagne au début du XXe siècle et qui s’est ensuite répandu dans toute l’Europe dans tous les arts, des arts figuratifs à la musique, en passant par le théâtre et le cinéma, indique la tendance d’un artiste à exalter le côté intérieur et émotionnel avec un certain flair dramatique, par opposition à l’impressionnisme qui, au contraire, regardait le monde extérieur: une sorte de malaise intérieur que Schiele exprime par des corps et des figures déformés, des lignes nerveuses et des couleurs fortes et violentes comme le rouge, le brun, les teintes terreuses, le noir et le jaune pâle. Un malaise social surtout, symptôme d’une critique à l’égard de la société et des autorités, en particulier à l’égard de la tradition académique et de l’État. L’introspection psychologique et ce sentiment de malaise intérieur par rapport au monde extérieur étaient en effet des thèmes particulièrement ressentis à l’époque, grâce à l’avènement des théories révolutionnaires du médecin autrichien Sigmund Freud (Freiberg, 1856 - Hampstead, 1939), fondateur de la psychanalyse, selon lesquelles l’inconscient a une influence déterminante sur le comportement humain et les interactions entre les individus. L’art a lui aussi été envahi par cette attention particulière portée au moi et au psychisme, à l’instar de tous les domaines de la connaissance. C’est dans ce contexte que s’inscrit l’art d’Egon Schiele.

Né dans une petite ville d’Autriche, à Tulln, près de Vienne, en 1905, alors qu’il n’a que quinze ans, il est orphelin de son père, chef de gare de métier. La passion d’Egon pour le dessin se manifeste dès son plus jeune âge, lorsqu’il passe des heures à dessiner les trains qu’il voit passer chaque jour devant sa maison, puisqu’il vit avec sa famille dans un appartement situé au-dessus de la gare. Son père, Adolf Schiele, souffrait de troubles mentaux dus à la syphilis, ce qui entraîna sa mort tragique. Ce fait a probablement déjà influencé la pensée et la vision artistique d’Egon. Son oncle, Leopold Czinaczek, prend son neveu sous sa tutelle et c’est lui qui, reconnaissant son talent artistique, l’inscrit à l’Académie des beaux-arts de Vienne. L’environnement académique n’est cependant pas favorable à Schiele, car les enseignements sont trop proches de la tradition et Egon se sent obligé de dessiner et de peindre selon les anciens maîtres. Mais c’est en 1907 qu’il fait la rencontre qui va changer sa vie: dans un café de Vienne, il rencontre Gustav Klimt, qui l’introduit dans le monde de l’art, le présente à de riches mécènes et lui fournit divers modèles à représenter dans ses tableaux. Klimt devient son professeur et son mentor, l’aide à développer son propre style, loin de l’académisme et surtout marqué par les événements personnels et le contexte social, en rupture avec les institutions. L’année suivante, en 1908, le jeune Schiele réalise sa première exposition personnelle pour la Wiener Werkstätte, un cercle artistique fondé en 1903 par l’architecte Josef Hoffmann et le graphiste et peintre Koloman Moser en collaboration avec l’industriel Waerndorfer, qui repose sur l’idée de l’œuvre d’art totale, introduisant des objets de haute valeur esthétique et artistique dans la vie de tous les jours.

Dès ses premières œuvres, on reconnaît chez Schiele un style expressionniste avec un goût particulier pour la représentation de nus, où même la sexualité et l’érotisme apparaissent déformés et pleins d’angoisse (ils sont souvent associés aux thèmes de la mort et de la maladie, comme le montre le tableau du Belvédère de Vienne datant de 1915, La jeune fille et la mort), mais aussi de portraits de connaissances et d’autoportraits. Face au succès critique, il décide de quitter l’Académie des Beaux-Arts en 1909 et de fonder avec quinze autres artistes le Neukunstgruppe, destiné à diffuser à Vienne de nouvelles formes d’expression artistique éloignées des principes de l’Académie. Après avoir exposé à la Kunstschau et à la Galerie Prisko, cette dernière ayant également reçu la visite de l’archiduc François-Ferdinand, il s’installe en 1910 dans la petite ville de Krumau avec le mannequin Wally Neuzil, avec qui il vit une histoire d’amour: Les habitants de la petite ville de Bohême critiquent le fait que les deux vivent ensemble alors qu’ils ne sont pas mariés et voient d’un mauvais œil le fait que Schiele utilise de très jeunes modèles pour ses nus ; en raison de ce climat hostile, ils déménagent à Neulengbach, dans la forêt viennoise. Deux ans plus tard encore, l’artiste est accusé d’avoir séduit une jeune fille de moins de 14 ans, fille d’un officier de marine, de l’avoir égarée et même enlevée: il se retrouve donc en prison pour une courte période, avec la “circonstance aggravante” d’avoir représenté des jeunes filles nues, au seuil de l’adolescence. Des œuvres qui, à l’issue du procès, ont été jugées pornographiques. L’expérience de la prison marque encore plus l’artiste. Il décide alors de retourner à Vienne et, grâce à son ami Klimt, peut à nouveau obtenir d’importantes commandes et renouer avec le succès.

En 1914, il épouse un autre de ses modèles, Edith Harms, qui sera désormais sa seule muse (l’un des portraits les plus célèbres de sa femme est celui de 1917 à la Národní galerie de Prague): il quitte définitivement Wally, qui mourra au front comme infirmière de la Croix-Rouge. Au début de la Première Guerre mondiale, Schiele est appelé sous les drapeaux, mais grâce à son talent artistique, il peut continuer à peindre, évitant ainsi d’aller au front. L’une de ses œuvres les plus célèbres date de cette période, de 1916: Le vieux moulin, aujourd’hui conservé au Niederösterreichisces Landesmuseum de Vienne. Le moulin tombant en morceaux sous la force de l’eau est un symbole de la décadence de la société autrichienne au tournant du siècle et de la fin de l’Empire austro-hongrois, qui sera démembré deux ans plus tard à l’issue de la Première Guerre mondiale. En 1918, il participe à une grande rétrospective liée à la Sécession viennoise et connaît à cette occasion un nouveau succès, mais cette année marque d’abord la mort de sa femme, enceinte de six mois, des suites de l’épidémie de grippe espagnole et, quelques jours plus tard, celle de l’artiste, qui n’échappe pas non plus à la contagion. En effet, il meurt trois jours après sa femme, le 31 octobre 1918, à l’âge de vingt-huit ans.

Malgré sa mort prématurée, Egon Schiele a été un artiste très prolifique: au cours de sa carrière, il a produit environ trois cent quarante peintures et deux mille huit cents aquarelles et dessins. Le Leopold Museum de Vienne, situé dans le MuseumsQuartier et issu de la collection de Rudolf Leopold (1925 - 2010), abrite la plus grande et la plus importante collection d’œuvres de l’artiste au monde: quarante-deux peintures, cent quatre-vingt-quatre œuvres graphiques originales, y compris des dessins et des feuilles de couleur, et des documents autographes couvrent l’ensemble de sa carrière. Parmi les principaux chefs-d’œuvre de Schiele exposés au Leopold Museum figurent l’Autoportrait à l’Alchechengi et le Portrait de Wally Neuzil: lorsqu’on les regarde ensemble, ces deux tableaux semblent être le pendant l ’un de l’autre. Réalisés en 1912, à l’époque où les deux artistes vivaient ensemble, unis par une histoire d’amour, les deux tableaux présentent la même mise en page: tous deux sur fond blanc avec, au premier plan, le buste à mi-corps des deux amants. Dans l’Autoportrait à l’alchechengi, une plante vivace qui produit de petites baies rouges comestibles, Egon Schiele se représente au premier plan, le visage presque de trois quarts, le cou légèrement plié, les épaules dans une position non symétrique et un vêtement noir, regardant le spectateur de côté. Derrière lui, l’alchechengi, également courbé et à la tige sombre, dans une sorte de comparaison entre la plante et l’artiste. Tous deux sont probablement liés au thème de la fragilité, du fait d’être plié aux événements. Souvent, pour se représenter, Schiele se plaçait devant un miroir et essayait, par son regard, d’aller au-delà, de pénétrer dans les profondeurs de son moi intérieur: une sorte de miroir de son moi intérieur était ainsi créé dans ses tableaux, puisqu’à travers le miroir, il se montrait à lui-même et qu’en même temps, le spectateur percevait dans le portrait toute la charge émotionnelle et l’angoisse de l’artiste. Si, dans l’Autoportrait , Schiele se penche vers la droite de l’observateur, l’alchechengi étant visible à gauche, dans son portrait, Wally penche sa tête de manière spéculaire vers la gauche de l’observateur, tandis qu’une branche est également visible à droite. L’observateur est inévitablement séduit par les grands yeux bleus de la jeune fille ; son visage est assez anguleux, avec des lèvres rouges et des joues légèrement rougies, tout comme ses cheveux coupés court. Wally, comme Egon, est également représenté dans une robe noire, ornée d’un col blanc. Deux portraits qui se ressemblent beaucoup, tous deux désireux d’être entendus et compris avec tout leur bagage émotionnel.

L’âme mélancolique et souffrante, bien visible dans ses portraits, se retrouve également dans ses paysages, empreints d’une sombre mélancolie. Il s’agit de paysages le plus souvent solitaires et déserts, qui expriment la nature cyclique de la vie à travers des fleurs fanées, des arbres dénudés, le coucher du soleil. Schiele “attache quelque chose d’humain aux paysages”, comme le souligne Verena Gamper, conservatrice du Leopold Museum. Et très souvent, ils sont chargés de perturbations.

Considéré comme un peintre très provocateur, à la limite de la pornographie, Egon Schiele fut au contraire l’un des artistes les plus introspectifs du XXe siècle, capable de transmettre à travers ses nombreux autoportraits et paysages sa nature sensible et mélancolique, marquée par les difficultés engendrées par la société et l’époque dans lesquelles il vivait.

Pour en savoir plus sur la figure et les lieux de Schiele : https://www.austria.info/it/arte/artisti-e-capolavori/egon-schiele-splendidi-paesaggi-malinconici

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