von Marco Ferri 06/11/2026
Kategorien: Interviews / Haftungsausschluss
Die iranische Künstlerin Atefeh Majidi Nezhad interpretiert die historische Architektur von Isfahan neu – mit Stoffsäulen und Tinte, die scheinbar im luftleeren Raum schweben. Auf der Luxembourg Art Week 2026 präsentiert sie eine Installation, die über die Last der Erinnerung, die Zerbrechlichkeit von Strukturen und die Möglichkeit, die Vergangenheit neu zu erfinden, nachdenkt. Die Künstlerin erzählt alles in diesem Interview mit Marco Ferri.
Laut Giorgio Vasari kann die Zeichnung als der Ursprung der drei Künste betrachtet werden; tatsächlich existiert jedes Werk der Architektur, Bildhauerei oder Malerei (bevor es zu einem solchen wird) zunächst als Zeichnung, die direkt vom Verstand konzipiert wurde. Es handelt sich um einen unvermeidlichen Prozess, der kaum umkehrbar ist: Wenn ein architektonisches oder skulpturales Werk in dem Moment, in dem es als physischer Gegenstand Gestalt annimmt, Dreidimensionalität erlangt, verliert es diese Dimension, sobald es wieder nur eine Zeichnung ist. Das mag wie ein Axiom erscheinen, trifft jedoch nicht immer zu.
Atefeh Majidi Nezhad (Isfahan, 1983) weiß das nur zu gut. Die iranische Künstlerin ist derzeit Protagonistin der Luxembourg Art Week 2026 (die im Großherzogtum Luxemburg, eingebettet zwischen Belgien, Frankreich und Deutschland, stattfindet) mit einer Installation namens „Revision: Zero-G Columns“, die Teil ihrer Serie „Columns“ ist. Das Werk ist Teil des Programms „Art Walk“: Es befindet sich im öffentlichen Raum und ist rund um die Uhr, sieben Tage die Woche zugänglich. Es ist also stets sichtbar.
Im Wesentlichen hat die Künstlerin 30 schwebende Säulen geschaffen, die jeweils etwa 3 Meter hoch sind. Mit Tinte auf einem zarten Netzgewebe bemalt und an fast unsichtbaren Fäden an der Decke aufgehängt, scheinen sie im luftleeren Raum zu schweben. Die Formen sind vom Shabestan (dem Säulensaal) der berühmten Freitagsmoschee von Isfahan sowie vom architektonischen Rhythmus der Kuppel des Taj al-Molk im Iran inspiriert. Der künstlerische Ansatz von Atefeh Majidi Nezhad entzieht den monumentalen Säulen ihre tragende Funktion und ihr historisches Gewicht und verwandelt ideologisch belastete und autoritäre Strukturen in vergängliche, schwebende Elemente, die das Publikum dazu einladen, über Raum, Gewicht und Erinnerung nachzudenken. Wir haben der Künstlerin, die eine besondere Verbindung zu Italien hat – einem Land, in dem ihre Arbeit in den letzten drei Jahren bedeutende Auszeichnungen erhalten hat –, einige Fragen gestellt.
MF. Fangen wir ganz von vorne an: Wie sah dein Ausbildungsweg aus?
AMN. Pablo Picasso sagte einmal: „Die Kunst wäscht den Staub des Alltags von der Seele.“ Ich glaube, dass jeder Mensch mit einer weit geöffneten Tür zur Kunst geboren wird. Sie dient als Zufluchtsort für diejenigen, denen die Worte im Hals stecken bleiben, für diejenigen, denen es schwerfällt, ihre Gefühle auszudrücken. Die Kunst ist die beredte Stimme unserer stillen Räume. Ich verbrachte meine Kindheit in der ruhigen Gesellschaft des Papiers: Ich schuf kleine Figuren, zeichnete Kleider und Möbel auf ihre leblosen Formen und verstaute sie in einer Ecke meiner Vorstellungskraft, wobei ich ihnen Leben einhauchte. In dieser Welt aus Papier hatte ich alles unter Kontrolle; sogar meine Puppen entstanden aus dem Strich meiner Hände. Mit zehn Jahren trat ich dem Institut für die geistige Entwicklung von Kindern und Jugendlichen bei. Drei Jahre später, mit dreizehn Jahren, hörte ich zufällig, wie mein Kunstlehrer mit meiner Schwester sprach: Er vertraute ihr an, dass er in mir ein besonderes Talent entdeckt habe. Eine Welle der Begeisterung erfüllte meine Brust, und in genau diesem Moment schlug der Traum, eine Kunstschule zu besuchen, Wurzeln in meinem Herzen. Der Weg war nicht ohne Hindernisse: Ich wuchs in einem Umfeld auf, in dem Kunst nicht als legitimer Beruf angesehen wurde; alle erwarteten von mir, dass ich Ingenieurin oder Ärztin werden würde. Ich habe durchgehalten, bin meinen Weg gegangen und bin schließlich in diese magische Welt eingetreten, ein Reich, aus dem es kein Zurück mehr gibt. Mein Werdegang begann mit dem Studium der Malerei an der Kunstuniversität von Isfahan und führte schließlich zum Masterabschluss an der Universität Teheran.
Was ist dein künstlerischer Hintergrund?
Ich glaube, es gibt einen Wendepunkt, an dem ein Mensch seinen Weg mit tiefer innerer Überzeugung wählt. Das ist der Moment, in dem die Kunst aufhört, nur eine Leidenschaft zu sein, und zu dem wird, was man wirklich ist. Ich erinnere mich noch genau an den Tag, an dem mir diese Erkenntnis bewusst wurde: Es war der Tag der Bewertung der Abschlussarbeiten. Dr. Halimi, mein Dozent für fortgeschrittene Malerei, betrachtete meine Arbeit und rief begeistert aus: „Du tauchst furchtlos in das Herz des Ozeans ein!“ Und doch hat er mir im selben Moment die schlechteste Note des gesamten Kurses gegeben! Zunächst war ich überglücklich darüber, dass mein Talent anerkannt worden war. Doch als ich einige Tage später die Note sah (14 von 20), brach meine Welt zusammen. Noch heute weiß ich nicht, ob es sich um eine verschleierte Form der Ermutigung oder um eine subtile Art handelte, mich herabzusetzen. Und doch markierte dieser Moment den wahren Beginn meines Weges. Damals kamen mir die Worte von Vincent van Gogh wieder in den Sinn: „Es tobt ein Sturm auf dem Meer, aber das Geheimnis des Überlebens liegt darin, den Ruf des Ufers niemals zu vergessen“. Diese Perspektive weckte in mir eine rebellische Entschlossenheit: Künstler zu bleiben, weiter zu schaffen und meine künstlerische Identität zu behaupten. Es war ein Weg, der mir die wahre Bedeutung von Beharrlichkeit und Widerstandsfähigkeit gelehrt hat.
Welche Preise oder Auszeichnungen hast du erhalten?
Der Moment, der mir am tiefsten am Herzen liegt und der mir hilft, auf diesem Weg standhaft zu bleiben, ist der Gewinn des zweiten Preises („Lorenzo il Magnifico“) bei der XIV. Biennale von Florenz im Jahr 2023. Für einen Künstler ist eine solche Anerkennung so, als könne ein Bergsteiger endlich seinen schweren Rucksack auf den Boden stellen, um wieder zu Atem zu kommen. Dieser Atemzug erinnert dich daran, mit leichterem, aber gleichzeitig festem Schritt weiterzugehen: Du weißt ganz genau, dass noch steilere Anstiege auf dich warten, Anstiege, die deinem Geist und deiner Kraft noch mehr abverlangen werden.
Also braucht es auch eine gute Portion Resilienz…
Resilienz? Meine Antwort ist einfach: Ich erlebe sie gerade jetzt. Ich befinde mich im Herzen des Großherzogtums Luxemburg: Luxembourg Art Week, 2026. Doch als ich mich für die Luxembourg Art Week 2026 beworben habe, sah mein Leben ganz anders aus. Ich war nach Isfahan zurückgekehrt, um mich um meinen Vater zu kümmern – mitten im Krieg. Das Internet war landesweit gesperrt; ein VPN kostete ein Vermögen, und die Verbindung hing am seidenen Faden, bereit, jeden Moment abzubrechen. In diesen schweren Tagen kam mir ein Satz von Albert Camus in den Sinn: „Mitten im Winter habe ich endlich gelernt, dass in mir ein unbesiegbarer Sommer wohnt.“ Ich sagte mir, dass ich einen Weg finden musste, mich selbst und meine Träume vor all diesem Chaos zu retten. Entgegen aller Erwartungen und trotz all meiner Zweifel: Hier bin ich nun auf der Luxembourg Art Week 2026.
Nun gut, versuchen wir doch einmal, deine Kunst, ihre Merkmale und deine Inspirationsquellen zu beschreiben?
Auf der Luxembourg Art Week 2026 präsentiere ich ein neues Kapitel des Projekts, an dem ich seit einem Jahrzehnt arbeite: eine Neuinterpretation und Überarbeitung der historischen Architektur von Isfahan. „Revision: ZeroG Columns“ ist eine Installation aus schwebenden Säulen, inspiriert von der Freitagsmoschee (Jameh-Moschee) in Isfahan und ihren zwölf Jahrhunderten architektonischer Wandlungen. Mit diesem Werk setze ich meine Erforschung der Beziehung zwischen historischer Architektur, dem Vergehen der Zeit und der Zerbrechlichkeit von Strukturen fort. Ich habe sie aus einem transparenten Netz und Tintenlagen gefertigt. Da sie nicht mehr das Gewicht von Stein oder Ziegeln tragen müssen, sind sie leicht geworden, fast schwebend. Wenn Licht (natürliches oder künstliches) durch das Netz fällt, wirft es auf den Boden, die Wände und die Decke zarte, flackernde, fast gespenstische Schatten; es ist, als würden die Säulen an der Stelle atmen, an der die Luft auf das Licht trifft. Mit jeder Bewegung des Betrachters verändern sich die Dichte der Tinte und die Transparenz des Netzes und spielen so mit der Grenze zwischen Präsenz und Abwesenheit. Für mich dreht sich dieses Projekt um das Konzept der Beständigkeit. Die Säulen bewahren ihre historische Identität, doch ihr Verhältnis zur Schwerkraft und zur sie umgebenden Leere hat sich radikal gewandelt. Jacques Derrida schrieb: „Dekonstruktion ist keine bloße Zerstörung; sie ist eine Lesart, die verborgene Bedeutungen offenbart.“ Das Aufhängen dieser Säulen verkörpert genau dies: Sie trotzen der Macht und Autorität der massiven Architektur und offenbaren sich zugleich als eine Geste tiefer Fürsorge und Zärtlichkeit. Darüber hinaus bindet die Ausstellung dieses Werks an einem Ort, der zur Stadt hin ausgerichtet ist, die Kunst direkt in den Rhythmus des Alltags ein. Ohne die Schwelle einer Galerie überschreiten zu müssen, bleiben Passanten stehen und erleben mitten in der Hektik eines intensiven Tages einen Moment der Besinnung und Neugier. Die Wurzeln der Serie „Revision“ liegen in der Jameh-Moschee von Isfahan; ihre quadratische Form steht für Stabilität und Beständigkeit in der physischen Welt. Für mich ist dieses Gebäude jedoch auch Teil des Innenlebens und der Erfahrungen der Menschen, die es besuchen. Der Architekt und Theoretiker Christian Norberg-Schulz schrieb: „Ein Ort ist nicht nur physische Geografie; er ist eine Seinsqualität, die die menschliche Identität und Erinnerung prägt.“ Isfahan ist meine Heimatstadt, und diese Säulen gehören zu meinem visuellen Unterbewusstsein; mit ihnen zu arbeiten bedeutet, meine persönlichen Erinnerungen im Rahmen einer gemeinsamen Geschichte neu zu interpretieren.
Was bedeutet es für dich, ein so intimes Werk außerhalb deines Landes zu präsentieren?
Meine Antwort auf die Gegenwart besteht nicht in einer direkten Darstellung von Instabilität; vielmehr versuche ich, die Voraussetzungen dafür zu schaffen, dass die Idee der Stabilität selbst in Frage gestellt wird. Meine Arbeit bietet dem Publikum keine absoluten oder unveränderlichen Wahrheiten, sondern lädt es dazu ein, die Zerbrechlichkeit, die Fluidität und unterschiedliche Perspektiven wahrzunehmen. Für mich ist die Präsentation dieser Installation in verschiedenen Ländern nicht einfach eine geografische Verlagerung, sondern vielmehr eine räumliche und semantische Verschiebung. Edward Said hat bemerkt: „Ideen und Formen erwerben, wenn sie wandern und sich in neue Kontexte einfügen, neue Sprachen und gehen unvorhersehbare Beziehungen mit ihren neuen Behältern ein.“ Wenn eine vertraute Form in ein neues Land gelangt, verändert sich ihre Bedeutung. Die Installation tritt in einen lebendigen Dialog mit den Schichten der Stadt, die sie beherbergt, und verwandelt sich in etwas, das in einer Zwischenwelt existiert: zwischen der „Erinnerung an den Ursprung“ und der „Realität des Zielortes“.
Werden wir deine Werke wieder in Italien sehen? Und wenn ja, wann?
Die Ideen, die meiner Arbeit zugrunde liegen, sowie meine bisherigen Erfahrungen in Italien, insbesondere auf der Biennale in Florenz, sind für mich von unschätzbarem Wert. Ich hege den tiefen Wunsch, nach Europa zurückzukehren, um festere und lebendigere Verbindungen durch Projekte aufzubauen, die es einem Kunstwerk ermöglichen, auf natürliche Weise aus einem bestimmten Kontext und einer bestimmten Geografie heraus zu entstehen und im Einklang mit dem Licht, der Architektur und der umgebenden Welt zu atmen.
Versuchen wir es uns einmal vorzustellen: Ist es möglich, eine künstlerische Brücke zwischen dem Iran und Italien zu schlagen?
Sowohl der Iran als auch Italien ruhen auf den Fundamenten einer Geschichte und einer Architektur, die Jahrtausende umfassen. In diesem Zusammenhang fällt mir die Zeit ein, die Pier Paolo Pasolini in Isfahan verbrachte; er reiste dorthin, um „Die Blume aus Tausendundeiner Nacht“ zu drehen, fasziniert vom Zauber der Jameh-Moschee, und richtete seine Kamera auf diese bezaubernde Architektur. Dies zeigt, wie ein physischer Raum im Iran einen italienischen kreativen Geist inspirieren kann – und umgekehrt. Ich glaube, dass ein authentischer und aufrichtiger Dialog zwischen den zeitgenössischen Kunstszenen möglich ist. Hans-Georg Gadamer schrieb: „Das Gespräch ist ein Prozess, in dem zwei Menschen zueinander finden … es ist eine Verschmelzung von Horizonten.“ Selbst wenn politische Umstände und wirtschaftlicher Druck den kreativen Akt erschweren, bleibt die Kunst ein Zufluchtsort: ein Lebensraum, in dem Neugier geweckt wird, ein Gespräch beginnt und ein tieferes Verständnis zwischen den Menschen entstehen kann.
Wie sieht die Situation in deinem Land aus?
In der Kunstwelt (und insbesondere im Iran) ist der Weg alles andere als einfach. Dennoch experimentieren viele Künstler weiter und gehen ihre eigenen, unabhängigen und authentischen Wege. Die größte Herausforderung für einen aufstrebenden Künstler besteht darin, in den turbulenten Gewässern der heutigen Kunstwelt festen Boden unter den Füßen zu finden – Gewässer, durch die die gesamte globale Künstlergemeinschaft navigieren muss. Für einen iranischen Künstler ist die Last jedoch noch größer. Aus eigener Erfahrung kann ich sagen, dass das Problem niemals ein Mangel an Ideen, Kreativität oder Talent ist. Die wahre Herausforderung besteht darin, die Kraft zu finden, weiterzumachen, sowie die notwendigen Ressourcen und die Unterstützung, um den kreativen Akt zu ermöglichen. Wie Friedrich Nietzsche sagte: „Wer ein Warum zum Leben hat, erträgt fast jedes Wie.“ Ich glaube, wenn in einem Künstler die Leidenschaft und der Glaube an den Schaffensakt brennen, wird er es schaffen, sich seinen Weg durch den harten Fels der Realität zu bahnen; denn der Wille zum Schaffen ist immer stärker als jedes Hindernis.
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