von
Noemi Capoccia 
@noe_capo
02/11/2026
Kategorien: Stellungnahmen / Haftungsausschluss
Die 60. Ausgabe der Lucca Comics & Games geht mit 345.000 Besuchern, über 900 Gästen und 14 Ausstellungen zu Ende. Vom Dialog zwischen Go Nagai und Dante bis hin zum Auftritt von Alberto Angela in der Rolle eines Mandalorianers: eine Bilanz über das Verhältnis zwischen Popkultur und historischem Erbe. Ein Miteinander voller Möglichkeiten, das jedoch nicht frei von Widersprüchen ist.
345.000 Besucher, mehr als 900 Gäste aus aller Welt, 800 Aussteller, über 1.500 Veranstaltungen und 14 Ausstellungen. Das sind die Zahlen zum Abschluss der 60. Ausgabe der Lucca Comics & Games, die gestern, am 1. November, nach fünf Tagen zu Ende ging, in denen sich das Gesicht der Altstadt völlig verändert hatte. Zu dieser Zahl kommen noch all jene hinzu, die zwar keine Eintrittskarte hatten, aber dennoch die Straßen und Plätze füllten. Bereits am Eröffnungstag belief sich die Besucherzahl laut einem Artikel der Zeitung „La Nazione“ (Hauptmedienpartner der Messe) auf etwa 30.000.
Zu den Protagonisten dieser Ausgabe gehörten neben den der Stadt Lucca gewidmeten Videospielen, Comics, Ständen und weltberühmten Illustratoren (und das ist nicht unbedingt die Präsenz, die man erwarten würde) auch Dante Alighieri. Auch 700 Jahre später dient die „Hölle“ weiterhin als Inspirationsquelle für Zeichner. Dies zeigte sich in den Illustrationen von Paolo Barbieri, der die Welt Dantes in dem auf der Messe vorgestellten Band „L’inferno di Dante illustrato da Paolo Barbieri“ dargestellt hat. Und vor allem durch Go Nagai, einen der Ehrengäste, dem das Festival die Ausstellung „Go Nagai – Sonne, Herz und Stahl“ gewidmet hat, die vom 28. Oktober bis zum 1. November im Palazzo delle Esposizioni der Fondazione Banca del Monte di Lucca zu sehen war.
Die Ausstellung zeigte die bekanntesten Werke des Mangaka: die Stahlriesen wie Mazinga Z und Goldrake, die japanische Animes nach Italien brachten, sowie Jeeg, den Großen Mazinga, Getter Robot und Devilman, eines der bedeutendsten Werke seines Schaffens. Neben diesem Universum stellte der Rundgang Nagai der italienischen Tradition gegenüber – anhand von sechs Werken aus den Uffizien: fünf Zeichnungen aus der Serie zur „Göttlichen Komödie“, die Federico Zuccari zwischen 1586 und 1588 schuf, sowie eine Kopieder „Verdammten Seele“ (oder „Furia“) von Michelangelo, die Francesco Salviati zugeschrieben wird.
Die Verbindung zu Dante hat in diesem Fall eine solide Grundlage. Nagai lernte die „Göttliche Komödie“ durch die Stiche von Gustave Doré kennen und kehrte im Laufe seiner Karriere immer wieder zu ihr zurück: von „Mao Dante“ (1971) über „Devilman“ (1972) bis hin zur direkten Adaption in den 1990er Jahren. In seinen Werken ist der Dämon der Ort der Auseinandersetzung zwischen Vernunft und Urinstinkt. Hörner, Reißzähne, Flügel und tierische Züge zeugen am Körper vom Verlust der Gnade und der Rückkehr zu einem wilden Zustand. Es ist ein Repertoire, das von Dante über Bosch bis hin zu Doré reicht und vom Manga neu interpretiert wird – ein Beweis dafür, wie ein mittelalterliches Gedicht noch Jahrhunderte später neue Lesarten hervorbringen kann.
Um zu verstehen, warum all dies funktioniert, muss man weit zurückgehen. Der Comic geht auf eine ursprüngliche Geste zurück: die des Menschen, der in Höhlen malt. Vor der Schrift gab es eine Hand, die Spuren auf dem Felsen hinterließ, um von einer Jagd, einem Tier oder einem Ereignis zu erzählen, um zu sagen: „Ich war dabei“ und „So ist es gewesen“. Nun, genau dort hat der Comic seinen Ursprung. Er ist eine Form der künstlerischen Kommunikation, die verbindet, zusammenführt und alle erreicht, ohne kompliziert zu sein. Er erfordert keine besonderen Vorkenntnisse, spricht Zehnjährige ebenso an wie Achtzigjährige und schafft so Gemeinschaft. Betrachtet man es so, erscheint die Verbindung zwischen Zuccari, Michelangelo und Nagai nicht mehr als gewagt: Es ist dasselbe Bedürfnis, durch Bilder zu erzählen, das zwar Mittel und Epochen wechselt, aber sein Wesen nicht verändert.
Was geschieht also, wenn museales Erbe auf Bilder trifft, die für den Comic entstanden sind? Und muss man zwischen diesen Kulturformen wirklich eine Hierarchie aufstellen, oder kann der Vergleich dazu beitragen, beide besser zu verstehen? Die Ausstellung präsentierte ein konkretes Beispiel: Massenunterhaltung kann zu einem Instrument werden, um Werke der Vergangenheit neu zu interpretieren, ohne dass diese ihre Besonderheit verlieren. Ich glaube, es geht darum anzuerkennen, dass Bilder miteinander in Dialog treten, sich wandeln und verschiedene Epochen und Sprachen durchqueren.
Die Zusammenarbeit zwischen den Uffizien und Lucca Comics & Games ist übrigens nicht neu. Im Jahr 2021 brachte das Projekt „Comics in Museen | Die Selbstporträts der Uffizien“ die Selbstporträts von 52 italienischen Comiczeichnern in die Sammlungen des Museums. Im Jahr 2024 wurden anlässlich des 50-jährigen Jubilä ums von „Dungeons & Dragons“ einige Drachenstiche in Lucca präsentiert. Im Jahr darauf traten die muskulösen Figuren von Baccio Bandinelli in einen Dialog mit dem Universum von „Ken, der Krieger“ und mit dem Werk von Tetsuo Hara, dessen Selbstporträt anschließend von den Uffizien erworben wurde. Ein Ansatz, der funktioniert, wenn die gegenseitige Beeinflussung nicht bei der bloßen Nähe der Werke stehen bleibt, sondern eine erkennbare Verbindung herstellt.
Zu den großen Namen der internationalen Comic-Szene, die auf der Messe vertreten waren, gehörte auch Frank Miller. Am Donnerstag, dem 29. Oktober, traf der amerikanische Autor im Auditorium von San Romano im Rahmen der Veranstaltung „Frank Miller: 40 Jahre nach der Revolution“ dem Publikum vor, begleitet auf der Bühne vom Chefredakteur von Panini Comics, Marco Marcello Lupoi, um vier Jahrzehnte nach „300“, „Batman: Die Rückkehr des Dunklen Ritters“ und „Daredevil: Wiedergeburt“ die Meilensteine seiner Karriere Revue passieren zu lassen. Mit seinen unvollkommenen Helden und seiner Vorstellung vom urbanen Noir hat Miller in der Tat die Art und Weise verändert, wie Superhelden-Comics erzählt werden, und dies ist eine weitere Bestätigung dafür, dass Comics in Lucca eine Sprache sind, die ihre eigene Geschichte hat und ein Publikum, das bereit ist, sich mit ihnen auseinanderzusetzen.
Ein Festival wie Lucca C&G lebt jedoch nicht nur von Ausstellungen und musealen Projekten. Es gibt aucheine kommerzielle und urbane Seite: Bücher, Fanartikel, Autorenlesungen, Kostüme, Tausende von Menschen in der Altstadt. Und hier zeigt sich einer der kritischsten Aspekte dieser Ausgabe: Die Warteschlangen vor den Manga-Verkaufspavillons und den Autorenbereichen waren endlos – eine Wartezeit, die letztendlich einen erheblichen Teil der Zeit der Besucher in Anspruch nahm. Zudem wirken einige Stände unpersönlich, eher wie Geschäfte als wie Orte der Begegnung, an denen man hineingeht, etwas kauft und wieder hinausgeht. Und doch erzählen diese Warteschlangen auch von einem wesentlichen Teil der Veranstaltung: dem Wunsch, Geschichten und Figuren hautnah zu erleben, Bücher zu kaufen und sich als Teil einer Gemeinschaft von Fans zu fühlen. Es handelt sich um eine kulturelle Teilhabe, die man eigentlich nicht als oberflächlichen Konsum abtun sollte.
Es bleibt jedoch die Frage, wie viel Raum es bei einer derart überfüllten Veranstaltung gibt, um innezuhalten, zu schauen, zu lesen und sich zu vertiefen, und wie sich Besucherströme dieser Größenordnung mit der Aufwertung des historischen Erbes der Stadt vereinbaren lassen.
Das gilt auch für die anderen Ausstellungen auf der Messe. „Claudio Castellini: Tocchi da Maestro“ in der Fondazione Banca del Monte präsentierte über 120 Originalzeichnungen und zeichnete das Schaffen des Künstlers nach, von den Bonelli-Comics bis hin zu seinen Arbeiten für Marvel und DC. Vor den Originalen konnte man Zeichnung, anatomischen Aufbau, Hell-Dunkel-Kontrast und plastische Darstellung der Körper aus nächster Nähe betrachten – Aspekte, die im Druck oft verloren gehen. Castellini ist auch der Schöpfer des Meta-Posters der Ausgabe 2026, das aus Figuren und Anspielungen auf vergangene Ausgaben des Festivals zusammengestellt wurde.
Besondere Erwähnung verdient auch die Ausgabe Nr. 3701 von „Topolino“ mit dem von Paolo Barbieri selbst gestalteten Variant-Cover für die Reihe „Wizards of Mickey“. Betrachten wir es nicht als Sammlerstück oder als Produkt einer bekannten Marke. Derselbe Künstler, der Dantes „Inferno“ illustriert hat, gestaltet das Cover des beliebtesten Comics Italiens – und das ist eine gute Erinnerung daran: Talent kennt keine Hierarchien, die wir ihm oft auferlegen. Hinter einem solchen Bild stecken Erfindungsreichtum, Technik, Komposition und Interpretation – also künstlerisches Schaffen in jeder Hinsicht. Warum sollte ein Werk also erst dann Beachtung verdienen, wenn es in ein Museum oder eine Galerie gelangt? Und umgekehrt: Reicht es aus, dass der Autor etabliert ist, um den Wert eines Werks anzuerkennen, ohne sich zu fragen, welche Arbeit dahintersteckt?
Ich glaube nicht, dass es darum geht, ein für alle Mal festzulegen, was Kunst ist. Man muss lernen, Bilder in ihrem Kontext zu betrachten, ohne den kulturellen Wert mit dem kommerziellen Erfolg zu verwechseln und ohne zu denken, dass die Zugehörigkeit zur Jugendkultur an sich schon eine Qualitätsgarantie oder ein Grund für Ausgrenzung sei.
Die Grenze zwischen Kunst und dem, was mittlerweile als „Popkultur“ bezeichnet wird, war in Lucca auch an den Ständen mit Pokémon-Karten zu finden. Unter den Vitrinen der Sammler war eine der außergewöhnlichsten die mit dem „Pika-Portrait“, der Karte, auf der Pikachu als Van Gogh verkleidet abgebildet ist und einen Wert von 1.000 Euro hat. Eine Hommage an einen der bekanntesten Maler der Kunstgeschichte, verwandelt in ein Sammlerstück, vor dem die Besucher stehen blieben, um es zu betrachten und darüber zu diskutieren. Hinter dieser Karte verbirgt sich derselbe Mechanismus, der sich durch die gesamte Messe zieht: ein populäres Bild, das einen Meister der Vergangenheit zitiert und ihn dadurch wieder in den Kreislauf eines Publikums jeden Alters bringt.
Das Thema wird noch deutlicher, wenn man die Hallen verlässt und ins Stadtzentrum von Lucca gelangt. Die Piazza San Michele, das historische Zentrum der Stadt, war einer der Orte, an denen das Festival am deutlichsten sichtbar wurde, mit Installationen, die sich auf äußerst beliebte Erzählwelten bezogen, wie beispielsweise die von Harry Potter, die zur Einführung der in den kommenden Monaten erscheinenden HBO-Serie konzipiert wurden. Am 31. Oktober war derselbe Platz Schauplatz eines weiteren mit Spannung erwarteten Ereignisses: Die Disney+-Serie „Percy Jackson und die Götter des Olymps“ kehrte nach Lucca zurück und brachte zum ersten Mal die Schauspieler Walker Scobell, Leah Sava Jeffries und Aryan Simhadri zum Festival, die sich direkt von der Piazza San Michele aus dem Publikum zeigten.
Und während die Piazza San Michele wie eine Bühne wirkt, hat die Piazza Napoleone einen anderen Weg eingeschlagen. Während der Festivaltage verwandelte sich der Platz vor dem Palazzo Ducale in einen großen Ausstellungsbereich mit zwei riesigen Ständen. Eine Lösung, die insgesamt gute Ergebnisse gebracht hat: Der Platz behält (wie jedes Jahr) ein geordnetes Erscheinungsbild bei, ohne seine Wiedererkennbarkeit gänzlich zu verlieren, und es gelingt, den Publikumsandrang zu bewältigen. Doch auch hier kam es zu langen Wartezeiten, wobei die Warteschlangen zeitweise so lang waren, dass sie die Zeit für den Besuch der Stände verkürzten.
Es bleibt zudem die Frage, ob ein solcher Platz, der von zwei großen Pavillons eingenommen wird, noch er selbst bleiben kann oder für einige Tage zu einer Erweiterung der Messe wird – und ob dies letztendlich ein Nachteil ist. Es ist kein einfacher Gegensatz: Die Installationen ziehen neue Zielgruppen an und machen die Stadt zu einem aktiven Protagonisten, doch gleichzeitig stellt sich das Problem des Gleichgewichts zwischen öffentlichen Räumen, historischer Identität und kommerziellen Logiken. Die Altstadt ist kein neutraler Raum: Dort leben und arbeiten Menschen, jeden Tag, ob Festival oder nicht. Die Steuerung der Besucherströme, Sperrungen und Beeinträchtigungen des Alltags gehören dazu – und das lässt sich nicht allein auf die Besucherzahlen reduzieren.
Und falls es noch eines Beweises bedurfte, wie sehr Lucca alle mitreißen kann, lieferte Alberto Angela diesen. Am 31. Oktober, bei seiner ersten Teilnahme an der Lucca Comics & Games, nahm der Wissenschaftsjournalist an der Star-Wars-Parade teil und zog gemeinsam mit den anderen Darstellern in der Rolle eines Mandalorianers durch die Straßen. Erst am Ende der Veranstaltung, als er den roten Teppich erreichte, nahm er seinen Helm ab und enthüllte seine Identität. Auch er, das Aushängeschild der italienischen Kulturvermittlung, hat sich dem Geist von Lucca Comics angepasst und sich dafür entschieden, mitzumachen, anstatt nur von außen zuzusehen. Am Nachmittag betrat er die Bühne des Teatro del Giglio Giacomo Puccini für die Gesprächsrunde „Conoscere è un’avventura“ im Dialog mit Gianluca Gazzoli, die sich der Wissensvermittlung und der Kraft des Erzählens widmete, ausgehend von dem Buch „Cesare. La conquista dell’eternità“ (Mondadori). Vom Kostüm zum Theater innerhalb weniger Stunden: „Hochkultur“ und Populärkultur können an ein und demselben Tag nebeneinander bestehen – und manchmal, so möchte ich sagen, sogar in ein und derselben Person.
Nach Abschluss des Festivals zieht man Bilanz: Es gab Lichtblicke und vielleicht auch einige Schatten. Lucca Comics & Games vereint Angebote, die sich in Sprache, Publikum und Zielen stark unterscheiden: Einige haben einen strukturierten kulturellen Austausch geschaffen, andere folgten vor allem der Logik des Spektakels und des Kommerzes. Sie unter einen Hut zu bringen bedeutet anzuerkennen, dass gerade ihr Nebeneinander dazu zwingt, die Rolle einer Kunststadt während einer Veranstaltung dieser Größenordnung zu hinterfragen. Vielleicht lautet die Frage also nicht, ob eine Kunststadt die Sprache von Manga, Videospielen oder Fernsehserien sprechen kann. Sondern ob sie dies schafft, ohne sich darauf zu beschränken, lediglich ihre Plätze zur Verfügung zu stellen, und ob sie es versteht, die Begegnung zwischen Kulturerbe und Nerd-Kultur in eine Gelegenheit zum Lernen zu verwandeln. Eine Kunststadt ist nicht nur eine Stadt, die die Werke der Vergangenheit bewahrt: Sie ist auch eine Stadt, die die Voraussetzungen schafft, damit diese weiterhin gelesen und mit den Bildern der Gegenwart verglichen werden können.
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