Del 11 de junio al 3 de octubre de 2025, la Galleria Christian Stein de Milán acoge por tercera vez una exposición individual de Stefano Arienti (Asola, 1961), uno de los artistas más reconocidos de la escena contemporánea italiana. El escenario de la exposición Ut pictura poësis es el salón neoclásico de la sede milanesa de la galería: un espacio que da a un jardín aislado donde una vegetación alta y madura filtra la luz e introduce una vibración atmosférica constante en el interior.
Arienti ya había expuesto en esta misma sede en 2019 y 2021, con dos proyectos centrados en la transformación poética de imágenes fotográficas personales, a menudo banales, a las que devolvía un estatus estético mediante técnicas híbridas: papeles arrugados, superficies arañadas, relieves y abrasiones. En esas obras, la relación entre la cultura visual y el mundo natural se articulaba en un equilibrio precario pero fértil que desafiaba los dualismos tradicionales. Lo natural, lo humano, lo urbano, lo tecnológico: todo estaba en el mismo plano de una visión no jerárquica, donde el gesto artístico se convertía en un instrumento para suspender el conflicto.
“Utilizando técnicas, siempre se pueden obtener resultados diferentes... A lo largo de los años he intentado demostrar que se puede hacer arte, poéticamente, con un gesto mínimo. Que ese gesto, incluso un poco obtuso y quizá repetitivo, es crucial”, afirma Arienti. “El espacio cortesano del Palazzo Cicogna, con su vista secreta del jardín, enmarca una secuencia de cuatro tiempos superpuestos: clásico, renacentista, impresionista y contemporáneo. La historia, como la geografía, siempre me ha intrigado”.
“Sus obras parten siempre de algo que ya existe, pero a través de diferentes técnicas sufre una reelaboración, transformándose en algo nuevo e inédito”, escribe Chiara Bertola, directora de la GAM de Turín. “Él mismo confirma en una entrevista que nunca ”produciría nada nuevo, porque toda la creatividad ya está disponible: sólo hay que tener la atención de ir a descubrirla y hacer que se convierta en algo personal“. Arienti es más pintor que escultor: trabaja con imágenes y se considera pintor ”porque principalmente tomo decisiones pictóricas, aunque no pinto en sentido estricto“. Sin embargo, trabaja con los valores táctiles de la pintura, a menudo interviniendo sobre figuras pintadas o fotografiadas ”implementándolas“ o ”aumentándolas“ con plastilina, con plastilina, con rompecabezas. Añade materia a la imagen, para transformarla y hacerla más táctil y más viva”.
Con Ut pictura poësis, título que evoca el paralelismo entre arte y poesía, Arienti hace un retorno a sus orígenes, pero no en un sentido regresivo. Se trata más bien de una renovación de la pintura que pasa por la memoria, personal y colectiva, de gestos e imágenes fundadoras. El artista presenta dos series de obras que, aunque formalmente distintas, remiten la una a la otra en un juego de ecos y correspondencias. Por un lado, encontramos sus famosas composiciones realizadas con pongo, un material pobre e infantil, pero capaz de una densidad táctil y cromática sorprendente; por otro, las grandes lonas de obra, antipolvo, ligeras y semitransparentes, que albergan trazos pictóricos apenas perceptibles, casi evanescentes.
Las obras del pongo representan una reflexión sobre el paisaje y la pintura como acontecimiento sensible. Arienti parte de conocidos cuadros impresionistas, en particular de Monet, elegido por su insistencia en captar lo inasible, y los reconstruye manipulando el material plástico sobre la superficie fotográfica. La imagen original se disuelve pero sobrevive como impresión, como eco visual. El color vuelve a ser cuerpo y materia viva.
“Todo es admirable, y cada día el campo es más bello, y yo estoy hechizado por el campo”, escribía Monet a su marchante parisino Durand-Ruel.
La elección del pongo, aparentemente lúdica, recuerda el tiempo libre y original de la infancia, en el que la forma y el significado surgen de una intuición primitiva, no mediada, y devuelven al acto creativo un sentido de descubrimiento y encanto.
Estas obras están flanqueadas por grandes paños de polvo tendidos en la pared: superficies diáfanas, en las que surgen signos mínimos, trazos ligeros que parecen evaporarse en el aire. Arienti las define como “más parecidas a grandes tapices dibujados, que se integran espontáneamente en la arquitectura de la sala”, y es cierto: son obras que invitan al observador a ralentizarse, a dejar que la luz las atraviese. El artista ha evocado aquí la técnica de la sinopia y el spolvero, esa fase de dibujo preparatorio que precede al fresco, sacando a la luz no tanto una imagen acabada como su posibilidad, su devenir. Como si estuviéramos ante un sueño que está a punto de formarse, o un recuerdo que resurge.
Sobre estos fondos destacan las composiciones de pongo, luminosas y llenas de cuerpo, que recuerdan la tradición de la gran pintura decorativa italiana. Y aquí, en una nueva estratificación, Arienti cita a Tiziano, retomando los famosos ciclos mitológicos pintados para el Camerino de Alabastro del duque Alfonso de Este: Baco y Ariadna, la Fiesta de los Dioses, la Bacanal de los Andrii, la Fiesta de los Cupidos. Temas profanos, extraídos de Ovidio y Filóstrato, en los que la embriaguez, el amor y la música se convierten en metáforas de la belleza y la fugacidad. Arienti reelabora, reinterpreta, desmonta y recompone.
El artista actúa siempre al menos en tres niveles: manipula materiales y técnicas con curiosidad experimental; colecciona, cataloga, recicla imágenes como un coleccionista enciclopédico; y por último, y éste es quizá el gesto más radical, renueva el lenguaje de la pintura partiendo de su crisis. No para cerrarla, sino para habitarla poéticamente.
 |
| En Milán, Stefano Arienti y la pintura como poesía: entre Monet, Tiziano y la ligereza del pongo |
Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
