Vom 11. Juni bis 3. Oktober 2025 zeigt die Galleria Christian Stein in Mailand zum dritten Mal eine Einzelausstellung von Stefano Arienti (Asola, 1961), einem der bekanntesten Künstler der italienischen Gegenwartsszene. Schauplatz der Ausstellung Ut pictura poësis ist der neoklassizistische Salon in den Mailänder Räumlichkeiten der Galerie: ein Raum mit Blick auf einen abgelegenen Garten, in dem eine hohe, ausgewachsene Vegetation das Licht filtert und eine ständige atmosphärische Vibration in den Innenraum bringt.
Arienti hatte bereits 2019 und 2021 an diesem Ort ausgestellt, mit zwei Projekten, die sich auf die poetische Transformation von persönlichen, oft banalen fotografischen Bildern konzentrierten, denen er durch hybride Techniken einen ästhetischen Status verlieh: zerknülltes Papier, zerkratzte Oberflächen, Reliefs und Abreibungen. In diesen Werken wurde die Beziehung zwischen der visuellen Kultur und der natürlichen Welt in einem prekären, aber fruchtbaren Gleichgewicht artikuliert, das die traditionellen Dualismen in Frage stellte. Das Natürliche, das Menschliche, das Urbane, das Technologische: alles befand sich auf der gleichen Ebene einer nicht-hierarchischen Vision, in der die künstlerische Geste zu einem Instrument wurde, um den Konflikt auszusetzen.
“Durch den Einsatz von Techniken kann man immer unterschiedliche Ergebnisse erzielen ... Ich habe im Laufe der Jahre versucht zu zeigen, dass man mit einer minimalen Geste Kunst machen kann, auf poetische Weise. Dass diese Geste, auch wenn sie ein wenig stumpf ist und sich vielleicht wiederholt, entscheidend ist”, sagt Arienti. “Der höfische Raum des Palazzo Cicogna mit seinem geheimen Blick auf den Garten umrahmt eine Folge von vier sich überschneidenden Zeiten: Klassik, Renaissance, Impressionismus und Gegenwart. Die Geschichte hat mich wie die Geographie schon immer fasziniert”.
“Seine Werke gehen immer von etwas bereits Vorhandenem aus, das aber durch verschiedene Techniken überarbeitet wird und sich in etwas Neues und noch nie Dagewesenes verwandelt”, schreibt Chiara Bertola, Direktorin des GAM in Turin. “Er selbst bestätigt in einem Interview, dass er nie ”etwas Neues produzieren würde, denn alle Kreativität ist bereits vorhanden: man muss nur die Aufmerksamkeit haben, sie zu entdecken und sie zu etwas Persönlichem werden zu lassen“. Arienti ist eher ein Maler als ein Bildhauer: Er arbeitet mit Bildern und betrachtet sich selbst als Maler, ”weil ich hauptsächlich bildnerische Entscheidungen treffe, obwohl ich nicht im eigentlichen Sinne male“. Er arbeitet jedoch mit den taktilen Werten der Malerei, indem er oft in gemalte oder fotografierte Figuren eingreift, indem er sie mit Knetmasse, Play-Doh oder Puzzles ”implementiert“ oder ”vergrößert“. Er fügt dem Bild Materie hinzu, um es zu transformieren und es taktiler und lebendiger zu machen”.
Mit Ut pictura poësis, einem Titel, der die Parallele zwischen Kunst und Poesie heraufbeschwört, kehrt Arienti zu seinen Ursprüngen zurück, jedoch nicht in einem regressiven Sinne. Vielmehr handelt es sich um eine Erneuerung der Malerei, die durch die persönliche und kollektive Erinnerung an die Gesten und Bilder der Gründerzeit geht. Der Künstler stellt zwei Serien von Werken vor, die sich zwar formal unterscheiden, aber in einem Spiel von Echos und Korrespondenzen aufeinander verweisen. Auf der einen Seite finden wir seine berühmten Kompositionen aus Pongo, einem armen und kindlichen Material, das aber zu einer überraschenden taktilen und chromatischen Dichte fähig ist; auf der anderen Seite die großen, staubdichten, leichten, halbtransparenten Baustellenplanen, die kaum wahrnehmbare, fast flüchtige Bildspuren beherbergen.
Die Pongo-Arbeiten stellen eine Reflexion über Landschaft und Malerei als sensibles Ereignis dar. Arienti geht von bekannten Gemälden des Impressionismus aus, insbesondere von Monet, der darauf bestand, das Flüchtige einzufangen, und rekonstruiert sie durch Manipulation des Kunststoffs auf der fotografischen Oberfläche. Das ursprüngliche Bild löst sich auf, bleibt aber als Eindruck, als visuelles Echo erhalten. Die Farbe wird wieder zum Körper und zur lebendigen Materie.
“Alles ist bewundernswert, und jeden Tag wird die Landschaft schöner, und ich bin vom Land verzaubert”, schreibt Monet an seinen Pariser Händler Durand-Ruel.
Die scheinbar spielerische Wahl des Pongos erinnert an die freie und ursprüngliche Zeit der Kindheit, in der Form und Bedeutung aus einer primitiven, unvermittelten Intuition entstehen und dem kreativen Akt ein Gefühl der Entdeckung und Verzauberung verleihen.
Diese Werke werden von großen, an der Wand gespannten Staubtüchern flankiert: diaphanen Oberflächen, auf denen minimale Zeichen entstehen, leichte Spuren, die sich in der Luft zu verflüchtigen scheinen. Arienti definiert sie als “große, gezeichnete Wandteppiche, die sich spontan in die Architektur des Raumes einfügen”, und das stimmt: Es sind Werke, die den Betrachter einladen, das Tempo zu drosseln und das Licht durch sie hindurchgehen zu lassen. Der Künstler hat hier die Technik der Sinopie und des Spolvero heraufbeschworen, jene Phase der vorbereitenden Zeichnung, die dem Fresko vorausgeht und nicht so sehr ein fertiges Bild, sondern dessen Möglichkeit, sein Werden hervorbringt. Es ist, als stünden wir vor einem Traum, der sich gerade formt, oder einer Erinnerung, die wieder auftaucht.
Vor diesen Hintergründen heben sich dann die hellen, vollmundigen Pongo-Kompositionen ab, die an die Tradition der großen italienischen Dekorationsmalerei erinnern. Und hier, in einer weiteren Schichtung, zitiert Arienti Tizian, indem er die berühmten mythologischen Zyklen aufgreift, die für das Camerino d’Alabastro des Herzogs Alfonso d’Este gemalt wurden: Bacchus und Ariadne, das Fest der Götter, das Bacchanal der Andrii, das Fest der Amoretten. Profane Themen, die Ovid und Philostratus entnommen sind, in denen Rausch, Liebe und Musik zu Metaphern für Schönheit und Vergänglichkeit werden. Arienti überarbeitet, interpretiert, demontiert und komponiert neu.
Der Künstler agiert immer auf mindestens drei Ebenen: Er manipuliert Materialien und Techniken mit experimenteller Neugier; er sammelt, katalogisiert und recycelt Bilder wie ein enzyklopädischer Sammler; und schließlich, und das ist vielleicht die radikalste Geste, erneuert er die Sprache der Malerei ausgehend von ihrer Krise. Nicht um sie zu schließen, sondern um sie poetisch zu bewohnen.
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| In Mailand, Stefano Arienti und die Malerei als Poesie: zwischen Monet, Tizian und der Leichtigkeit des Pongo |
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