Mehr als einmal war auf diesen Seiten die Rede von der zunehmenden Präsenz spektakulärer Installationen in Ausstellungen, Biennalen und Kunstmessen, von Werken, die durch ihre visuelle Kraft sofort ins Auge fallen, aber aus konzeptioneller Sicht oft fragil oder oberflächlich sind. Oder die in den letzten Jahren verbreiteten “Instagrammable”-Ausstellungen, die sich perfekt zum Teilen in den sozialen Netzwerken eignen, denen es aber an Tiefe fehlt.
Die Tatsache, dass ein Werk oder eine Installation besonders fotogen ist, bedeutet jedoch nicht automatisch, dass sie bedeutungslos ist oder dass sich ihr Wert in der ästhetischen Darstellung des Bildes erschöpft. Ein visuell starkes Werk kann gleichzeitig Träger komplexer Themen sein, von Überlegungen, die über seine unmittelbare Wirkung hinausgehen. Die Frage auf eine Art mathematische Gleichung zu reduzieren - schön zu fotografieren ist gleichbedeutend mit einem leeren Werk- wäre also zu einfach und manchmal ungerecht. Dies ist der Fall bei der großen monografischen Ausstellung Chiharu Shiota: The Soul Trembles, die noch bis zum 28. Juni 2026 im MAO Museo d’Arte Orientale in Turin zu sehen ist. Kuratiert wurde sie von Mami Kataoka, der Direktorin des Mori Art Museum, einer in Tokio ansässigen Museumsinstitution, die mit dem Turiner Museum zusammengearbeitet hat, um die Ausstellung zu organisieren, und von MAO-Direktor Davide Quadrio, zusammen mit Anna Musini und Francesca Filisetti. Man muss zugeben, dass es sich bei The Soul Trembles um eine sehr szenische Ausstellung handelt (was nicht weiter schlimm ist, da die japanische Künstlerin auch Bühnenbildnerin ist; auch diesem Aspekt ist eine Abteilung gewidmet) und dass gerade die monumentalen und spektakulären Installationen die meistfotografierten Werke der gesamten Ausstellung sind: Die berühmtesten Installationen von Chiharu Shiota nehmen ganze Räume des Museums für Orientalische Kunst ein, umhüllen die Räume, in denen sie aufgestellt sind, und umhüllen wiederum die Besucher selbst, die buchstäblich durch sie hindurchgehen können; sie sind daher äußerst fotogen, Instagram-tauglich und zum Teilen in den sozialen Netzwerken geeignet, aber sie tragen auch tiefe, intime und zugleich universelle Bedeutungen. Sie sprechen im Wesentlichen von Bindungen: mit anderen, mit dem eigenen Körper, mit der Umwelt, mit Gegenständen, mit dem Kosmos. Verwobene und verhedderte Wollfäden in tiefem Rot oder Rabenschwarz gestalten die Umgebungen völlig neu und schaffen immersive Orte von außergewöhnlicher Kraft. Doch ihre visuelle Kraft ist nie Selbstzweck. Durch diese Verflechtungen wird der Besucher eingeladen, über die Verbindungen nachzudenken , die unsere Existenz durchziehen: über die Beziehungen, die uns vereinen, über die subtilen Fäden, die das Leben mit der Erinnerung verbinden, über die Anwesenheit in der Abwesenheit, über das Sichtbare und das Unsichtbare. Es ist eine Einladung zu erkennen, dass jeder Raum und jeder Körper von einem stillen Beziehungsgeflecht durchzogen ist, einem Gewebe, das uns zusammenhält und das sich, wie die Fäden der Wolle, zusammenziehen, lockern, verheddern oder für neue Formen der Bedeutung öffnen kann. “Fäden weben, verheddern, brechen, verknoten, dehnen sich. Manchmal können die Fäden, die das Herz manipulieren, sogar zum Ausdruck der Beziehungen zwischen den Menschen werden”, erklärt Chiharu Shiota und betont, dass das Werk als vollständig betrachtet werden kann, wenn man nicht mehr in der Lage ist, den einzelnen Fäden zu folgen, aus denen es sich zusammensetzt: “In diesem Moment habe ich das Gefühl, dass ich einen Blick auf das werfen kann, was dahinter liegt, und die Wahrheit berühren kann”, sagt er.
Die große Installation Uncertain Journey, in die man eintaucht, sobald man die temporären Ausstellungsräume des Turiner Museums betritt, ist ein eindrucksvolles Beispiel für diese Umweltinstallationen, bei denen rote Wollfäden den Ausstellungsraum auf außergewöhnliche Weise verwandeln: Nackte Rahmen von Booten sind im Raum verteilt, während tiefrote Fäden durch die für die Passagiere bestimmten Teile der Boote verlaufen und dann zur Decke aufsteigen, wo sie sich in große Farbknäuel verwandeln, die so dicht sind, dass sie für das Auge undurchdringlich sind. Der gesamte Raum, der von diesem dichten Netz roter Fäden durchzogen ist, scheint dann die Idee der vielen realen oder möglichen Begegnungen zu suggerieren, die am Ende dieser ungewissen Reise warten, was das Gefühl des Schwebens und der Ungewissheit noch verstärkt. Unmittelbar danach trifft man auf Out of My Body, Netze aus aufgehängten roten Fäden, die von auf dem Boden verstreuten Körperteilen begleitet werden: ein Werk, das auf eine tiefe Wahrnehmung der Künstlerin zurückgeht, nämlich dass ihre Seele irgendwie zurückgelassen, verlassen wurde, während ihr Körper sich der Behandlung für den Kampf gegen den Krebs unterzog, der sie ein zweites Mal befallen hatte. Für Shiota ist die Verwendung ihres Körpers als Kunstwerk eine Möglichkeit, dieser Abwesenheit eine Form zu geben, sich vorzustellen, was unsichtbar ist und dennoch in der Leere, die sie hinterlässt, weiter existiert. “Ich ordne meinen Körper in verstreuten Teilen an und fange an, in meinem Kopf mit ihm zu sprechen”, sagt die Künstlerin. "Irgendwie wird mir klar, dass dies die Bedeutung des Aktes ist, meinen Körper mit den roten Fäden zu verbinden. Und die Zeichnungen und Skulpturen im selben Raum drücken genau dieses Konzept aus.
Es folgt In Silence, eine weitere bildgewaltige Installation, in der sich diesmal schwarze Wollfäden verflechten und Räume verwandeln. Es handelt sich um eine Installation, die auf eine persönliche Erinnerung des Künstlers zurückgeht: “Als ich neun Jahre alt war”, heißt es auf einer Ausstellungstafel, “brach in dem Haus neben unserem ein Feuer aus. Am nächsten Tag stand ein Klavier vor dem Haus. Verbrannt, bis es schwarz wie Kohle war, schien es mir ein noch schöneres Symbol zu sein als zuvor. Eine unbeschreibliche Stille überkam mich, und in den nächsten Tagen konnte ich jedes Mal, wenn der Wind den Brandgeruch ins Haus trug, hören, wie sich meine Stimme vernebelte. Es gibt Dinge, die in den Tiefen des Geistes versinken, und andere, die, so sehr sie sich auch bemühen, keine Form finden, weder physisch noch verbal. Je mehr man über sie nachdenkt, desto mehr verschwindet ihr Klang aus dem Gedächtnis, und desto konkreter wird ihre Existenz”. Und In Silence ruft genau diese Erinnerung hervor, durch ein verbranntes Klavier und ähnlich verbrannte Stühle, die in dieses Geflecht aus schwarzem Alcantara-Faden eingebettet sind, das zwar Stille symbolisiert, aber so wirkt, als ob das Ganze eine visuelle Musik reproduziert.
In einem Gewirr von schwarzen Fäden sind stattdessen weiße Kleider in dem Werk Reflexion von Raum und Zeit in den Ausstellungsgalerien der ständigen Sammlung zu sehen. Eine Besonderheit dieser Ausstellung ist die Platzierung der Werke im gesamten Museum, sowohl in den temporären Ausstellungsräumen als auch in denen der ständigen Sammlung; es handelt sich also um ein Ausstellungsprojekt, das das gesamte MAO von Turin mit einbezieht und ein großes Eintauchen in die Kunst von Chiharu Shiota ermöglicht. Um auf das eben erwähnte Werk zurückzukommen, symbolisiert die Kleidung, wie die Haut, die den Körper bedeckt, die Grenze zwischen dem Inneren des Menschen und der Außenwelt. Die Idee, die von den leeren, ungetragenen Kleidern hervorgerufen wird, ist die des Gefühls der Präsenz in der Abwesenheit, also der Abwesenheit als Spur des Seins. Und kurz davor, ebenfalls auf dem Boden der ständigen Sammlung, trifft man auf Accumulation: Searching for the Destination, eine monumentale Installation mit Hunderten von Koffern , die an roten Drähten von der Decke hängen . Die Koffer evozieren das Konzept der Erinnerung (das Werk wurde durch die Entdeckung alter Zeitungen in einem Koffer inspiriert, der in Berlin, wo der Künstler lebt, gefunden wurde), aber auch den Zustand der Migration jener Menschen, die ihr Heimatland auf der Suche nach einem anderen Ziel verlassen. “Wenn ich mir einen Stapel Koffer ansehe, sehe ich nur eine entsprechende Anzahl von Menschenleben”, erklärt der Künstler. “Warum haben sich diese Menschen auf diese Reise begeben? Ich denke zurück an die Gefühle, die sie am Morgen ihrer Abreise hatten”. Eine Installation also, die an die Reise eines Flüchtlings erinnert, der auf der Suche nach einem festen Wohnsitz ist und der sein ganzes Gepäck an Erinnerungen mitnimmt, von dem Land, das er verlässt, bis zu dem, von dem er hofft, dass es ihn aufnimmt. Aus diesem Grund werden im selben Raum drei weitere Koffer auf den Boden gestellt und geöffnet: Wohin gehen, was existieren - Zement und Wohin gehen, was existieren - Fotografien und Wohin gehen, was existieren - Rohr und Zeitung. Der erste ist mit Zement gefüllt, der zweite mit Fotografien, der dritte mit Zement, Zeitungsausschnitten und einem Vinylschlauch; alles Objekte, die eine verlorene Vergangenheit suggerieren, die in den Koffern in eine Zukunft transportiert wird , in der nichts sicher ist.
Neben den oben erwähnten großformatigen Installationen zeichnet die Ausstellung Chiharu Shiotas Schaffen anhand von Gemälden, Fotografien und Videos chronologisch von den Anfängen an nach, um die Themen und Konzepte, die der Künstler in den verschiedenen Medien der Malerei, der Performance und der Installation zum Ausdruck gebracht hat, hervorzuheben und den Besuchern näherzubringen. Die Ausstellung beginnt ganz am Anfang, mit einem Gemälde eines Schmetterlings auf einer Sonnenblume, das sie im Alter von fünf Jahren gemalt hat. In ihrem ersten Studienjahr an der Kyoto Seika Universität, wo sie von 1992 bis 1996 Malerei studierte, fühlte sie sich frustriert, weil sie Farbe und Technik in den Vordergrund stellte, ohne einen Inhalt auszudrücken. Während ihres Studienaufenthalts in Australien an der School of Art der Australian National University in Canberra wurde Shiota eines Nachts selbst zum Gemälde: Sie hängte eine Leinwand an die Wand, übergoss sich dann vollständig mit roter Ölfarbe, einschließlich ihres Gesichts, und wickelte schließlich eine weitere Leinwand um ihren Körper. Die Fotos dieses “Befreiungsakts” von 1994, wie sie ihn nannte, erzählen die Geschichte dieser Performance. “Es war die erste Arbeit, die kein kuratiertes und fertiges Kunstwerk war, sondern ein Akt des körperlichen Ausdrucks, in den ich mein ganzes Wesen hineingesteckt hatte”, erklärt sie und wurde so Teil des Kunstwerks.
Es gibt auch Fotografien, die die erste Arbeit dokumentieren, in der die Künstlerin erstmals Wollfäden verwendete, die später zu einem charakteristischen Merkmal ihrer Installationen wurden: die Performance-Installation From DNA to DNA, ebenfalls aus dem Jahr 1994, in der Shiota nackt auf dem Boden lag und sich in rote Fäden hüllte, die sie mit einem großen Geflecht aus denselben Fäden verbanden, das von der Decke eines Innenraums ausging. Inwieweit beeinflusst die DNA-Übertragung das, was im Kopf der Person vorgeht, die das Kunstwerk schafft? Dies war die Überlegung, die das Werk hervorgebracht hat. Es gab jedoch auch eine Zeit, in der er versuchte, andere Materialien als Wollfäden zu verwenden, wie die Installationen Flow of Energy oder Similarity mit Bambusrohren, Accumulation mit Eicheln und One Line mit Bohnenschoten zeigen, wobei er auch begann, über dieVerwandtschaft zwischen der Ordnung in der Natur und der im menschlichen Körper nachzudenken. Ein Thema, das sie in den 2000er Jahren wieder aufgreift: die Verbundenheit mit der Erde und der Natur (Symbole sowohl nach dem Tod als auch für den Ursprung des Lebens), mit verschiedenen anderen Performances, wie der in Island , bei der sie rote Fäden um ihren Körper wickelt und so eine Situation der Verschmelzung zwischen sich und der Landschaft schafft. Einige Jahre zuvor, 1997, hatte die Pionierin der Performance-Kunst Marina Abramović in einem Schloss in Nordfrankreich einen Workshop veranstaltet, bei dem sie sich völlig nackt in eine in einen Abhang gegrabene Mulde legte, aus der sie nur mit Mühe wieder herausklettern konnte: Der Sinn der Performance bestand darin, das Gefühl der Zugehörigkeit zu einem Land, das weit von dem entfernt war, in dem sie lebte, und dieUnfähigkeit, in ihr Herkunftsland zurückzukehren, zu vermitteln. Ein Video aus dem Jahr 2010, Wall, das in der Ausstellung zu sehen ist, zeigt sie erneut nackt, durchzogen von “Blutgefäßen”, die mit ihrem Körper verflochten sind, um über “die Existenz von Menschen zu reflektieren, die nicht in der Lage sind, die Barrieren” der Ethnie, der Nation, der Religion, aber auch der Familie zu überwinden, wobei diese Barrieren/Grenzen mit Mauern vergleichbar sind.
Es gibt also, wie diese Ausstellung weiter verdeutlicht, Verbindungen zu den eigenen Erinnerungen, zwischen Seele und Körper, zur Natur, zum Herkunftsland, aber auch zu den Gegenständen, die wir im Alltag finden, wie die Installation Connecting Small Memories unterstreicht, in der rote Fäden wirklich alles verbinden, vor allem aber mit anderen Individuen (der rote Faden des Schicksals, der im ostasiatischen Glauben die Menschen verbindet) und mit dem gesamten Universum: Anlässlich der Ausstellung schuf die Künstlerin eine Reihe neuer Zeichnungen , in denen Shiota die Verbindung zwischen dem Menschen und dem Kosmos zum Ausdruck bringt sowie eine Reflexion darüber, wie klein der Mensch angesichts der Weite des Universums ist und damit über den Sinn der menschlichen Existenz. Eine tiefgreifende Reflexion, die auch angesichts des erneuten Auftretens von Krebs während der Vorbereitung des Ausstellungsprojekts The Soul Trembles im Jahr 2019 in ihr aufkam.
Die letzte Abteilung schließlich ist den Bühnenbildprojekten gewidmet: Von 2003 bis heute hat Shiota die Bühnenbilder für neun Opern und Theaterproduktionen entworfen; sie gilt daher als ein wichtiges Kapitel im Schaffen des Künstlers. Unter seinen Bühnenbildentwürfen kann man auf den ausgestellten Fotografien auch Texturen von Fensterrahmen erkennen, die auf die Installation Inside - Outside verweisen, eine Spiegelung zwischen der Intimsphäre und der Außenwelt, die in der Ausstellung im Korridor zu sehen ist, der zum Beginn des Ausstellungsweges führt.
Nach dieser langen Reise durch die Produktion des zeitgenössischen japanischen Künstlers, der 2015 Japan auf der 56. Biennale von Venedig vertrat, wird klar, dass The Soul Trembles nicht einfach eine spektakuläre Ausstellung ist, auch nicht ein Triumph von Bildern, die in den sozialen Medien kursieren sollen. Vielmehr handelt es sich um eine Erfahrung, die die Besucher dazu einlädt, sich eingehend mit dem auseinanderzusetzen, was uns zusammenhält: eine Reflexion über den unsichtbaren Faden , der jeden Einzelnen mit seiner eigenen Geschichte, mit anderen und mit der Welt, in der er lebt, verbindet. Das Ausstellungsprojekt im MAO in Turin, das nach einer langen internationalen Tournee von Tokio bis Paris nun in Italien angekommen ist und zum ersten Mal in einem Museum für asiatische Kunst gezeigt wird, zeigt, dass das Faszinierende an diesen Werken und Installationen nicht nur das Material ist, aus dem sie bestehen, sondern auch das, was sie hervorzurufen vermögen und uns daran erinnert, dass auch wir - wie die Fäden, die sich durch die Räume des Museums ziehen und sie verwandeln - von Beziehungen und Bindungen durchzogen sind. Jetzt müssen wir nur noch auf die monografische Ausstellung The Sense of Snow warten, die im MUDEC in Mailand gezeigt wird, um erneut in das künstlerische Schaffen von Chiharu Shiota einzutauchen.
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