Une exposition au Pecci di Prato commémore les cinquante ans de la Schema Gallery

SCHEMA 50 Una Galleria fra le Neo-Avanguardie (1972-1994), au Centro Pecci de Prato du 11 juin au 9 octobre 2022, est le titre de la première exposition muséale entièrement consacrée à l’activité expérimentale de la galerie et au travail conceptuel et anthropologique d’Alberto Moretti (Carmignano, Prato, 1922 - 2012), l’artiste qui l’a fondée. Organisée par Stefano Pezzato en collaboration avec Raul Dominguez, supervisée et recherchée par Desdemona Ventroni et réalisée par le Centro Pecci et le CID/Arti Visive, l’exposition présente une large sélection d’œuvres originales et de documents d’archives pour rappeler ce qui a été l’espace de recherche des néo-avant-gardes nationaux et internationaux à Florence, à l’occasion du centenaire de la naissance de son fondateur.

L’exposition fait suite aux récentes expositions du Centro Pecci consacrées à l’architecture radicale, dont Schema a été la caisse de résonance en Italie au début des années 1970. L’exposition s’articule autour de deux personnalités dont les archives sont aujourd’hui conservées au musée : Lara-Vinca Masini, critique attentive aux expériences artistiques indépendantes comme celle de Schema, et amie et compagne d’Alberto Moretti pendant plus d’un demi-siècle.

Les œuvres exposées et les documents d’archives, à l’occasion du 50e anniversaire de son ouverture, racontent l’histoire de la Galleria Schema de Florence qui, depuis sa naissance en février 1972, inaugurée par le groupe d’architecture radicale Superstudio, s’est distinguée par ses propositions d’exposition audacieuses, contribuant, également à travers sa propre production éditoriale (Schema Informazione e Press), au renouvellement des instruments habituels de l’information et de la communication artistique. Espace de recherche orienté vers la promotion des néo-avant-gardes nationales et internationales et attentif à l’expérimentation contemporaine dans les domaines du théâtre, du cinéma et de la musique, la galerie a organisé, jusqu’à sa fermeture le 31 décembre 1994, célébrée par une performance de Liliana Moro, des expositions et des événements axés principalement sur l’art conceptuel et post-conceptuel, La galerie a organisé des expositions et des événements axés principalement sur l’art conceptuel et post-conceptuel, l’architecture radicale, la performance et les happenings, l’art anthropologique et politique, qu’elle a accompagnés d’initiatives publiques, y compris de nombreuses initiatives de nature théorique telles que des réunions, des séminaires et des présentations de livres, organisées avec la participation active des artistes et l’implication directe de critiques et d’universitaires.

Le parcours de l’exposition est divisé en sections thématiques (indiquées dans l’exposition par des titres spécifiques), qui constituent des sections de l’expérience culturelle de la Schema Gallery, mettant en valeur les œuvres et les documents par le biais d’associations, de juxtapositions, de comparaisons ou de focus sur des individus et des groupes d’artistes, capables de fournir aux visiteurs de nouvelles clés d’interprétation de cette histoire.

ARCHITECTURE RADICALE La galerie Schema a inauguré son activité en février 1972 avec une exposition de Superstudio, un groupe d’architecture radicale, qui s’est présenté en déclarant: “nos projets/actions s’éloignent de plus en plus de la physicalité de l’architecture et du design et donc (par circularité de la logique) tout ce que nous faisons se rapproche de plus en plus de l’architecture et du design”. La structure de l’espace d’exposition de Superstudio, avec des grilles en treillis parallèles entre le sol et le plafond, allait devenir la marque de fabrique de la galerie. En octobre 1972, Ugo La Pietra y expose, promouvant La destruction des disciplines à travers Le système de déséquilibre, conçu comme “l’identification d’opérations esthétiques capables de décoder, de provoquer, de donner la possibilité de briser des schémas préconstitués”. En février 1973, c’est au tour de Gianni Pettena, de retour d’un séjour à Salt Lake City, de présenter les résultats de ses expériences outre-mer sur “le rapport à la ville, le rapport à la vie aujourd’hui, dans un lieu où la présence d’éléments naturels est particulièrement pertinente”.

ÉVÉNEMENTS En mai 1972, la galerie Schema a accueilli Achille Bonito Oliva pour la présentation de son livre Il Territorio Magico. Comportamenti alternativi dell’arte, publié par la maison d’édition florentine Centro Di, et organise autour de la “confession critique” de l’auteur un premier cycle d’événements réalisés au cours de différentes soirées par les artistes Vettor Pisani, Gino De Dominicis et Jannis Kounellis. L’année suivante, un séminaire actif sur l’art d’avant-garde s’est tenu à la galerie Schema, organisé par Achille Bonito Oliva avec Eugenio Battisti (auteur de l’essai fondamental L’antirinascimento et fondateur du Museo sperimentale d’arte contemporanea de Gênes, transféré par la suite à Turin), alors professeur à la Faculté d’architecture de Florence. À cette occasion également, les réflexions sur le “comportement dans l’art contemporain” sont accompagnées d’une séquence d’interventions artistiques éphémères condensées en une seule soirée par Vettor Pisani et Gino De Dominicis, avec la participation de Giuseppe Chiari.

ACTIONS L’exposition documente des actions mémorables réalisées dans les premières années de la Schema Gallery par des artistes corporels tels que Vito Acconci, qui transforme l’espace d’exposition en une salle de bal atmosphérique, et Urs Lüthi, qui exécute en direct des solos musicaux et photographiques (The Lonely Saxophone) ; En outre, les performances oniriques de Terry Fox, qui interprète le thème symbolique du Labyrinthe dans un sens anthropologique, de Joan Jonas qui met en scène une action rituelle au crépuscule à l’extérieur de la galerie, de Chris Burden qui apparaît derrière un rideau comme une figure spectrale d’Oracle détachée du monde réel ; puis un happening littéral et figuratif pour des paires de personnes qui montent et descendent en se reflétant l’une l’autre, conçu et dirigé à Florence par Allan Kaprow. En contrepoint des actions en direct, des photographies de miroirs paradoxaux de John Baldessari sont également présentées, visant à démontrer le potentiel linguistique des images associées à l’arbitraire des tentatives de l’artiste.

ART CONCEPTUEL Dès les premières expositions, la ligne “conceptuelle” de la Schema Gallery est identifiée. L’art est confronté aux domaines de la dialectique philosophique et de la poésie expérimentale, du théâtre d’acteurs, de la musique et de la photographie contemporaine. Les artistes mettent l’accent sur les “processus mentaux” qui sous-tendent la formation de leurs œuvres ; ils réduisent par conséquent les composantes physiques et visuelles, la matérialité des œuvres pour favoriser une implication intellectuelle du spectateur invité à lire, analyser, réfléchir. Vincenzo Agnetti intitule ses recherches sur le langage “Propositions”, un terme tiré de la logique mathématique ; Maurizio Nannucci compose des " Définitions verbales" et des "Nomenclatures chromatiques“ ; dans ces cas, comme l’a déclaré Agnetti: ”le support devient message et l’artiste devient médium". Massimo Nannucci étudie photographiquement la dichotomie “faux/vrai” ; Paolo Masi oriente son analyse vers l’espace, l’exposition et le travail, par le biais de “mesures et modifications” ; Alberto Pirelli et Fulvio Salvadori rédigent un manifeste sur leurs idées artistiques, tandis que le premier proclame L’arte come l’ho trovato (L’art comme je l’ai trouvé). D’autre part, Luigi Ontani interprète l’expression sarcastique Potato Spirit lors d’une performance dans la galerie. Carlo Bertocci interprète conceptuellement le thème de la vision et James Lee Byars adresse une lettre à Moretti sous la forme d’une œuvre d’art.

LANGUES CONCEPTUELLES Parmi les langues adoptées par les artistes, on trouve les centaines de pages de mots et de phrases composées comme une partition unique par le musicien expérimental Giuseppe Chiari, auteur d’empiètements verbaux et photographiques, de performances et de vidéos, et créateur de paradoxes tels que L’arte è facile et de tautologies telles que Tutte le opere sono opere. En exposant à la Galleria Schema, Mario Mariotti s’identifie pour la première fois en tant qu’“artiste”, réfléchissant à l’identité parallèle de sa femme Italia Nativo qui était définie comme “artiste” lorsqu’elle dansait au Teatro Comunale de Florence, le même que le plan utilisé par Mariotti pour créer une “vente de sièges assignés et numérotés” qui transfère la condition du théâtre du contexte ou du contenant de l’art à l’objet et au projet de l’artiste. Les expériences linguistiques et visuelles parallèles de Ketty La Rocca, en plus de constituer des expériences de réduction littérale et corrosive des images, prennent le caractère de “gestes-signes” qui reprennent le thème en identifiant les images les plus connues, habituelles et homologuées afin de les absorber et de les déconstruire.

ART CONCEPTUEL L’importante présence artistique internationale est l’un des traits distinctifs de l’activité de Schema Gallery. Dès les premières années de son ouverture, la galerie a proposé des œuvres originales des principaux protagonistes de la “dématérialisation” en cours dans l’art conceptuel: l’histoire imaginaire réalisée par Les Levine à l’hôtel Porta Rossa où il séjournait à Florence, juxtaposée dans la galerie à une analyse de l’événement médiatique du moment, à savoir la démission du président américain Nixon (Presidential Ritual) ; les images et les “publicités” de Dan Graham, telles que l’analyse informative de la technique éditoriale dans Schema et l’exploration photographique des répétitions systématiques des développements suburbains dans Homes for America, ou les textes examinant le système de distribution de l’art ; puis les réflexions et les installations textuelles d’Art & Language et de Zvi Goldstein, considérées comme l’une des réductions les plus radicales d’œuvres d’art à de purs concepts et discours théoriques. À l’ère de l’omniprésence des médias de masse, l’art se reflète et se diffuse à travers la presse, la publicité, l’édition, devenant analyse linguistique et publicité, se remettant en question.

LANGUES CONCEPTUELLES Joseph Kosuth est considéré comme un théoricien de l’art en tant que “produit de la pensée”, qu’il met en relation avec le texte et le contexte. D’autres protagonistes d’une attitude qui met l’accent sur le processus dialectique de formation des idées sont Dan Graham, Douglas Huebler, Mel Bochner, qui, avant Kosuth, ont organisé des expositions personnelles à la Schema Gallery ; Laurence Weiner, qui considère le langage comme une image, et Mel Ramsden, qui a rejoint plus tard le groupe Art & Language, qui crée des tautologies textuelles et visuelles comme Kosuth. D’autres protagonistes de ces recherches sont l’emphatique Ben Vautier, représentant du mouvement Fluxus, ainsi que le chamanique Joseph Beuys, le minimaliste Sol LeWitt et le sémioticien Julien Blaine, tandis qu’en Italie se distinguent des artistes intellectuels tels que Giulio Paolini ou Michele Zaza. En 1974, pour l’exposition Returned to Sender, la Schema Gallery a rassemblé les matériaux les plus divers (textes, musique, publications, photographies, vidéos et films, projets et idées, dont certains sont inclus dans l’exposition actuelle) proposés par plus de deux cents artistes et fusionnés par la suite dans la publication de “Schema Information 2”, une synthèse éditoriale de la multiplicité des “langages” des néo-avant-gardes nationales et internationales de l’époque.

AUTRES FORMES CONCEPTUELLES Pour mettre en évidence les processus de réalisation ou, à l’inverse, de dématérialisation des œuvres, d’autres artistes proposés par la Schema Gallery ont apporté leur contribution dans les années 1970: Anna Oppermann construit des Ensembles complexes avec des coupures de presse, des notes, des photographies et des objets collectés puis reproduits en fragmentations kaléidoscopiques ou en répliques d’assemblages, compris par l’artiste comme des “natures mortes” ; Dorothee von Windheim a utilisé une technique d’empreinte au moyen de détachements de plâtre pour amener sur la toile des reliques architecturales, considérées comme des “mémoires stratifiées” ; Giuseppe Penone, l’un des principaux représentants de l’Arte Povera, a donné forme à une “géographie corporelle” personnelle pour explorer les limites physiques, tactiles plutôt que visuelles, de sa propre peau. Des néons colorés inspirés de l’architecture florentine brillent également dans l’exposition, et des dessins mythiques du postminimaliste Keith Sonnier émergent du fond noir.

AU-DELÀ DU CONCEPTUEL Entre les années 1970 et 1980, de nouvelles tendances figuratives ou narratives ont émergé. Dennis Oppenheim, dépassant la conception sculpturale traditionnelle au profit de créations multiformes, présente dans la galerie une marionnette mécanisée ainsi qu’une série de projets d’installations environnementales, parfois animées par des projections vidéo, et des projets éphémères dans des espaces extérieurs. La galerie Schema est également ouverte aux comparaisons avec l’art du passé: À côté de l’intersection littérale de la terre et du ciel proposée par Hreinn Fridfinnsson, Marcello Jori reproduit et varie chromatiquement un paysage de coucher de soleil peint par Seurat, compris comme une “œuvre rendue à la nature” ; Verita Monselles renverse la sculpture de Canova représentantPaolina Borghese en Vénus Victrix, transformant l’original néoclassique en un “emblème artistique féministe” ; Roberto Barni retrace le contour classique de la sculpture d’ Hermès de Praxitèle, l’interprétant comme un “vestige du passé et une prémisse de l’avenir” ; James Coleman décrit le conflit intérieur du champion de boxe Gene Tunney, présenté sur vidéo comme une dissension platonicienne entre “identité, continuité et unité du moi” ; Gilberto Zorio, un autre représentant de l’Arte Povera invité à la galerie Schema, dédie une étoile en cuir peinte en rouge à Alberto Moretti, “image énergétique” et cosmique par excellence. L’ouverture de la galerie à différentes explorations plastiques et picturales comprend le retour à la galerie d’artistes comme Dorothea Rockburne qui, au début des années 1970, a conçu des dessins originaux qui s’imposaient par leurs propres caractéristiques, et le groupe Art & Language qui, à la fin des années 1980, a récupéré la peinture sur la base de relations graphiques et spatiales.

Les artistes de l’exposition

Vito Acconci, Vincenzo Agnetti, Art & Language, John Baldessari, Art & Language. Language, John Baldessari, Lanfranco Baldi, Roberto Barni, Angelo Barone, Luciano Bartolini, Carlo Bertocci, Joseph Beuys, Lapo Binazzi (UFO), Julien Blaine, Mel Bochner, Anna Valeria Borsari, Chris Burden, James Lee Byars, Luciano Caruso, Giuseppe Chiari, Claudio Cintoli, James Coleman, Fabrizio Corneli, Claudio Costa, Gino De Dominicis, Antonio Dias, Ronaldo Fiesoli, Terry Fox, Hreinn Fridfinnsson, Zvi Goldstein, Dan Graham, Andrea Granchi, Keith Haring, David Hockney, Douglas Huebler, Il Carrozzone, Alessandro Jasci, Joan Jonas, Marcello Jori, Allan Kaprow, Joseph Kosuth, Jannis Kounellis, Frances Lansing, Ugo La Pietra, Ketty La Rocca, Les Levine, Sol LeWitt, Urs Lüthi, Luciana Majoni, Mario Mariotti, Paolo Masi, Verita Monselles, Alberto Moretti, Liliana Moro, Massimo Nannucci, Maurizio Nannucci, Luigi Ontani, Dennis Oppenheim, Anna Oppermann, Charlemagne Palestine, Giulio Paolini, Claudio Parmiggiani, Giuseppe Penone, Gianni Pettena, Rodolfo Pilari, Alberto Pirelli, Vettor Pisani, Ritva Raitsalo, Mel Ramsden, Dorothea Rockburne, Lucia Romualdi, Fulvio Salvadori, Tony Shafrazi, Terry Smith, Keith Sonnier, John Stezaker, Franco Summa, Superstudio, Jerzy Trelinski, Ben Vautier, Antonio Violetta, Dorothee von Windheim, William Wegman, Laurence Weiner, Michele Zaza, Gilberto Zorio

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