À la Reggia di Venaria, une exposition sur William Turner en collaboration avec la Tate

La Reggia di Venaria accueille jusqu’au 28 janvier 2024, au premier étage de la Sale delle Arti, l’exposition Turner. Landscapes of Mythology, organisée par l’historienne de l’art britannique Anne Lyles, consacrée au peintre romantique britannique Joseph Mallord William Turner (Londres, 1775 - 1851), poursuivant ainsi la prestigieuse collaboration avec la Tate UK après l’exposition de l’année dernière à la Reggia di Venaria consacrée à John Constable. L’exposition présente plus de quarante œuvres, parmi lesquelles des peintures à l’huile, des dessins, des gravures et des aquarelles (les célèbres débuts de la couleur) réalisées dans les années 1920 et provenant de l’institution britannique, dans lesquelles Turner exprime non seulement sa prédilection pour la peinture de paysage, mais aussi sa passion pour les thèmes liés à la mythologie gréco-romaine. Dans les dix salles d’exposition, le visiteur a la possibilité d’admirer, dans un parcours divisé en six sections thématiques, aussi bien les grandes huiles sur toile réalisées par Turner pour être exposées à la Royal Academy de Londres, que les aquarelles et les esquisses dans lesquelles l’artiste manifeste avec une extrême liberté et spontanéité sa vision romantique de la Nature et du Mythe classique.

William Turner, l’un des artistes britanniques les plus connus et les plus appréciés au monde, est devenu célèbre pour ses peintures de paysages, où la nature est conçue dans le contexte d’une esthétique du sublime, avec d’épais brouillards, des tempêtes de mer et des phénomènes naturels qui inspirent la peur à l’homme mais l’attirent en même temps. Turner s’est imposé sur la scène internationale au début du XIXe siècle en peignant de grands tableaux pour des expositions officielles, dans lesquels il représentait des scènes de la Bible, de la littérature classique et de la mythologie, toujours influencé par le style de ses deux prédécesseurs français : Nicolas Poussin et Claude Lorrain. Turner se passionne pour les personnages qui peuplent le monde de la mythologie (batailles entre héros et monstres, histoires d’amour d’Ovide, de Virgile et d’autres auteurs classiques), en étudiant les peintures des maîtres anciens à la National Gallery de Londres. En outre, durant ses premières années d’études à la Royal Academy, l’artiste a appris à reproduire fidèlement, au crayon ou à la craie, les moulages des statues les plus célèbres du monde classique, comme l’Apollon du Belvédère. Richard Wilson, un artiste britannique qui a longtemps vécu dans le sud de l’Italie, entre Rome et Naples, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, a également influencé sa peinture de la mythologie classique. Ses toiles sont peuplées de personnages classiques ou mythologiques, immergés dans des paysages idéalisés, mais fortement influencés par les lieux réels qu’il a visités. Le désir de Turner de voir sur le vif les paysages italiens de Wilson ne s’est concrétisé qu’en 1819, en raison des difficultés liées aux voyages en Europe pendant les guerres napoléoniennes. Turner retourne ensuite en Italie en 1828 pour un séjour plus long.

Après ces deux voyages en Italie, Turner a utilisé les paysages italiens comme toile de fond pour ses sujets mythologiques. Certaines œuvres de l’exposition, commeLa baie de Baiae avec Apollon et la Sibylle(1823), montrent comment le sujet mythologique a été traité par Turner avec de plus en plus de détails et de conscience historique. La toile de fond de ruines romaines et la figure de la sibylle cuméenne représentent les thèmes fondamentaux de l’artiste : la beauté et la décadence, la gloire et le déclin, la fragilité de la vie et la chute des empires.

La première salle de l’exposition présente ses premières influences artistiques. Turner souhaitait visiter l’Italie bien avant d’y parvenir, en 1819. L’Italie était considérée comme le berceau de la civilisation occidentale et, au XVIIIe siècle, de nombreux voyageurs britanniques, en particulier ceux qui avaient reçu une éducation classique, s’étaient rendus en Italie dans le cadre du Grand Tour pour admirer les collections d’art et les antiquités. Cependant, pendant la longue période où la Révolution française puis les guerres napoléoniennes (1792-1815) ont fait rage sur le continent, tous les voyages ont été suspendus. Avant même de pouvoir se rendre personnellement en Italie, Turner a commencé à s’immerger dans la culture italienne et à se familiariser avec les peintures anciennes d’une période de forte influence classique. Il étudie les œuvres des maîtres anciens (Poussin et Lorrain) conservées dans des collections privées, des expositions ou sur le marché, ainsi que les peintures d’autres grands artistes tels que Rembrandt et Titien. Il connaissait également les paysages plus récents peints par des artistes britanniques ayant visité l’Italie au XVIIIe siècle, tels que le peintre gallois Richard Wilson et l’aquarelliste John Robert Cozens. Ce dernier, en choisissant des compositions aux lignes de perspective claires avec des arbres en toile de fond et en utilisant des effets d’éclairage doux et évocateurs pour reproduire la lumière du matin ou du soir, avait assimilé la leçon de Claude Lorrain. Turner a continué à utiliser ces méthodes de composition et ces effets de lumière atmosphérique tout au long de sa production, en particulier dans les débuts de couleur (grandes ébauches de composition) qu’il a peints à l’aquarelle à partir de 1820 environ.

Les deuxième et troisième salles sont consacrées au mythe d’Apollon. En 1802, Turner est élu membre à part entière de la Royal Academy et se consacre dès lors à la peinture de paysages au caractère historique de plus en plus large et ambitieux. De tous les personnages de la mythologie, son préféré était Apollon. Dans l’une de ses premières représentations d’Apollon, Turner le montre sur le point de donner le coup de grâce à l’énorme dragon-serpent Python. Dans la sculpture classique, Apollon était considéré comme l’idéal de la beauté masculine et c’est pourquoi il était souvent représenté nu. Turner connaissait la sculpture en marbre d’Apollon du Belvédère (milieu du IIe siècle après J.-C.), conservée dans les collections du Vatican, car il en avait fait des copies à partir d’un moulage en plâtre à la Royal Academy. Une partie de la formation de Turner comprenait également l’étude du nu masculin d’après nature dans l’école de vie de l’Académie. Alors que cette composition, exposée à la Royal Academy en 1811, était encore largement inspirée par Poussin, les représentations ultérieures d’Apollon, telles que La baie de la baie avec Apollon et la sibylle de Cumes (1823) et L’histoire d’Apollon et de Daphné (1837), reflétaient l’influence de Claude Lorrain. Ces trois grandes toiles, peintes à distance dans le temps, montrent l’évolution de son art : d’un style d’abord sombre, étroitement lié aux œuvres des maîtres anciens, l’artiste est passé à une palette de couleurs plus claires et plus riches.

Nous poursuivons dans les quatrième et cinquième salles avec deux femmes protagonistes : Didon et Vénus. Sa bibliothèque et les références dans ses écrits montrent à quel point Turner était proche de l’étude de la mythologie et de l’histoire classique. Un exemple en est sa connaissance de l’Énéide de Virgile. L’artiste était particulièrement fasciné par le quatrième livre du poème, qui raconte l’histoire d’amour troublée entre Énée et Didon, reine et fondatrice de Carthage, qui s’est terminée en tragédie lorsque, réprimandé par le dieu Mercure, le héros l’a abandonnée pour remplir son engagement et se rendre en Italie. L’intérêt de Turner pour ce thème, représenté ici par trois sujets différents peints sur une période d’environ vingt ans, est peut-être lié à son intérêt pour la montée et la chute des empires. Il a probablement établi des parallèles entre la rivalité entre Carthage et Rome et les guerres menées à son époque par Napoléon contre le reste de l’Europe. Tout comme Apollon représentait l’idéal de la beauté masculine, Vénus symbolisait la beauté féminine et était donc souvent représentée nue. Au début de sa carrière, Turner réalise des répliques à partir d’un moulage en plâtre de la célèbre Vénus de Médicis, copie romaine de l’original grec, pendant les cours à l’Académie. C’est par l’étude de la statuaire classique ou de modèles féminins dessinés lors de ses cours à la Life School que Turner apprend à représenter les formes féminines, comme en témoigne l’œuvre La déesse de la discorde choisit la pomme de discorde dans le jardin des Hespérides (1806).

Les salles six et sept se concentrent plutôt sur les Métamorphoses d’Ovide comme source d’inspiration. C’est probablement au début de sa carrière que Turner a commencé à découvrir les auteurs classiques et a nourri un grand amour pour la poésie élégiaque, notamment les textes d’Homère, de Virgile et de Tite-Live, mais surtout d’Ovide. Les Métamorphoses d’Ovide sont restées l’une des principales sources d’inspiration de Turner tout au long de sa longue carrière. Lorsque, vers 1805, Turner commence à faire des excursions régulières le long des rives de la Tamise à l’ouest de Londres, il imagine ce paysage fluvial comme une sorte d’Arcadie immaculée. C’est alors qu’il commence à remplir ses carnets de croquis de scènes fluviales de style classique, à la manière de Claude Lorrain, ou de compositions historiques, classiques ou mythologiques idéalisées (y compris des scènes des Métamorphoses d’Ovide) qu’il appelle Studies for Pictures (études pour des tableaux). Au cours des années suivantes, Turner a commencé à concrétiser certaines de ces idées en produisant des œuvres plus complètes, comme dans le cas des sujets des Métamorphoses qu’il a créés pour la série d’estampes qu’il a appelée Liber Studiorum. Les Métamorphoses lui ont fourni les thèmes des peintures qu’il a réalisées pendant plus de trente ans, comme Apulia in search of Apulus (1814) et Bacchus and Ariadne (1840). Il s’inspire ensuite d’un plus grand nombre d’œuvres classiques pour certains de ses paysages mythologiques : le tableau Ulysse se moquant de Polyphème (1829), par exemple, est tiré de l’Odyssée d’Homère. Turner s’intéressait autant aux poètes récents ou contemporains qu’aux classiques et connaissait l’Odyssée traduite par le poète anglais Alexander Pope. Lors de la planification de la production de La séparation du héros et de Léandre (1837), l’artiste a peut-être été influencé par la publication en 1813 de La fiancée d’Abydos par le poète romantique britannique Lord Byron, bien qu’il ait déclaré que c’était en fait le poète grec Musée qui avait été sa véritable source d’inspiration pour cette œuvre. Turner continue de voyager à travers l’Europe jusqu’à la soixantaine. Dans les années 1840, il a commencé à utiliser la tête d’Ulysse sur le sceau de cire de ses lettres, comme pour indiquer que le voyage, l’histoire et le mythe étaient profondément liés à sa longue et intense carrière artistique.

La dixième et dernière section de l’exposition est consacrée au Taccuino di Torino. En 1819, avant de partir pour son voyage en Italie, Turner prend conseil auprès de son ami l’architecte James Hakewill sur le meilleur itinéraire à suivre pour rejoindre Rome depuis l’Angleterre. L’itinéraire recommandé ne prévoyait pas de passage par Turin, mais Turner n’en tint pas compte et choisit la ville comme première et indispensable étape. L’exposition présente le carnet que Turner a utilisé lors de son passage à Turin et de son voyage vers les lacs italiens : le carnet Turin, Como, Lugarno, Maggiore. Il s’agit de l’un des plus petits carnets qu’il a emportés avec lui en Italie, conçu pour tenir dans sa poche et être utilisé, si nécessaire, pendant le voyage. Dans ce type de carnet de poche, Turner utilisait presque toujours le crayon (il n’utilisait l’aquarelle dans les plus grands carnets que lorsqu’il restait plus longtemps au même endroit, comme à Venise, Rome ou Naples). L’objectif principal était de documenter et de mémoriser les caractéristiques de base d’un paysage et de ses bâtiments. Dans ce carnet, Turner a également réalisé de nombreuses vues de bâtiments du centre-ville, d’églises et de places élégantes.

Pour plus d’informations : www.lavenaria.it

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