La sculpture, selon Alice Cattaneo, est un organisme vivant, toujours entre équilibre et effondrement, entre construction et désintégration, capable de transformer chaque geste en forme de pensée et chaque tension en possibilité poétique. À travers une pensée sculpturale qui entremêle la matière, l’espace et le temps, Cattaneo, dans cette conversation avec Gabriele Landi, nous parle d’une approche qui prend sa source dans le corps, dialogue avec la gravité et se construit par frottement.
Née à Milan en 1976, Alice Cattaneo a obtenu une licence (avec mention) en art environnemental à la Glasgow School of Art en 2001 et une maîtrise en sculpture au San Francisco Art Institute en 2004. Elle a collaboré à des expositions individuelles dans des espaces institutionnels tels que la Ikon Gallery à Birmingham en 2007, le musée MADRE à Naples en 2008, la Galerie Stadtpark à Krems dans le cadre d’une exposition avec Fred Sandback en 2012, le Museo del Novecento à Milan en 2018, Una Boccata d’’ Arte en 2021, la Galleria del Cattaneo à Paris en 2009, et le Musée de l’art contemporain à Paris en 2010, ainsi que le Musée de l’art et de la culture à Paris.Arte en 2021, avec la Galleria Casamadre Arte Contemporanea à Naples en 2023, avec la Galleria d’Arte Moderna à Turin à l’occasion de l’exposition Dove lo spazio chiama il segno, sous la direction de Giovanni Giacomo Paolin, 2025, actuellement en cours. Il a participé à des expositions collectives dans diverses institutions, notamment le MAXXI à Rome en 2007, Palazzo Grassi à Venise à l’occasion de Italics, Italian Art between Tradition and Revolution en 2008 ; le Musée d’Art Moderne de Saint-Etienne en 2009 ; le Today Art Museum à Pékin, le Hangar Bicocca à Milan en 2010; le Collezione Maramotti à Reggio Emilia et le Frankfurter Kunstverein en 2011 ; le ZKM Center for Art and Media à Karlsruhe en 2019 ; la Villa Olmo à Côme dans le cadre de l’exposition Astratte, Women and Abstraction in Italy 1930 - 2000 en 2022 ; l’Institut culturel italien à New Delhi en 2024.
GL. Pour de nombreux artistes, l’enfance correspond à l’âge d’or, celui où commencent à se sédimenter des images et des processus qui deviennent en quelque sorte précieux pour les développements ultérieurs. Est-ce également le cas pour vous ?
AC. J’ai grandi en partageant mon temps entre la ville et la campagne. Il s’agissait de deux mondes et environnements très stimulants, mais en même temps contradictoires. Le paysage urbain de Milan dans les années 1980 et 1990, encore chargé d’histoire et tendant en même temps vers un développement rapide, et le temps passé à la campagne, dans un paysage avec des traces de ruralité, composé des derniers vestiges de champs cultivés et de brouillard, sont des images que je chéris et que je cultive à travers mon travail.
Quelles études avez-vous faites ? Y a-t-il eu des rencontres importantes au cours de vos années de formation ?
J’ai étudié l’art environnemental à la Glasgow School of Art à la fin des années 1990 et au début des années 2000. C’est là que j’ai été confrontée, grâce au dialogue avec les artistes enseignants, à l’idée stricte de l’œuvre in situ en tant que projet relationnel dédié à l’espace public. À l’école d’art, j’ai eu l’occasion de rencontrer des artistes tels que Claire Barclay et Martin Boyce. En ville, j’ai eu l’occasion de voir des expositions d’artistes comme Karla Black et Lucy Skaer dans les premiers espaces indépendants et d’assister à des performances de Rirkrit Tiravanija. J’ai ensuite déménagé en Californie, où j’ai obtenu une maîtrise en sculpture au San Francisco Art Institute en 2004. J’ai étudié avec des artistes américains proches de l’art minimal, de la performance et de l’art conceptuel qui m’ont encouragé à développer une poétique personnelle combinée à une pratique qui évolue à travers des modes processuels très libres. À l’Art Institute, j’ai rencontré des artistes et des professeurs tels que George Kuchar, Doug Hall, Paul Kos, les Matmos et j’ai assisté à des conférences données par des artistes tels que Pipilotti Rist, James Turrell et Jerry Saltz. Pendant cette période d’études entre Glasgow et San Francisco, j’ai intériorisé deux façons très différentes de concevoir la pratique artistique, ce qui m’a conduit, notamment grâce à mes premières expositions personnelles à Milan, à une sorte de médiation entre ces deux cultures de l’art.
Comment abordez-vous votre travail et qu’est-ce qui vous guide dans le choix des matériaux ?
Dans les toutes premières œuvres, des architectures éphémères complexes réalisées dans l’espace, j’ai choisi des matériaux très simples, comme le bois de balsa et le scotch. J’essayais d’affiner la relation entre la sculpture et la machine scénique de l’espace d’exposition. Le matériau ne doit pas dominer le contexte, mais le révéler. Dans les sculptures récentes, en revanche, je m’attarde sur les caractéristiques inhérentes aux matériaux, en cherchant à adhérer à l’image qui est à l’origine de l’œuvre. C’est ainsi que j’ai commencé à collaborer avec les artisans et les travailleurs liés aux contextes dans lesquels je travaille parfois. Les lieux de transformation des matériaux, tels que les ateliers, les fours, les fonderies, me suggèrent souvent les signes de l’espace sur lesquels je veux m’orienter. Les nouvelles œuvres produites pour l’exposition Dove lo spazio chiama il segno (Où l’espace appelle le signe ) actuellement présentée au GAM de Turin, par exemple, suivent cette vision.
Quelle est l’importance de la force de gravité dans votre travail ?
La force de gravité est l’âme de la sculpture. Elle représente le souffle vital de la matière. Pour moi, c’est un élément à défier, parfois à accompagner et à suivre dans la réalisation. Ce qui m’intéresse, c’est d’observer ce qui se passe lorsque les matériaux ne résistent pas à la force de gravité. Lorsque la matière est sur le point de céder, soit par son poids, soit par la façon dont elle est assemblée ou repose sur le sol, c’est qu’il se passe quelque chose, que l’œuvre devient vitale. Je la regarde se défaire en trouvant son propre principe d’existence : se tenir ou se laisser aller, s’accommoder de la pesanteur. Le moment du déséquilibre avant l’équilibre, cet espace juste avant la stabilité m’intéresse beaucoup.
Quel rôle joue le corps dans votre travail ?
Le corps est le premier point fixe. Il marque une ponctualité dans l’espace : être là. La sculpture est un précipité, quelque chose qui part d’un corps pour devenir un autre corps. Ce qui m’intéresse, c’est de transmettre un sentiment d’événement, comme si l’œuvre venait de venir au monde au moment où le regard la rencontre. C’est une danse invisible et muette. Gertrude Stein a écrit dans ses Tendres boutons: “le centre est debout”.
L’idée de construction vous intéresse-t-elle ?
L’idée de construction m’intéresse parce qu’elle est l’accès à l’idée de dé-construction. Comme l’espace qui existe entre la force de gravité et la chute : à cette jonction, il y a un espace où la construction est placée.
Comment les différents matériaux entrent-ils en résonance les uns avec les autres ?
Les matériaux représentent une dualité, ils ne sont en principe jamais en harmonie. Je les choisis parce qu’ils manifestent un contraste. C’est la friction qui m’intéresse. Le surmonter est l’étape la plus difficile, c’est le moment où le travail dans l’espace commence, où le premier petit morceau de sculpture devient une présence. Les articulations, les connexions entre les matériaux sont toujours des moments complexes mais générateurs de sens. C’est le cas de la grande structure en bois brut Verso l’intorno, réalisée pour les salles d’art contemporain du GAM de Turin. L’intervention occupe le périmètre de l’espace lui-même, en l’orientant vers des points de fuite à l’extérieur du musée et au-delà de la grille de la ville. Comme si le contexte original était, conceptuellement, légèrement tordu sur lui-même, orientant le regard vers une autre dimension. Cette architecture temporaire est devenue l’élément de liaison entre toutes les œuvres exposées et les salles du musée.
Le dessin a-t-il une importance dans votre travail ?
Je dessine pour raisonner, pour assembler des idées, des fragments de pensée et des images qui passent rapidement dans mon esprit. Ensuite, je sors du dessin de ces signes et je me rends compte qu’il s’agit de dessins complexes. Paolo Icaro, un ami très cher, devant une de mes sculptures, m’a dit : “dans l’objet, il y a le dessin”. Je me suis donc rendu compte que dans la structure, il y a déjà le dessin. Dans une œuvre récente exposée au GAM de Turin, Cosmografia blu, composée de lignes de verre qui traversent horizontalement l’espace, le dessin au graphite et à l’aquarelle interrompt le cours de l’horizon, devenant une trace très subtile et une continuation du verre lui-même, comme une matrice de sens.
J’ai vu que vous aviez réalisé une série de courtes vidéos : pouvez-vous nous en parler ?
La vidéo est un matériau pour moi. En effet, elle est souvent projetée ou affichée sur de vieux téléviseurs où les imperfections de la reproduction vidéo sur l’écran sont visibles et audibles. Les films sont très courts, je les imagine comme des signes dans l’espace du moniteur ou de la projection, tout comme les matériaux sont des signes dans le contexte de l’exposition. Les observer dans le temps de l’image vidéo est une manière de parler de rythme et de son, éléments qui me semblent très proches de ma manière de concevoir la sculpture. Ensuite, elles représentent souvent de petites actions qui renvoient à de grandes questions sur le mouvement du temps.
L’idée de travailler dans des espaces spécifiques vous intéresse-t-elle ?
J’aime beaucoup travailler dans des espaces spécifiques parce qu’ils “ désorientent ” l’œuvre, c’est une manière de mettre en tension l’idée de l’œuvre, de la faire émerger de son environnement d’origine, qui est un lieu profond d’élaboration. Les matériaux transportent alors dans les espaces spécifiques les traces des contextes où ils ont été générés, par exemple la mémoire intrinsèque du four dans le cas du verre, ou l’atelier comme lieu de conception dans le cas des interventions architecturales. Il est donc surprenant de voir comment tout se croise dans l’atmosphère du contexte et comment des mondes éloignés trouvent un espace commun : ce point fixe, c’est l’œuvre.
L’idée de tension vous intéresse-t-elle ?
La tension génère l’œuvre, je m’intéresse à trouver ce degré de tension qui devient harmonie à la limite. Une harmonie latente. La sculpture est faite de cette question de tension, même lorsqu’elle se rapporte à l’espace d’exposition.
Qu’est-ce que la beauté selon vous ?
Quand quelque chose de lourd et de compliqué trouve sa voix dans un souffle. Arturo Martini disait : “l’œuvre d’art est insaisissable”.
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