Für Alice Cattaneo ist die Bildhauerei ein lebendiger Organismus, der stets zwischen Gleichgewicht und Zusammenbruch, zwischen Aufbau und Auflösung schwankt und in der Lage ist, jede Geste in eine Gedankenform und jede Spannung in eine poetische Möglichkeit zu verwandeln. Durch ein skulpturales Denken, das Materie, Raum und Zeit miteinander verwebt, erzählt Cattaneo in diesem Gespräch mit Gabriele Landi von einem Ansatz, der vom Körper ausgeht, mit der Schwerkraft dialogisiert und durch Reibung entsteht.
Alice Cattaneo wurde 1976 in Mailand geboren und erhielt 2001 einen BA (Honours) in Umweltkunst von der Glasgow School of Art und 2004 einen MFA in Bildhauerei vom San Francisco Art Institute. Sie hat an Einzelausstellungen in institutionellen Räumen wie der Ikon Gallery in Birmingham im Jahr 2007, mit dem MADRE Museum in Neapel im Jahr 2008, mit der Galerie Stadtpark in Krems in einer Ausstellung mit Fred Sandback im Jahr 2012, mit dem Museo del Novecento in Mailand im Jahr 2018, mit Una Boccata d’Arte im Jahr 2021, mit der Galleria Casamadre Arte Contemporanea in Neapel im Jahr 2023, mit der Galleria d’Arte Moderna in Turin anlässlich der Ausstellung Dove lo spazio chiama il segno, kuratiert von Giovanni Giacomo Paolin, 2025, die derzeit läuft. Er hat an Gruppenausstellungen in verschiedenen Institutionen teilgenommen, darunter: MAXXI in Rom 2007, Palazzo Grassi in Venedig anlässlich von Italics, Italian Art between Tradition and Revolution 2008; Musée d’Art Moderne in Saint-Etienne 2009; Today Art Museum in Peking, Hangar Bicocca in Mailand 2010; die Collezione Maramotti in Reggio Emilia und der Frankfurter Kunstverein im Jahr 2011; das ZKM Zentrum für Kunst und Medientechnologie in Karlsruhe im Jahr 2019; die Villa Olmo in Como in der Ausstellung Astratte, Women and Abstraction in Italy 1930 - 2000 im Jahr 2022; das Italian Cultural Institute in New Delhi im Jahr 2024.
GL. Für viele Künstler ist die Kindheit das goldene Zeitalter, in dem sich Bilder und Prozesse ablagern, die für spätere Entwicklungen wertvoll werden. War dies auch bei Ihnen der Fall?
AC. Ich bin in der Stadt und auf dem Land aufgewachsen. Das waren zwei sehr anregende, aber gleichzeitig auch widersprüchliche Welten und Umgebungen. Die urbane Landschaft Mailands in den 1980er und 1990er Jahren, die noch voller Geschichte ist und gleichzeitig zu einer rasanten Entwicklung tendiert, und die Zeit, die ich auf dem Land verbracht habe, in einer Landschaft mit Spuren von Ländlichkeit, die aus den letzten Überresten von bewirtschafteten Feldern und Nebel besteht, sind Bilder, die ich in meiner Arbeit schätze und pflege.
Welche Studien haben Sie gemacht? Gab es wichtige Begegnungen in Ihren prägenden Jahren?
Ich habe in den späten 1990er und frühen 2000er Jahren Umweltkunst an der Glasgow School of Art studiert. Hier wurde ich dank des Dialogs mit den unterrichtenden Künstlern mit der engen Idee der ortsspezifischen Arbeit als ein dem öffentlichen Raum gewidmetes Beziehungsprojekt konfrontiert. An der Kunsthochschule hatte ich die Gelegenheit, Künstler wie Claire Barclay und Martin Boyce kennenzulernen. In der Stadt hatte ich die Gelegenheit, Ausstellungen von Künstlern wie Karla Black und Lucy Skaer in den ersten unabhängigen Räumen zu sehen und Performances von Rirkrit Tiravanija zu besuchen. Dann zog ich nach Kalifornien, wo ich 2004 am San Francisco Art Institute einen MFA in Bildhauerei erhielt. Ich studierte bei amerikanischen Künstlern, die der Minimal Art, der Performance und der Konzeptkunst nahestehen. Sie ermutigten mich, eine persönliche Poetik zu entwickeln, die sich mit einer Praxis verbindet, die sich durch sehr freie prozessuale Formen entwickelt. Am Art Institute traf ich Künstler und Lehrer wie George Kuchar, Doug Hall, Paul Kos und Matmos und besuchte Vorlesungen von Künstlern wie Pipilotti Rist, James Turrell und Jerry Saltz. Während dieser Studienzeit zwischen Glasgow und San Francisco verinnerlichte ich zwei sehr unterschiedliche Auffassungen von Kunstpraxis, die mich, auch dank meiner ersten Einzelausstellungen in Mailand, zu einer Art Vermittlung zwischen diesen beiden Kulturen des Kunstschaffens führten.
Wie gehen Sie bei Ihrer Arbeit vor und was leitet Sie bei der Wahl der Materialien?
Bei den allerersten Arbeiten, komplexen ephemeren Architekturen, die im Raum realisiert wurden, habe ich sehr einfache Materialien wie Balsaholz und Klebeband gewählt. Ich habe versucht, die Beziehung zwischen der Skulptur und der szenischen Maschine des Ausstellungsraums zu verfeinern. Das Material sollte den Kontext nicht überwältigen, sondern ihn offenbaren. In den neueren Skulpturen hingegen beschäftige ich mich mit den inhärenten Eigenschaften der Materialien und versuche, dem Bild, das dem Werk zugrunde liegt, treu zu bleiben. Auf diese Weise habe ich begonnen, mit den Handwerkern und Arbeitern zusammenzuarbeiten, die mit den Kontexten, in denen ich manchmal arbeite, verbunden sind. Die Orte, an denen Materialien umgewandelt werden, wie Werkstätten, Brennöfen, Gießereien, sind für mich oft die Zeichen im Raum, an denen ich mich orientieren möchte. Die neuen Werke, die für die Ausstellung Dove lo spazio chiama il segno (Wo der Raum das Zeichen ruft ) entstanden sind, die derzeit im GAM in Turin zu sehen ist, folgen beispielsweise dieser Vision.
Wie wichtig ist die Schwerkraft in Ihrem Werk?
Die Schwerkraft ist die Seele der Bildhauerei. Sie repräsentiert den vitalen Atem der Materie. Für mich ist sie ein Element, das es herauszufordern gilt, das aber auch begleitet werden muss, um es zu verwirklichen. Es interessiert mich zu beobachten, was passiert, wenn Materialien der Schwerkraft nicht standhalten. Wenn die Materie kurz davor ist, nachzugeben, sei es durch ihr Gewicht oder durch die Art und Weise, wie sie zusammengesetzt ist oder auf dem Boden ruht, bedeutet das, dass etwas passiert, dass das Werk lebendig wird. Ich beobachte, wie es sich auflöst, wie es sein eigenes Existenzprinzip findet: stehen oder loslassen, sich mit der Schwerkraft arrangieren. Der Moment des Ungleichgewichts vor dem Gleichgewicht, dieser Raum kurz vor der Stabilität, interessiert mich sehr.
Welche Rolle spielt der Körper bei Ihrer Arbeit?
Der Körper ist der erste feste Punkt. Er markiert eine Pünktlichkeit im Raum: Er ist da. Die Skulptur ist ein Niederschlag, etwas, das von einem Körper ausgeht und zu einem anderen Körper wird. Mir geht es darum, ein Gefühl des Geschehens zu vermitteln, so als ob das Werk in dem Moment, in dem man ihm mit dem Blick begegnet, gerade in die Welt gekommen wäre. Es ist ein unsichtbarer, stummer Tanz. Gertrude Stein schrieb in ihren Zärtlichen Knöpfen: “Das Zentrum steht”.
Interessieren Sie sich für die Idee der Konstruktion?
Ich interessiere mich für die Idee der Konstruktion, weil sie der Zugang zur Idee der De-Konstruktion ist. Wie der Raum, der zwischen der Schwerkraft und dem Fall existiert: An diesem Punkt gibt es die Lücke, in der die Konstruktion platziert wird.
Wie stehen die verschiedenen Materialien in Resonanz zueinander?
Die Materialien stellen eine Dualität dar, sie harmonieren im Prinzip kaum miteinander. Ich wähle sie, weil sie einen Kontrast darstellen. Es ist die Reibung, die mich interessiert. Sie zu überwinden ist der schwierigste Schritt, es ist der Moment, in dem die Arbeit im Raum beginnt, in dem das erste kleine Stück Skulptur zu einer Präsenz wird. Die Fugen, die Verbindungen zwischen den Materialien sind immer komplexe, aber sinnstiftende Momente. Wie im Fall der großen rauen Holzstruktur Verso l’intorno, die für die Räume der zeitgenössischen Kunst im GAM in Turin geschaffen wurde. Die Intervention nimmt den Umfang des Raums selbst ein und richtet ihn auf Fluchtpunkte außerhalb des Museums und jenseits des städtischen Rasters aus. Es ist, als ob der ursprüngliche Kontext konzeptionell leicht auf sich selbst zurückgedreht wäre und den Blick auf eine andere Dimension lenkt. Diese temporäre Architektur ist zum verbindenden Element zwischen allen ausgestellten Werken und den Räumen des Museums geworden.
Spielt die Zeichnung in Ihrer Arbeit eine Rolle?
Ich zeichne, um nachzudenken, um Ideen, Gedankenfragmente und Bilder, die mir schnell durch den Kopf gehen, zusammenzufügen. Wenn ich dann diese Zeichen zeichne, stelle ich fest, dass es sich um komplexe Zeichnungen handelt. Paolo Icaro, ein guter Freund, sagte mir vor einer meiner Skulpturen: “Im Objekt steckt das Design”. Da wurde mir klar, dass der Entwurf bereits in der Struktur enthalten ist. In einem neueren Werk, das jetzt im GAM in Turin ausgestellt ist, Cosmografia blu, das aus Glaslinien besteht, die horizontal durch den Raum verlaufen, unterbricht die Graphit- und Aquarellzeichnung den Verlauf des Horizonts und wird zu einer sehr subtilen Spur und einer Fortsetzung des Glases selbst, wie eine Matrix der Bedeutung.
Ich habe gesehen, dass Sie eine Reihe von Kurzvideos gemacht haben: Können Sie darüber sprechen?
Video ist ein Material für mich. In der Tat wird es oft auf alte Fernsehgeräte projiziert oder gezeigt, wo die Unvollkommenheiten der Videowiedergabe auf dem Bildschirm sichtbar und hörbar sind. Die Filme sind sehr kurz, ich stelle sie mir als Zeichen im Raum des Monitors oder der Projektion vor, so wie die Materialien Zeichen im Ausstellungskontext sind. Sie in der Zeit des Videobildes zu betrachten, ist eine Möglichkeit, über Rhythmus und Klang zu sprechen, Elemente, die meiner Vorstellung von Skulptur sehr nahe kommen. Dann stellen sie oft kleine Aktionen dar, die auf große Fragen der Zeitbewegung verweisen.
Interessieren Sie sich für die Idee, für bestimmte Räume zu arbeiten?
Ich mag es sehr, in bestimmten Räumen zu arbeiten, weil sie das Werk “desorientieren”, es ist ein Weg, die Idee des Werks zu spannen, es aus seiner ursprünglichen Umgebung herauszuholen, die ein tiefer Ort der Ausarbeitung ist. Die Materialien tragen dann in die spezifischen Räume Spuren der Kontexte, in denen sie entstanden sind, mit sich, zum Beispiel die intrinsische Erinnerung an den Ofen im Falle von Glas oder das Atelier als Ort der Gestaltung im Falle von architektonischen Interventionen. Es ist daher überraschend zu sehen, wie sich alles in der Atmosphäre des Kontextes überschneidet und entfernte Welten einen gemeinsamen Raum finden: dieser Ruhepunkt ist das Werk.
Interessieren Sie sich für die Idee der Spannung?
Die Spannung erzeugt das Werk, ich bin daran interessiert, den Grad der Spannung zu finden, der an der Grenze zur Harmonie liegt. Latente Harmonie. Die Skulptur besteht aus dieser Frage der Spannung, auch wenn sie sich auf den Ausstellungsraum bezieht.
Was ist Ihrer Meinung nach Schönheit?
Wenn etwas Schweres und Kompliziertes in einem Atemzug seine Stimme findet. Arturo Martini pflegte zu sagen: “Das Kunstwerk ist schwer fassbar”.
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