Le Samson victorieux de Guido Reni, symbole de la beauté idéale

Il est curieux de penser que le Samson victorieux de Guido Reni (Bologne, 1575 - 1642), l’une des œuvres les plus célèbres du XVIIe siècle, aujourd’hui conservée à la Pinacoteca Nazionale de Bologne, était à l’origine destiné à décorer une cheminée: En effet, la toile a été commandée au grand artiste par un noble bolonais, le comte Francesco Maria Zambeccari, qui souhaitait en faire une cheminée pour sa résidence. Cela explique également la forme originale et inhabituelle du tableau, qui est mixte, avec deux volutes flanquant une centine lobée, une structure qui renforce la force du héros biblique (“Samson”).(“Samson”, écrit l’historien de l’art Gian Carlo Cavalli, “apparaît comme une statue vivante à l’intérieur de la niche préméditée”). L’œuvre a été réalisée entre 1614 et 1616 et est restée dans la maison du comte jusqu’en 1664, date à laquelle elle a été achetée, grâce à l’intérêt d’un important artiste bolonais de l’époque, Lorenzo Pasinelli, par l’archevêque de Bologne, Girolamo Boncompagni, qui, à son tour, l’année de sa mort, c’est-à-dire en 1684, a légué le Samson victorieux au Sénat de la ville de Bologne. Les œuvres des collections publiques de Bologne ont ensuite été largement intégrées aux collections de la Pinacothèque nationale de Bologne à l’époque napoléonienne, et nous pouvons encore admirer l’œuvre à l’institut de la Via Belle Arti, dans la salle consacrée à Guido Reni.

Carlo Cesare Malvasia mentionne déjà le tableau dans Felsina pittrice, le recueil des vies des peintres bolonais publié en 1678: Malvasia le décrit comme “Il superbo Sansone fatto per il camino della Sala del Sig. Francesco Maria Zambeccari, aujourd’hui propriété, parmi d’autres pièces distinguées de Guido lui-même, de l’Eminentiss. Sig. Card. Boncompagno, notre très vigilant archevêque”. L’œuvre, en vertu de l’intérêt marqué pour les artistes dans le sillage du classicisme du XVIIe siècle à la fin du XVIIIe siècle et au début du XIXe siècle, aurait connu un certain succès à cette époque: Parmi ceux qui ont écrit à son sujet, il convient de mentionner un passage de Percy Bysshe Shelley qui a séjourné à Bologne lors de son voyage en Italie, commencé en 1818 et achevé tragiquement en 1822, et qui a eu l’occasion de visiter la Pinacothèque nationale récemment ouverte. J’ai vu beaucoup plus de Guido", peut-on lire dans l’un de ses souvenirs de son séjour à Bologne, publié à titre posthume dans les Essais: “un Samson buvant de l’eau dans la mâchoire d’un âne au milieu des Philistins massacrés. Seul Dieu, qui lui a donné cette mâchoire, sait pourquoi il a fait cela, mais ce qui est sûr, c’est que la peinture est très belle. La figure de Samson est en net relief au premier plan, colorée, pour ainsi dire, dans les tons de la vie humaine, pleine de force et d’élégance. Autour de lui, les Philistins sont étendus dans toutes les attitudes de la mort. L’un est couché, les légères convulsions de la douleur traversant à peine son front, tandis que sur ses lèvres et son menton repose la mort aussi lourde que le sommeil. Un autre s’appuie sur son bras, sa main blanche immobile pend devant lui. Au loin, d’autres cadavres. Et plus loin, la mer bleue et les montagnes bleues et une voile blanche tranquille”.

Le sujet représenté, le héros biblique Samson, avait déjà été abordé à d’autres occasions au cours des dernières années: quelques années auparavant, Pieter Paul Rubens avait peint Samson et Dalila (1609, aujourd’hui à la National Gallery de Londres), un sujet également choisi par le Néerlandais Gerrit van Honthorst pour l’une de ses célèbres peintures vers 1615, sans oublier le tableau d’Annibale Carracci représentant Samson en prison , aujourd’hui à la Galleria Borghese de Rome. Peu de temps auparavant, en 1607, le Caravage avait également représenté le héros dans l’un de ses tableaux, les Sept actes de miséricorde, conservé à l’église Pio Monte della Misericordia de Naples: Le Samson du Caravage accomplit le même geste que celui de Guido Reni, à savoir boire de l’eau à la mâchoire d’un âne, et il faut souligner comment, dans le tableau du Caravage, le héros symbolise l’une des œuvres de miséricorde exigées par Jésus dans l’Évangile de Matthieu pour gagner le royaume des cieux, à savoir donner à boire à ceux qui ont soif. La légende de Samson est racontée dans l’Ancien Testament, plus précisément dans le livre des Juges. La force du héros biblique est devenue proverbiale, une force qui lui a été accordée par Dieu et qui lui a permis d’accomplir de grands exploits: l’un d’entre eux est celui dont il est question dans le tableau. Samson avait en effet affronté les Philistins, qui l’avaient capturé, ligoté avec des cordes et emmené dans la ville de Lechi. Mais le héros, grâce à sa force prodigieuse transmise par Dieu, réussit à rompre les cordes, puis trouva une mâchoire d’âne et avec celle-ci, utilisée comme arme, tua un millier de ses adversaires. Après la victoire, comme Samson avait soif, Dieu fit jaillir du sol une source dont l’eau permit au héros d’étancher sa soif. Une erreur dans une ancienne traduction du livre des Juges a conduit à confondre le nom du lieu où s’est déroulée la bataille, le “mont de la Mâchoire”, avec la mâchoire elle-même, d’où le malentendu de l’eau jaillissant directement de la mâchoire: c’est pourquoi nous voyons le héros boire à l’os de l’âne.

Le Samson victorieux de Guido Reni représente le héros au moment où il a fini de combattre ses ennemis et où il boit l’eau recueillie à la source avec la mâchoire de l’âne. Le thème choisi se prête à la représentation de la figure d’un condottiere au physique sculptural, dans une pose qui met en valeur ses muscles dessinés avec une évidente habileté anatomique, puisque Guido Reni décide de représenter son héros nu, à l’exception d’un voile orange qui entoure sa taille et couvre ses parties génitales, et qui bouge d’une manière peu naturelle, rappelant le flottement de la Galatée de Raphaël dans la Villa Farnesina. La pose est théâtrale: Samson est représenté le corps tourné de face vers l’observateur, la tête en torsion tournée vers la mâchoire de l’âne d’où descend l’eau, un bras levé vers le haut et l’autre reposant sur sa hanche, tandis que son pied gauche est posé sur l’un des Philistins vaincus, que l’on voit allongés sur le sol autour de Samson. Elle fait ressortir la beauté apollinienne du héros, une beauté qui devient également le symbole de sa force morale, de sa vaillance en tant que chef et de sa foi en Dieu, tout comme la nudité devient le symbole de la force de la Vérité qui vainc les ennemis de Dieu. C’est précisément cette beauté extraordinaire qui contribue à diluer l’héroïsme de la figure de Samson dans le signe d’une grâce recherchée: le Samson victorieux, écrit Andrea Emiliani, l’un des plus grands érudits de la Bologne du XVIIe siècle, “est un symbole opératoire d’une vénusté hybride et anti-héroïque, élevée au ciel comme une idée de culture et de grâce”: La grâce et la culture sont enveloppées, dans la chute d’un soir plongé dans le silence, les corps tombés, ou endormis dans le giron d’une douce mort".

Si Guido Reni est le principal défenseur du classicisme bolonais, et donc enclin à l’idéalisation des figures, il est aussi un peintre doué d’une remarquable maîtrise de l’étude de l’anatomie et du corps humain, un aspect que l’on retrouve non seulement dans Samson victorieux , mais aussi dans d’autres œuvres fondamentales. En effet, de nombreux tableaux témoignent de cette qualité de la peinture de Reno, comme Nessus enlevant Deianira, une œuvre du Louvre, ou Saint Sébastien de la Pinacoteca Nazionale de Bologne. Un autre exemple significatif est la Madeleine avec deux anges, qui se trouve aujourd’hui dans une collection privée après avoir été vendue par la maison de vente aux enchères Dorotheum à Vienne en avril 2008: notez le soin exceptionnel et le réalisme saisissant avec lesquels Guido Reni peint le crâne, symbole de pénitence. En observant ces œuvres, on perçoit clairement l’attention que Guido Reni a portée à l’étude des parties du corps humain. On peut donc supposer que l’artiste a nourri un certain intérêt pour la science, probablement alimenté par le fait que le grand naturaliste Ulisse Aldrovandi était actif à Bologne à la fin du XVIe siècle et qu’il avait constitué une importante collection d’animaux, de plantes et d’objets de la vie quotidienne. une importante collection d’animaux, de plantes et de minéraux, et qui a certainement contribué à donner un élan considérable à l’activité scientifique à Bologne, dont les reflets se retrouvent peut-être aussi dans le tableau de Guido Reni.

En ce qui concerne les modèles possibles qui ont pu inspirer le Samson victorieux, nous pouvons partir, tout d’abord, de la statuaire classique. En effet, la pose du Samson de Guido Reni s’inspire de celle du célèbre Apollon du Belvédère, copie romaine d’un bronze de l’artiste grec Leocare découvert à la fin du XVe siècle et placé par la suite dans la cour du Belvédère au Vatican, tandis que le bras gauche reposant sur le côté rappelle celui du groupe de Laocoon. On peut également citer une œuvre de Michel-Ange, le Génie de la Victoire, une sculpture datant de 1534 et actuellement conservée au Palazzo Vecchio de Florence, dont le peintre bolonais aurait repris la pose de la jambe reposant sur l’ennemi vaincu. En outre, Guido Reni connaissait les œuvres de Michel-Ange: en effet, à partir de 1600, le peintre se rendit souvent à Rome et séjourna même longtemps dans la capitale de l’État pontifical, jusqu’en 1614, année de son retour définitif à Bologne. À Rome, Guido Reni reçoit d’importantes commandes, mais il a aussi l’occasion d’étudier de près les œuvres des principaux artistes de la Renaissance ainsi que celles de ses grands contemporains, le Caravage surtout (sans l’étude de l’œuvre de Michelangelo Merisi, il serait impossible d’expliquer certains éléments de la Crucifixion de saint Pierre conservée à la Pinacothèque vaticane, peinte entre 1604 et 1605 et présentant d’évidentes similitudes avec le tableau homologue du Caravage pour la chapelle Cerasi de Santa Maria del Popolo, à Rome). Guido Reni reprend ensuite ses propres œuvres: la pose de Samson est la même que celle de Narsès victorieux de Totila peint quelques années plus tôt, en 1612, dans la chapelle Pauline de la basilique Sainte-Marie-Majeure à Rome (une des importantes commandes évoquées plus haut), tandis que les deux Philistins allongés sur le sol rappellent les enfants en bas à gauche du Massacre des Innocents, une œuvre de 1611.

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L’Antiquité, dans l’œuvre de Guido Reni, est filtrée par l’exemple de Raphaël qui, comme Guido Reni, était guidé par le principe inspirateur de la beauté idéale (pour ses contemporains, d’ailleurs, Guido Reni était une sorte de nouveau Raphaël), et si Raphaël a rendu l’Antiquité moderne, de la même manière, Guido Reni a rendu l’Antiquité moderne.de la même manière, Guido Reni a rendu la Renaissance moderne, en la réinterprétant à travers les réalisations contemporaines de Carracci et du Caravage, atteignant ainsi, plus souvent qu’on ne l’imagine, des sommets de naturalisme inattendus, qui ne se confondent cependant pas avec la réalité et sont toujours dilués dans ce langage cristallin, harmonieux et laconique qui est typique de la peinture de Reni. Selon Cesare Gnudi, aucun artiste du XVIIe siècle n’avait mieux compris Raphaël que Guido Reni, et la modernité de son classicisme réside également dans la manière plus “filtrée et littéraire” typique de tous ces artistes qui, en temps de crise, étaient désireux de revenir aux règles classiques pour faire place à une mesure dans laquelle la beauté pouvait revenir.

“Si le refrain de la génération précédente était que toute révolution impose un retour à la nature, écrit Andrea Emiliani, la proposition de Guido était celle d’une règle culturelle solide, d’une norme poétique également capable de retourner affronter un problème ancien, celui de l’universalité du langage, qui se déplaçait précisément de Rome. Le programme de Guido Reni était donc différent de celui de Ludovico Carracci (qui s’intéressait au quotidien) ou de celui d’Annibale Carracci (dans ses œuvres, le classicisme, étranger aux sentiments nostalgiques, visait néanmoins la vérité): sa peinture est empreinte d’un idéalisme limpide qui admet des ouvertures vers le naturalisme pour donner vie à ce ”théâtre néo-platonicien de la nature“ dans lequel, pour citer encore Emiliani, ”l’objectif déclaré et irremplaçable de la beauté vertueuse s’apprête à percer".

Le Samson victorieux, malgré ses particularités et sa modernité, est resté “sans suite dans le milieu pictural bolonais qui, à cette époque, suivait principalement le style de Ludovico Carracci”.comme l’a écrit l’universitaire Giovanna Degli Esposti, “et n’a donc pas pu comprendre sa réalité poétique particulière, et Malvasia lui-même, d’ailleurs, se limite à louer son dessin sans lui consacrer beaucoup d’attention”. Pourtant, cet isolement substantiel de l’œuvre peut-être la plus extraordinairement classique du répertoire de Reni ne devrait pas surprendre, tout comme il n’est pas étrange que le succès “commercial”, pour ainsi dire, ait été plus important pour les Carrache que pour Guido Reni. À l’occasion de la première exposition importante sur Guido Reni, organisée par Cesare Gnudi et Gian Carlo Cavalli en 1954 à Bologne, dans les salles de l’Archiginnasio, Cavalli lui-même part du Samson victorieux pour s’interroger sur les causes d’un tel isolement, à une époque où le Reni renforce son idéalisme classique en écrivant des pièces de théâtre.renforçait son idéalisme classique en se disant “fasciné par l’harmonie secrète du marbre antique, par un monde statuaire dans lequel le rapport avec la nature pouvait trouver une mesure absolue”. Le fait est que l’artiste a proposé une “peinture lettrée et pleine de ’style’” qui s’adressait à une clientèle sophistiquée avec un art qui naissait entièrement dans l’esprit et qui était proposé “à une époque qui n’était pas classique mais de Contre-Réforme”: il s’agissait cependant d’une peinture qui était toujours soutenue par une “méditation consciente, encline à travailler dans des formes rationnelles et reflétée dans la vie des sentiments”. Aujourd’hui, nous la reconnaissons comme l’une des plus avancées de son époque.

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