Au cours des quarante dernières années, de nombreux artistes internationaux ont abordé les thèmes de la paix et de la guerre dans leurs œuvres, réfléchissant souvent à la complexité des conflits contemporains et à leurs conséquences. Citons par exemple Ai Weiwei, avec son installation Remembering, qui aborde le thème des desaparecidos, et Banksy, connu pour son activisme pacifiste et ses œuvres telles que Girl with Balloon; JR a rendu célèbre l’iconographie d’une petite fille, Valeriia, à Déplacé-e-s, Lviv, Ukraine (2022), Shirin Neshat, dans son extraordinaire chef-d’œuvre cinématographique Zanan-e Bedun-e Mardan/Women without Men (2009) nous a montré une dénonciation de la violence et des conditions de vie des femmes en Iran. Michael Rakowitz, Jenny Holzer, Marina Abramović, Keith Haring, Boris Mikhailov, Helen Marshal, jusqu’à l’intemporelle Preventive Peace de Michelangelo Pistoletto, ont diffusé des messages forts à travers leurs œuvres.
Dans le passé, des artistes tels que Pablo Picasso, avec des œuvres comme Guernica, et Bertolt Brecht, avec des poèmes et des pièces de théâtre, ont exprimé leur engagement pour la paix à travers leurs créations. Il est bien connu que deux ans avant la Seconde Guerre mondiale, en 1937, la plus terrible censure des artistes a eu lieu en Allemagne. Les œuvres présentées à l’exposition Entartete Kunst (Art dégénéré), dont beaucoup étaient destinées à la destruction, ont été partiellement sauvées et redécouvertes ces dernières années.
Près d’un siècle s’est écoulé depuis le tragique XXe siècle : dans le moment historique particulier et complexe que nous vivons, nous voyons le Moyen-Orient et l’Ukraine surexposés. Intriguée par l’exposition Diagrammes au Cà Corner della Regina, organisée par Studio AMO/OMA, j’ai remarqué deux projets expérimentaux du cartographe Philippe Rekacewicz (France, 1960). Parmi ces élaborations graphiques, l’une est consacrée à l’Iran et l’autre à la Pologne. Il s’agit de deux cartes réalisées en 2009 et intitulées Le monde vu de Téhéran et Le monde vu de Varsovie. La salle N7 de l’exposition, située au premier étage, présente l’expérience des conflits de guerre de l’humanité moderne en exposant des reconstructions par analyse spatiale, des représentations cartographiques interactives, la télédétection et la modélisation en 3D, des outils permettant de cartographier des scénarios de guerre dans différentes régions de la planète grâce à l’utilisation des nouvelles technologies.
Certains pays européens, comme la France, ont une tradition culturelle de protection des mémoires historiques en adaptant et en proposant des expositions d’art contemporain dédiées, nées de concepts scientifiques capables de définir des désinences philologiques spécifiques. L’œuvre in situ d’Anselm Kiefer au Panthéon de Paris, intitulée Des coquelicots et une nuée de plomb, peut être considérée comme un exemple de philologie conceptuelle. Cette installation est née de la réflexion de l’artiste sur les cruautés infligées pendant la Première Guerre mondiale, et Kiefer s’est inspiré pour cela des mémoires de 1948 de l’écrivain français Maurice Genevoix, Ceux de 14.
Je considère qu’il est important de rappeler à la génération Alpha, pour qu’elle participe correctement à la réflexion artistique et curatoriale sociale en Italie, le modèle d’exposition que Carlo Ripa di Meana a voulu à Venise en 1974 lors de la Biennale Internazionale d’Arte. Ce modèle révolutionnaire était spécifiquement conçu pour donner une place et une voix à l’Amérique latine et au drame géopolitique et social qui secouait le Chili. Parmi tous les artistes et intellectuels qui ont participé à cette édition, il y avait Roberto Matta.
L’artiste chilien a collaboré à ce projet communicatif, visuel et idéologique avec le collectif BRP (Brigada Ramona Parra) de 1970 à 1972, un groupe restreint de muralistes qui souhaitaient ouvertement manifester pour célébrer la liberté du peuple chilien dans l’acronyme qu’ils ont adopté “Brigada Salvador Allende”.
D’un point de vue phénoménologique et d’une enquête sociologique intuitive, nous pourrions trouver, à notre époque, l’isolement de la pensée chez un grand nombre d’artistes qui conçoivent en aliénant ou en hibernant leur contenu dans des plateformes numériques instables et abstraites telles que les médias sociaux (Instagram, Facebook, etc.), étant donné que en particulier les jeunes artistes sont préventivement habitués à tout faire par des secteurs filtrés instinctifs orientés vers le simple marché, une coupe qui est résolument contraire à l’idée que l’artiste peut, pour s’autodéterminer en tant que tel, être un intellectuel polyvalentL’artiste peut s’autodéterminer en tant que tel, être un intellectuel complet, étranger aux schémas du possibilisme anthro-international, dans une réalité concrète et rationnelle où l’on peut dialoguer analogiquement entre art et science, philosophie et histoire de l’art, poésie et compositions d’images, dans un continuum espace-temps “ouvert”.et peut s’autodéterminer en tant que “garant” de la relation familière que chaque être humain entretient ou devrait entretenir avec son “voisin”, dans une proportion de 1 pour 1, à travers des expériences, des émotions, des réflexions nées de la société et de l’analyse visuelle de la chronique.
La diffusion médiatique des langages artistiques soulève de nombreuses questions critiques, la technique étant souvent reléguée au second plan, tout comme l’absence de réflexion sur la composition. Si l’on considère spécifiquement l’humeur sociale dans le comportement des praticiens visuels, adeptes involontaires du muscisme : nous pourrions parcourir leurs posts sur les médias sociaux et observer des répliques variantes d’“images annihilées” qui ne peuvent être associées à des citations, même si, à première vue, elles peuvent sembler l’être. Un grand nombre de néophytes de l’art n’ont guère de jugement autocritique et le résultat esthétique de leurs produits est souvent dépourvu du message correspondant ou déficient.
Cependant, je crois que nous pouvons faire l’effort (nous avons même le devoir de le faire) d’éduquer la jeune génération d’artistes à jeter un regard conscient sur la façon dont la boussole du temps a déterminé l’humanité entre les évolutions et les involutions. Personnellement, je crois que l’art n’a malheureusement pas le pouvoir d’apporter la paix dans le monde, de mettre fin aux guerres, mais il doit continuer à dialoguer même avec les questions politiques afin de sensibiliser le public. Dans cet esprit, un artiste emblématique auquel je pense est Vito Acconci, dont je me souviens avec son installation relationnelle intitulée Instant House (1980) : un balancier, le spectateur assis interagit avec l’œuvre et les murs sont soulevés, une structure qui se transforme en une petite maison avec des effigies des drapeaux des États-Unis et de l’URSS. Exactement neuf ans plus tard, en novembre 1989, le mur de Berlin a été démoli, un événement historique, rempli de paix et d’espoir (j’avais six ans). La conscience du temps, de ce que nous étions et de ce que nous sommes devenus nous enseigne avant tout une science humaine appelée histoire.
Cette contribution a été publiée à l’origine dans le numéro 27 de notre revue imprimée Finestre sull’Arte on paper, par erreur sous une forme abrégée. Cliquez ici pour vous abonner.
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