von Noemi Capoccia 23/10/2026
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In einer Werkstatt in Carrara formt die Bildhauerin Mariaelena Mariotti, auch bekannt als „Mother of the Dinosaurs“, Dinosaurier, die so realistisch sind, dass sie lebendig wirken, aber gleichzeitig die gängigen Vorstellungen von Wildheit in Frage stellen. Ein Weg, auf dem sich Bildhauerei, anatomische Forschung und Einfühlungsvermögen für die Tierwelt vereinen. Und in ihrer Heimatstadt träumt sie von einem Naturkundemuseum. Das Interview führte Noemi Capoccia.
Mariaelena Mariotti, bekannt unter dem Künstlernamen „Mother of the Dinosaurs“, ist in Carrara geboren und aufgewachsen und feiert mit ihren realistischen Dinosauriern immer größere Erfolge – unglaubliche Skulpturen, die in ihrem Atelier unterhalb der Apuanischen Alpen entstehen und anschließend in alle Ecken der Welt gelangen. Sie begann, Dinosaurier zu modellieren, als sie noch nicht ahnte, dass diese Leidenschaft zum Mittelpunkt ihres künstlerischen Schaffens werden würde. Vom Knetmasse im Kindergarten über den Ton in der Kunsthochschule bis hin zu den großen Skulpturen, die sie während ihrer Zeit an der Akademie der Schönen Künste in Carrara schuf, blieb die Beziehung zu diesen Kreaturen eine Konstante und wandelte sich nach und nach vom kindlichen Spiel zu einer Ausdrucksform, die Skulptur, Anatomie, Paläontologie und die Aufmerksamkeit für die Tierwelt miteinander verbindet. Sein Werdegang führte ihn auch ins Kino, wo er zwei Jahre lang als Kostümassistent in Turin arbeitete, bevor er nach Carrara zurückkehrte und den Bildhauer Franco Mauro Franchi kennenlernte, der damals an der Akademie lehrte. Genau dort fand Mariotti die Möglichkeit, sich an großen Maßstäben zu versuchen: So entstand der erste lebensgroße Velociraptor, gefolgt vom dreizehn Meter langen Tyrannosaurus rex, der aus wiederverwertetem Wachs und Pappmaché gefertigt wurde, unter einer Decke kauernd und mit einem sich bewegenden Bauch, der die Atmung simulierte.
Im Laufe der Zeit wurde die Forschung immer rigoroser: Von Ton bis Bronze, von Harz bis Polyurethan und wiederverwerteten Materialien entwickelte Mariotti verschiedene Techniken zur Herstellung monumentaler Kreaturen, wobei er deren Anatomie studierte und sich mit echten Fundstücken und Scans auseinandersetzte. Hinter dem Namen „Mother of the Dinosaurs“ verbirgt sich somit eine Forschungsarbeit, die von der Faszination für das prähistorische Leben ausgeht, um unseren Platz auf diesem Planeten zu hinterfragen. Eine Forschung, die heute auch in die Zukunft blickt, mit dem Traum, gerade in Carrara ein Museum zu schaffen, das der Geologie, der Naturgeschichte und der Paläontologie gewidmet ist, wo Skulpturen, Fundstücke und pädagogische Aktivitäten der Öffentlichkeit ein neues Bewusstsein für die Tiefe der Zeit und die Zerbrechlichkeit der Ökosysteme vermitteln können. Mariaelena Mariotti erzählt uns alles darüber in diesem Interview mit Noemi Capoccia.
NC. Wann begann deine Beziehung zu den Dinosauriern? Gab es einen bestimmten Moment, in dem sich diese Leidenschaft aus deiner Kindheit in eine künstlerische Berufung verwandelte?
MM. Ich hatte das Glück – zumindest aus meiner Sicht –, genau im Jahr von „Jurassic Park“ geboren zu werden. Ich bin mitten im Dinosaurier-Boom aufgewachsen, aber die Leidenschaft für diese Kreaturen kam schon, bevor ich ihr überhaupt einen Namen geben konnte. Ich habe schon sehr klare Erinnerungen an den Kindergarten, und schon als kleines Kind hatte ich eine Leidenschaft für Dinosaurier. In jenen Jahren habe ich mir ständig„Jurassic Park“ angesehen, vor allem aber die Dokumentarfilme von Piero Angela, die mir geschenkt worden waren und die für meine Entwicklung von entscheidender Bedeutung waren. Noch heute glaube ich, dass mich das „Making-of“ von „Jurassic Park“ stärker beeinflusst hat als der Film selbst: Zu sehen, wie die Dinosaurier entworfen und umgesetzt wurden – angefangen bei Knetmasse bis hin zu äußerst realistischen Kreaturen –, hat mich zutiefst fasziniert. Meine Familie hat meine Leidenschaft stets unterstützt und mir Materialien zur Verfügung gestellt, mit denen ich bauen, modellieren und zeichnen konnte. Knetmasse, LEGO und alles, was es ermöglichte, handwerklich zu arbeiten, haben meine Kindheit geprägt und in gewisser Weise bereits vorweggenommen, was ich später einmal tun würde. Es ist eine Leidenschaft, die nie wirklich unterbrochen wurde. Auch heute noch gehört Knetmasse zu den Materialien, die ich am häufigsten verwende. Dabei spielt auch eine Erinnerung eine Rolle: Ihr Geruch, ebenso wie der von Buntstiften und Schulmaterialien, versetzt mich sofort zurück in meine Kindheit. Dinosaurier stellen daher auch ein Element dar, das tief mit meiner Ausbildung und meiner Arbeitsweise verbunden ist. In den letzten Jahren ist jedoch etwas passiert, das für mich eine besondere Bedeutung hatte: Ich bin mit einigen der Menschen in Kontakt gekommen, die an der Umsetzung der Dinosaurier für „Jurassic Park“ mitgearbeitet haben. Ein Mitglied des Teams der ersten beiden Filme, das sich mit Robotik und insbesondere mit dem Dilophosaurus befasste, hat mich kontaktiert, um mich kennenzulernen und mir zu meiner Arbeit zu gratulieren. Später kam ich auch mit dem Bildhauer in Kontakt, der das Modell des Dilophosaurus angefertigt hatte: Für mich war das eine wichtige Begegnung, denn diese Menschen gehören genau zu der Welt, die ich als Kind in den Dokumentarfilmen über die Entstehung des Films beobachtet hatte. Heute denke ich auch über ein Fotoprojekt nach, das einige ihrer Arbeitsweisen und Posen aufgreift, als eine Art Hommage an diese Phase meiner Ausbildung. Als ich 2017 den Velociraptor in Bronze schuf, erzählte ich auch dem Sohn von Stan Winston (Spezialeffektkünstler des Films), wie wichtig die Arbeit seines Vaters für mich gewesen war. Genau das ist der rote Faden, der meine Kindheit mit der Forschung verbindet, die ich heute betreibe: nicht so sehr der Dinosaurier als Motiv, sondern vielmehr das Interesse an dem Prozess, durch den ein Bild Gestalt annimmt und zur Materie wird. Mit dieser Geschichte ist auch meine Sammlung von Modellen verbunden, die im Laufe der Jahre sehr umfangreich geworden ist. Ich besitze Tausende davon, einige sind ausgestellt, andere werden aufbewahrt und katalogisiert. Es sind Objekte, die zu verschiedenen Epochen der Geschichte von „Jurassic Park“ gehören und die ich weiterhin erforsche und studiere. Im Grunde ist diese Sammlung der deutlichste Beweis für eine Leidenschaft, die in meiner Kindheit entstanden ist und die, anstatt zu vergehen, sich nach und nach zu einem Teil meines künstlerischen Werdegangs entwickelt hat.
Du bist in Carrara geboren und lebst dort, einer Stadt, die eng mit der Bildhauerei verbunden ist. Inwieweit hat die Region deine Ausbildung und deine Art, das Material zu begreifen, beeinflusst?
Ich liebe Carrara sehr und halte es für eine Stadt, die oft unterschätzt wird, vor allem, wenn man sie nur oberflächlich betrachtet. Für mich war sie schon immer eine Schatzkiste, ein Ort, an dem es immer wieder Neues zu entdecken gibt. Als Kind beeindruckten mich vor allem die großen Marmorblöcke, die von Lastwagen transportiert wurden: Dieses Gefühl, vor etwas zu stehen, das um ein Vielfaches größer ist als ich selbst, ist geblieben, und ich glaube, es hat zu meiner Beziehung zum Material und zum Maßstab der Bildhauerei beigetragen. Mein künstlerischer Werdegang war nicht immer einfach: In der Schule habe ich wegen meiner Leidenschaften auch Phasen der Isolation erlebt, bis ich schließlich meine Dinosauriersammlung vorübergehend beiseite legte, um mich anzupassen. Das war nur eine kurze Phase, denn mir wurde klar, dass es keinen Sinn machte, auf das zu verzichten, was mich ausmachte. Die Akademie der Bildenden Künste in Carrara war hingegen vor allem in technischer Hinsicht entscheidend. Dort schlug mir Franco Mauro Franchi, nachdem er mein Portfolio gesehen hatte, vor, eine lebensgroße Skulptur zu schaffen. Daraus entstand der erste Velociraptor, der es mir ermöglichte, mich mit Ton, Armaturen, Gussformen und dem Gussverfahren auseinanderzusetzen. Im folgenden Jahr schuf ich einen T-Rex, der noch stark von der Bildwelt von „Jurassic Park“ geprägt war. Heute ist mein Ansatz ein anderer: Wissenschaftliche Genauigkeit ist grundlegend geworden, und ich arbeite an neuen Skulpturen auf der Grundlage einer viel gründlicheren Auseinandersetzung mit der Anatomie und den Fossilien. Auch an der Akademie habe ich Erfahrungen mit Ausgrenzung und Vorurteilen gemacht, die vor allem mit der Vorstellung zusammenhingen, ich hätte Privilegien oder Unterstützung von den Dozenten erhalten. Es war eine schwierige Erfahrung, aber sie hat mich gelehrt, mich nicht vom Urteil anderer beeinflussen zu lassen und meinen Weg weiterhin eigenständig zu gehen.
Wie entsteht eine deiner Skulpturen, von der ersten Idee bis zur endgültigen Form? Welche Materialien verwendest du und wie lange kann die Schaffung einer Kreatur dieser Größe dauern?
Die Materialien haben sich im Laufe der Zeit stark verändert und sind auch der Entwicklung meiner Bedürfnisse gefolgt. Anfangs arbeitete ich vor allem mit Ton und Gips, später wechselte ich zu Harz und Bronze. Der T-Rex zum Beispiel bestand aus einem Gerüst aus Eisen, Pappmaché und Wachs. Eine Zeit lang habe ich auch ausschließlich mit Wachs gearbeitet, vor allem bei den kleineren Skulpturen. Später, nach einer Ausstellungserfahrung, bei der eine große Skulptur während des Transports beschädigt wurde, begann ich, mich intensiver mit dem Problem des Gewichts und der Notwendigkeit, leichtere Materialien zu verwenden, auseinanderzusetzen. So entdeckte ich Polyurethan, das mehrere Jahre lang zu einem der Hauptmaterialien meiner Arbeit wurde. Die großen Skulpturen wurden mit inneren Eisenkonstruktionen, modelliertem Polyurethan und Zweikomponentenharzen hergestellt, die anschließend mit Cuttern, Schnitzmessern und Raspeln bearbeitet wurden. Für einige Motive verwende ich auch Kunstpelze, die anschließend bemalt werden, während die kleineren Skulpturen durch Zusammenfügen und Schichten von Harz entstehen. Seit diesem Jahr wende ich eine andere Technik an, die es mir ermöglicht, schneller und ohne Schweißen zu arbeiten. Ich fertige Holzformen an, die bereits auf die zu stützende Struktur zugeschnitten sind, füge das Eisen hinzu, befestige es und versiegele es an den erforderlichen Stellen mit Harz, und baue dann das Volumen mit Polyurethanschaum und Recyclingmaterialien wie Styropor aus Verpackungen auf. Die Form wird schließlich wie bisher von Hand ausgearbeitet und mit Harz überzogen. Diese Technik ist schneller, leichter und einfacher zu transportieren, ermöglicht mir aber dennoch die gleiche Kontrolle bei der anatomischen Gestaltung der Skulptur.
Was hat sich an deiner Arbeitsweise verändert, seit du dich mit großformatiger Bildhauerei beschäftigst?
Die größte Befriedigung hängt nicht unbedingt von der Größe der Skulptur ab. Manchmal kann auch ein kleines Motiv eine überraschende Lebendigkeit entwickeln: Wenn ein Auge einen wirklich anzublicken scheint oder wenn das Licht und die Wärme der Sonne für einen Moment den Eindruck vermitteln, etwas Lebendiges vor sich zu haben, ist das ein Gefühl, das schwer zu beschreiben ist. Große Dimensionen hingegen wecken eine andere Art von Emotion. Sie vermitteln die Pracht des Tieres und lassen uns in gewisser Weise unsere eigene Unterlegenheit gegenüber dem Leben um uns herum spüren. Es ist ein Gefühl der Demut, das meiner Meinung nach jeder haben sollte, der sich für Biologie, Zoologie oder Paläontologie interessiert. Wenn man sich nämlich mit Zeiträumen von Hunderten von Millionen Jahren auseinandersetzt, verändert sich auch die Wahrnehmung unserer eigenen Geschichte. Die Erkenntnis, dass Haie schon vor den Bäumen existierten, oder das Verständnis für die zeitliche Distanz, die Tiere wie den Stegosaurus und den Tyrannosaurus voneinander trennt, relativiert unweigerlich unsere eigene Präsenz auf diesem Planeten. Das ist einer der Aspekte, die ich auch durch den Realismus meiner Skulpturen wiedergeben möchte. Natürlich können wir nicht genau wissen, wie ein ausgestorbenes Tier ausgesehen hat, aber wenn ich eine Anatomie auf der Grundlage von Fundstücken und echten Scans rekonstruiere und dann sehe, wie das Sonnenlicht auf diese Form fällt, verspüre ich ein besonderes Gefühl – es ist, als würde dieses Wesen für einen Augenblick nach Millionen von Jahren wieder ins Licht treten. Das ist einer der faszinierendsten Aspekte meiner Arbeit.
Deine Dinosaurier wirken fast wie Wesen, die von der Gegenwart erzählen können. Welche Bedeutung möchtest du deinen Werken verleihen? Warum sind gerade sie zu deiner künstlerischen Sprache geworden?
Einer meiner Träume ist es, ein Museum zu eröffnen, das Paläontologie mit meinen Werken verbindet und in dem auch Räume für Workshops vorgesehen sind. Ich möchte, dass es vor allem ein Ort der Bildung ist, der ein größeres Bewusstsein für unsere Beziehung zum Planeten vermittelt. Ich möchte vor allem Kindern beibringen, sich mit der Dimension der geologischen Zeit und der Geschichte des Lebens auf der Erde auseinanderzusetzen. Dinosaurier können ein unmittelbarer Zugang zu diesen Themen sein, aber das Ziel wäre es, etwas Größeres verständlich zu machen: wie jung wir im Vergleich zur Geschichte des Planeten sind und wie zerbrechlich das Gleichgewicht der Ökosysteme ist. Ich glaube, dass wir oft eine sehr anthropozentrische Wahrnehmung der Welt haben, als stünden uns der Planet, die Tiere und seine Ressourcen einfach zur Verfügung. Sich mit Hunderten von Millionen Jahren Evolution auseinanderzusetzen, hilft hingegen dabei, unsere eigene Präsenz zu relativieren und zu verstehen, dass wir nur ein Teil – und zwar ein sehr junger – einer unermesslich längeren Geschichte sind. Deshalb stelle ich mir das Museum fast wie einen Ort vor, an dem man den Menschen helfen kann, besser zu verstehen, wo und wann sie sich befinden. Dieses Bewusstsein halte ich für grundlegend und finde, dass es meiner Meinung nach auch in der schulischen Bildung mehr Raum einnehmen sollte. Dinosaurier sind ein wesentlicher Baustein der Geschichte unseres Planeten, und ich finde es bezeichnend, dass sie oft so wenig Beachtung finden.
Eines deiner beeindruckendsten Werke ist der 13 Meter lange Tyrannosaurus aus wiederverwertetem Wachs, der unter einer Decke zusammengerollt ist und dessen Bauch den Atem nachahmt. Woher stammt die Idee, einem Wesen, das wir normalerweise mit Wildheit assoziieren, eine menschliche Dimension zu verleihen?
Die Absicht ist es, eine Art Oxymoron zu schaffen, denn Dinosaurier werden oft mit Lärm, Gewalt und Blut in Verbindung gebracht. Ich versuche hingegen, auch ihre tierische Seite zu zeigen – die verletzliche und alltägliche. Das Gleiche gilt für die anderen Motive, die ich darstelle. Ein Hai zum Beispiel ist nicht nur das, was wir aus dem Kino kennen: Er ist ein Tier, das neugierig, ängstlich oder ruhig sein kann. Genau diese Dimension versuche ich wiederzugeben, auch wenn es sich natürlich bei ausgestorbenen Tieren immer um eine interpretative Rekonstruktion handelt. Dieser Ansatz gilt auch für die Fotografie. Für mich erschöpft sich die Bildhauerei nicht im physischen Werk. Ich versuche, auch die Fotografien zu einem integralen Bestandteil der Arbeit zu machen, indem ich jedes Bild so gestalte, als wäre es selbst ein Kunstwerk. Ich glaube, dass auch diese feinfühligere Dimension notwendig ist. Im Laufe der Jahre habe ich Nachrichten von Menschen aus verschiedenen Ländern erhalten, die mir erzählen, dass sie auf meine Arbeiten warten, um zu lächeln oder sich einfach besser zu fühlen. Das berührt mich sehr, denn es bedeutet, dass man durch prähistorische Tiere, die scheinbar so fern und imposant sind, auch ein Gefühl von Zärtlichkeit und Trost vermitteln kann. Genau dieser Kontrast interessiert mich: Motive zu nutzen, die mit Kraft und Wildheit assoziiert werden, um stattdessen auch ihre zerbrechlichste, neugierigste und lebendigste Seite zu erzählen.
Deine Werke haben eine monumentale und spektakuläre Dimension. Sind sie auch darauf ausgelegt, die traditionellen Räume der Kunst zu verlassen und ein anderes Publikum zu erreichen? Hast du deine Werke bereits außerhalb Italiens ausgestellt oder würdest du das gerne tun?
Mein Publikum ist glücklicherweise bereits sehr international. Der Großteil meiner Werke in kleinerem Format wird vor allem in den Vereinigten Staaten, in Nordeuropa, in Japan, in Indien und in Lateinamerika erworben. Das ist ein Aspekt, der mich auch dazu bringt, über die unterschiedliche Wahrnehmung meiner Arbeit in den verschiedenen Ländern nachzudenken. In Italien wird der Dinosaurier noch sehr oft mit Kindheit oder Unterhaltung in Verbindung gebracht. Im Ausland hingegen wird er stärker auch als wissenschaftliches und künstlerisches Thema wahrgenommen. Das hat es mir ermöglicht, ein Publikum zu erreichen, das meine Arbeit aus einer anderen Perspektive betrachtet und den Wert der Forschung anerkennt, die hinter jeder Rekonstruktion steckt. Auch aus diesem Grund würde ich meine Werke sehr gerne außerhalb Italiens präsentieren. Bislang habe ich vor allem hier ausgestellt, und einer meiner Träume wäre es, eine Ausstellung im Ausland zu realisieren, insbesondere in England oder in Deutschland, wo es eine sehr starke Tradition im Bereich der Paläontologie und der Wissenschaftsvermittlung gibt. Ich glaube, dass die Tatsache, dass ich einen Großteil meines Publikums außerhalb Italiens aufgebaut habe, auch zeigt, dass es einen Platz für diese Art von Forschung gibt. Mein Ziel ist es, diese Tätigkeit als das anzuerkennen, was sie ist: eine Arbeit, die Kunst, anatomische Rekonstruktion, wissenschaftliche Forschung und Wissensvermittlung vereint.
Nachdem du dich jahrelang der Erforschung und der Gestaltung deines Universums voller Kreaturen gewidmet hast, was sind heute die Ziele von „Mother of the Dinosaurs“? Gibt es einen Dinosaurier, den du noch nicht umgesetzt hast und von dessen Schöpfung du träumst?
Was mir wirklich am Herzen liegt, ist die Verwirklichung des Museums, und ich würde es gerne in Carrara errichten, einer Stadt, die mir besonders am Herzen liegt. Ich möchte, dass es ein Museum ist, das sich in erster Linie der Geologie der Region widmet, also den Gesteinen und Materialien unserer Berge, aber auch einen Blick auf die geologische und naturkundliche Geschichte des Planeten wirft. Ich habe bereits eine Sammlung von Rekonstruktionen und Fundstücken, die eine erste Grundlage bilden könnte: Neben den Skulpturen besitze ich Ammoniten, Dinosaurier-Fußabdrücke, Zähne und andere Fossilien. Es ist außerdem wichtig, daran zu erinnern, dass in den großen Naturkundemuseen nicht alle ausgestellten Skelette Originale sind: Viele sind Abgüsse oder Nachbildungen, die anhand authentischer Fundstücke angefertigt wurden. Deshalb glaube ich, dass das Material, das ich im Laufe der Jahre gesammelt habe, bereits zum Aufbau eines großen Projekts beitragen kann. Was Ausstellungen angeht, bin ich hingegen viel wählerischer geworden. Ich habe Erfahrungen gemacht, bei denen die Werke nicht mit dem Respekt behandelt wurden, den sie verdienten, und heute halte ich es für grundlegend, dass eine Zusammenarbeit die Künstlerin als Fachkraft anerkennt und klare Bedingungen, Unterstützung und Vereinbarungen gewährleistet. Eine der positivsten Erfahrungen war die mit Lucca Comics, wo ich, obwohl ich noch am Anfang meiner Laufbahn stand, in jeder Hinsicht professionell behandelt wurde. Das ist ein Unterschied, den ich mittlerweile als wesentlich erachte. Was das internationale Publikum betrifft, glaube ich, dass sich der Erfolg der kleineren Skulpturen auch mit dem japanischen Konzept von „kawaii“ zusammenfassen lässt, also mit der Vorstellung von etwas Niedlichem und Anmutendem. Meine „Kleinen“ entstehen genau aus der Verbindung von wissenschaftlicher Genauigkeit und einer gewissen Zärtlichkeit: Sie haben durchdachte Proportionen und anatomische Merkmale, aber auch größere Augen und einige bewusst betonte Züge, um sie ausdrucksstark zu machen. Was mich am meisten beeindruckt, ist, dass ein großer Teil dieser Werke als Geschenk gekauft wird. So kam es zum Beispiel vor, dass Töchter sie ihren Müttern schenkten, die einst davon geträumt hatten, Paläontologie zu studieren, oder dass Eltern sie ihren Kindern, Paaren oder Großeltern schenkten. Dieser Aspekt motiviert mich ganz besonders: Zu wissen, dass eine meiner Skulpturen die Welt durchquert und jemanden erreicht, der sie aus einem persönlichen Grund ausgewählt hat, erinnert mich daran, dass jenseits der täglichen Mühen der Arbeit auf der anderen Seite ein Mensch steht, der gesehen hat, was ich tue, es geschätzt hat und beschlossen hat, einen Teil meiner Arbeit mit sich zu nehmen.
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