Auf der 61. Biennale von Venedig wird das Vereinigte Königreich von Lubaina Himid vertreten, die im britischen Pavillon das Projekt „Predicting History: Testing Translation“ präsentiert. Die Ausstellung befasst sich mit einer der persönlichsten und zugleich politischsten Fragen der heutigen Zeit: Was bedeutet es, sich an einem neuen Ort ein Zuhause zu schaffen, und wie verändert sich die Bedeutung von Zugehörigkeit, wenn der bewohnte Raum nicht für diejenigen konzipiert wurde, die ihn durchqueren? Himid hat für Venedig einen Raum geschaffen, in dem große Gemälde mit Werken auf Fundstücken, von ostafrikanischen Kangas inspirierten Gemälden und einer in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Magda Stawarska entstandenen Klanglandschaft in Dialog treten. Malerei, Text, Objekte und Klang tragen so zur Schaffung einer Erfahrung bei, in der der britische Pavillon selbst eine zentrale Rolle einnimmt. Seine Architektur wird nämlich zu einem Symbol des Vereinigten Königreichs, und gerade durch dieses Gebäude hinterfragt die Künstlerin das Verhältnis zwischen Ort, Identität und Heimat, aber auch die unterschiedlichen Bewegungsmöglichkeiten in einer Welt, in der sich manche Menschen frei bewegen können, während andere als „fehl am Platz“ wahrgenommen werden.
Der Titel „Predicting History: Testing Translation“ spielt auf einen Zustand der Ungewissheit und Interpretation an. Geschichte vorherzusagen und Übersetzung auf die Probe zu stellen bedeutet, sich mit etwas auseinanderzusetzen, das niemals völlig stabil ist, mit dem Versuch, zu verstehen und sich verständlich zu machen, während man verschiedene Orte, Kulturen und Bezugssysteme durchquert. Für Himid wird die Ausstellung so zu einer Art Leitfaden für die Navigation durch das Leben und die Zugehörigkeit jenseits der eigenen Wurzeln, zu einer Möglichkeit, sich zu fragen, was es bedeuten kann, einen Ort, der ursprünglich kein „Zuhause“ war, als solches zu bezeichnen.
Die Künstlerin, die aus dem Bereich der Theaterbühnenbildnerei kommt und eine besondere Leidenschaft für die Oper hegt, konzipiert die Räume des Pavillons als immersive und multisensorische Räume. Die Malerei wird daher nicht nur als Bild betrachtet, das man betrachtet, sondern als Teil einer räumlichen Inszenierung, die von einer ganz eigenen theatralischen Energie geprägt ist. Die Besucher sind eingeladen, emotional eine Beziehung zu den Figuren und den Handlungen in den Gemälden aufzubauen, fast so, als würden sie einer Theateraufführung beiwohnen.
Fünf große Gemälde bilden einen der Kernbereiche des Projekts: „Architects“, „Tailors“, „Chefs“, „Boatbuilders “ und „Gardeners“. Die Werke zeigen surreale Schauplätze, an denen sich Menschen bei der Arbeit begegnen und austauschen: Die in den Titeln genannten Figuren führen intensive Gespräche miteinander und diskutieren praktische und kreative Probleme, wobei sie nach Lösungen für die Schwierigkeiten suchen, die die Anpassung an eine ungewohnte Umgebung mit sich bringt. Die Dimension der Arbeit wird so auch zu einer Metapher für die Schaffung von Zugehörigkeit, für einen Prozess, in dem der Einzelne ständig seine Beziehung zu dem Ort, an dem er sich befindet, neu verhandeln muss.
Der britische Pavillon wird von Himid als Symbol für Großbritannien genutzt: Auf den ersten Blick wirkt er einladend, hell, luftig und voller Möglichkeiten, und seine Atmosphäre mag an einen idealisierten britischen Sommertag erinnern, doch dieses Gefühl wird nach und nach von beunruhigenderen Elementen durchdrungen. Töne, Texte und Bilder führen nämlich eine Reihe von Dissonanzen ein, die die scheinbare Gelassenheit des Raums in Frage stellen. Einige der in den Gemälden enthaltenen Fragen haben genau diese verstörende Funktion: „Can Flies Settle Here“ und „Can Poison Taste Delicious“ hinterfragen die Möglichkeit , einen Ort zu bewohnen, ihn anzunehmen und anzuerkennen, und lassen Zweifel aufkommen, wo doch scheinbar nur Offenheit herrscht. Zu diesen Bildern gesellt sich der Gesang von Nana Mouskouri, die das Volkslied „Early One Morning“ interpretiert und so zur Schaffung einer melancholischen, mit Verlust verbundenen Dimension beiträgt.
Auch die neoklassizistische Architektur des Pavillons wird zu einem integralen Bestandteil der Reflexion. Oft als Symbol für Autorität und Beständigkeit interpretiert, wird sie von Himid in einen Ort verwandelt, an dem Vorstellungen von nationaler und persönlicher Identität auf die Probe gestellt werden. Das Gebäude steht für Großbritannien, doch gerade diese Darstellung ermöglicht es, zu hinterfragen, was es bedeutet, einer Nation anzugehören, an einem Ort willkommen zu sein oder sich stattdessen als Fremder zu empfinden.
Der Rundgang beginnt mit „Architects“, dem ersten Gemälde, auf das die Besucher stoßen. Im Mittelpunkt der Szene diskutieren zwei Figuren darüber, wie man einen sicheren Ort schaffen kann, an dem man sich zugehörig fühlen kann. Um sie herum tauchen architektonische Formen aus unterschiedlichen Kulturen, Glaubenssystemen und Traditionen auf: ein Iglu, ein Bienenstock, eine Kirche und eine Moschee. Die Vielfalt der architektonischen Formen verweist unmittelbar auf die Vielzahl der Möglichkeiten, wie Menschen einen Lebensraum konzipieren und gestalten können. Eine der beiden Figuren trägt leuchtende, von einer bestimmten historischen Epoche inspirierte Kleidung und hält das solide Modell eines zylindrischen Hauses in der Hand – eine Struktur, die Privatsphäre und Schutz bietet. Die andere, aufwendig mit Fransen oder Federn geschmückt, schlägt hingegen eine Alternative auf Rädern vor, die jederzeit versetzt werden und bei Bedarf zur Flucht dienen kann. Dieser Kontrast inszeniert zwei unterschiedliche Vorstellungen von Zuhause: einerseits die Stabilität und den Schutz eines geschlossenen Raums, andererseits die Möglichkeit, sich zu bewegen und einem Ort zu entfliehen, der keine Sicherheit garantiert.
Das Thema Wasser und Ozean nimmt seit Jahrzehnten einen wiederkehrenden Platz in Himids Werk ein. In „Predicting History: Testing Translation“ gewinnt diese Thematik besondere Bedeutung, da sie die Geschichte der britischen Seemacht mit sich bringt, die eng mit der Expansion des Empire und dem Sklavenhandel verbunden ist. Der Ozean ist somit nicht nur ein geografisches oder natürliches Element, sondern wird zu einem Archiv der Geschichte, der Erinnerung und der Gewalt. Diese Dimension tritt besonders deutlich in „Boatbuilders“ zutage, wo zwei elegant gekleidete Figuren vor dem Modell eines Bootes eine lebhafte Auseinandersetzung inszenieren: Auch hier sind die Figuren in eine Diskussion vertieft und wägen die verschiedenen Möglichkeiten ab, die ihnen zur Verfügung stehen.
Neben der Szene erinnern einige bemalte Holzruder an die Seefahrtsgeschichte Venedigs, einer Stadt, die auf ihrer Beziehung zum Wasser aufgebaut ist und historisch mit Handel und Austausch verbunden ist. Mit Blick auf die Lagune scheinen die Ruder die Illusion einer Flucht zu erzeugen. Sie könnten die Möglichkeit suggerieren, in See zu stechen und den Ort, an dem man sich befindet, zu verlassen, doch ihre ungleichen Formen führen stillschweigend die gegenteilige Idee ein: Das Aufbrechen ist nicht so einfach, und die Illusion, immer fliehen zu können, entspricht nicht unbedingt der Realität.
Das Projekt setzt sich zudem mit einer Reihe von Arbeiten fort, die Himids Forschung zu den Kanga aus Ostafrika weiterentwickeln. Dabei handelt es sich um traditionell verzierte Stoffe, die von Frauen getragen werden und oft durch humoristische oder satirische Darstellungen sowie durch eine Struktur gekennzeichnet sind, in der ein zentrales Bild von Sprichwörtern begleitet wird, die kodierte soziale Bedeutungen vermitteln. Himid greift dieses Format auf und verwandelt es in ein Instrument, um über Sprache als gelebte Kommunikationsform nachzudenken. Worte und Bilder wandern von einem Körper zum anderen, von einer Geschichte zur anderen, von einem Kontext zum anderen. Die im Titel der Ausstellung angedeutete Übersetzung wird so zu etwas Umfassenderem als einer bloßen sprachlichen Umwandlung: Sie betrifft die Notwendigkeit, Bedeutungen, Gesten, Verhaltensweisen und Identitäten zu interpretieren, wenn man verschiedene kulturelle Umfelder durchquert.
Nach dem Ende der Biennale von Venedig wird „Predicting History: Testing Translation“ dank der Unterstützung des Art Fund zudem an mehreren Orten im Vereinigten Königreich präsentiert. Die Tournee ermöglicht es der Installation somit, ihren Weg über Venedig hinaus fortzusetzen und mit neuen Zielgruppen in Dialog zu treten. Geplante Stationen sind die Herbert Art Gallery and Museum in Coventry vom 12. Februar bis zum 23. Mai 2027, im MAC Belfast vom 11. Juni bis zum 22. August 2027 sowie in der Glynn Vivian Art Gallery in Swansea vom 24. September 2027 bis zum 9. Januar 2028. Der Art Fund unterstützt den Auftrag sowie die Tournee, die die Installation an die britischen Ausstellungsorte bringen wird. Das Projekt wird zudem von verschiedenen Supporting Partners unterstützt: Frieze, das bereits zum zweiten Mal mit dem British Council für den britischen Pavillon zusammenarbeitet; Cork Street Galleries, eine Initiative von The Pollen Estate; die Henry Moore Foundation; die Rothschild Foundation; der Girlfriend Fund sowie Bloomberg Philanthropies als digitaler Partner. Bedeutende Unterstützung kommt zudem vom Himid Circle, bestehend aus Jill Hackel und Andrzej Zarzycki, Elia Mourtzanou, Suzanne McFayden und der Nelumbo Collection, der Cingilli Collection, Hollybush Gardens und Greene Naftali sowie von Shane Akeroyd und dem Ambassador Circle und Global Circle des British Council. Die Kommission des British Council für den britischen Pavillon an der Biennale von Venedig wird von Ese Onojeruo kuratiert und steht unter der Leitung von Emma Dexter als Kommissarin.
Lubaina Himid wurde 1954 in Sansibar geboren und gilt als eine der Pionierinnen der Black British Art Movement. In den 1980er- und 1990er-Jahren kuratierte sie mehrere bedeutende Ausstellungen, die der Kunst schwarzer Künstlerinnen gewidmet waren, und trug damit dazu bei, einem Schaffen Sichtbarkeit zu verschaffen, das aus den Kreisen der Mainstream-Galerien ausgeschlossen worden war.
Himids Theaterausbildung ist ein wichtiger Aspekt, um den performativen Charakter ihrer Werke zu verstehen. Die Künstlerin studierte Theaterdesign am Wimbledon College of Art und entwickelte seitdem ein tiefes Interesse an der Materialität und Performativität der Malerei. Dieser Ansatz zeigt sich auch in ihren „Cut-outs“, figurativen Gemälden auf freistehenden, geformten Paneelen, die es den Besuchern ermöglichen, zwischen den Figuren hindurchzugehen.
Himid lebt und arbeitet in Preston, Großbritannien, und ist emeritierte Professorin für zeitgenössische Kunst an der University of Lancashire. Sie erhielt 2017 den Turner-Preis, 2023 den Maria-Lassnig-Preis und 2024 den Suzanne-Deal-Booth-|-Flag-Art-Foundation-Preis. Ihre Ausstellungstätigkeit erstreckt sich umfassend über das Vereinigte Königreich und auf internationaler Ebene. Die Künstlerin wird von Hollybush Gardens in London und Greene Naftali in New York vertreten.
In den letzten Jahren fanden ihre Einzelausstellungen in bedeutenden internationalen Institutionen statt. Im Jahr 2025 stellte sie im MUDAM in Luxemburg und im Kettle’s Yard in Cambridge aus, jeweils gemeinsam mit Magda Stawarska, sowie im UCCA in Peking. Im Jahr 2024 präsentierte sie „Make Do and Mend“ bei Contemporary Austin in Texas und bei der FLAG Art Foundation in New York, „Barricades“ bei Hollybush Gardens in London und „Street Sellers“ bei Greene Naftali in New York.
Im Jahr 2023 stellte er „Plaited Time/Deep Water“ in der Sharjah Art Foundation in den Vereinigten Arabischen Emiraten und „What Does Love Sound Like?“ in Glyndebourne bei Lewes aus. Im Jahr 2022 präsentierte sie „So Many Dreams“ im Musée cantonal des Beaux-Arts in Lausanne, „Water Has a Perfect Memory“ bei Hollybush Gardens in London und „Zanzibar“ im Van Abbemuseum in Eindhoven. Im Jahr 2021 fand eine ihr gewidmete Einzelausstellung in der Tate Modern in London statt.
Im Jahr 2019 wurden „Lubaina Himid“ in der Tate Britain in London, „Spotlights“, „The Grab Test“ im Frans-Hals-Museum in Haarlem, „Lubaina Himid“ im CAPC in Bordeaux und „Work From Underneath“ im New Museum in New York präsentiert. Im Jahr 2018 folgten „Gifts to Kings“ im MRAC Languedoc-Roussillon-Midi-Pyrénées in Sérignan und „Our Kisses are Petals“ im BALTIC Centre for Contemporary Art in Gateshead. Im Jahr 2017 präsentierte die Künstlerin „The Truth Is Never Watertight“ im Badischen Kunstverein in Karlsruhe, „Navigation Charts“ im Spike Island in Bristol und „Invisible Strategies“ im Modern Art Oxford.
Ebenso umfangreich ist ihre Teilnahme an Gruppenausstellungen. Im Jahr 2025 nahm sie an „Connecting Thin Black Lines 1985–2025“ im ICA in London, an „Feelings in Common“ im Pera Museum in Istanbul, an „Remember Respond Resist“ in The Box in Plymouth und an „Changes“ im CCA Łaźnia in Danzig, Polen, teil. Im Jahr 2024 war sie Teil der Ausstellung „Friends in Love and War – L’Éloge des meilleur.es ennemi.es“ im macLYON in Lyon und in der Ikon Gallery in Birmingham, „The Time is Always Now: Artists Reframe the Black Figure im Philadelphia Museum of Art, in „The Box“ in Plymouth und in der National Portrait Gallery in London, „Entangled Pasts, 1768–now“ in der Royal Academy of Arts in London sowie „Women in Revolt!“ in den National Galleries of Scotland in Edinburgh und in der Tate Britain in London. Im Jahr 2020 war sie an der Ausstellung „Risquons-Tout“ im WIELS Contemporary Art Centre in Brüssel beteiligt.
Die Werke von Lubaina Himid befinden sich in zahlreichen musealen und öffentlichen Sammlungen. Dazu gehören die Tate in London, die British Council Collection, die Arts Council Collection, die UK Government Art Collection, das Victoria & Albert Museum in London, die National Museums Liverpool und die Whitworth Art Gallery in Manchester. Außerdem befinden sie sich in der Women’s Art Collection der University of Cambridge, im Museum Ludwig in Köln, im Musée cantonal des Beaux-Arts in Lausanne, im Museum of Modern Art in Warschau, im Van Abbemuseum in Eindhoven, im CAPC Musée d’art Contemporain de Bordeaux, im Guggenheim in New York, im Guggenheim Abu Dhabi, im Hammer Museum in Los Angeles, im Baltimore Museum of Art in Maryland, an der Rhode Island School of Design in Providence und in der Sharjah Art Foundation in den Vereinigten Arabischen Emiraten.
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| Lubaina Himid präsentiert im britischen Pavillon in Venedig eine Reflexion über Heimat und Zugehörigkeit |
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