New York, une grande exposition personnelle de Mark Bradford chez Hauser & Wirth

Du 13 avril au 28 juillet 2023, la galerie Hauser & Wirth, dans son espace new-yorkais, présente You Don’t Have to Tell Me Twice, une grande exposition personnelle de Mark Bradford (Los Angeles), l’un des grands noms de l’art contemporain américain. Il s’agit de la première exposition de l’artiste à New York depuis 2015, et il se lance dans une exploration profondément personnelle de la nature multiforme du déplacement et des forces prédatrices qui se nourrissent des populations mises en mouvement par la crise. Connu principalement pour son abstractionnisme social, Bradford s’est récemment tourné vers les figures, y compris les siennes, et a créé de nouvelles œuvres radicales dans lesquelles la flore et la faune évoluent dans des paysages abstraits denses et oniriques, des masses de matière, de couleur et de ligne.

Le premier étage de l’exposition comprend un groupe de peintures récentes influencées par l’ histoire de la tapisserie européenne et sa signification sociopolitique en tant que symbole de l’opulence extrême de l’aristocratie européenne et, par extension, de sa relation au pouvoir. Présentées ici pour la première fois depuis leur première exposition à la Fundação de Serralves à Porto à la fin de l’année 2021, ces œuvres sont complétées par de nouvelles peintures ressemblant à des tapisseries et se concentrant sur les espèces végétales et animales indigènes de la région de Blackdom, une colonie afro-américaine du début du XXe siècle fondée dans le désert du Nouveau-Mexique, loin de l’influence du Sud raciste. La figure centrale de ces peintures monumentales richement stratifiées est le principal prédateur du désert de Chihuahan, le jaguar (Panthera onca), le seul membre vivant du genre Panthera originaire des Amériques.

La juxtaposition des peintures dans les deux séries de tapisseries crée un lien fort entre l’histoire et le présent, suggérant que la période médiévale est une métaphore qui résonne pour les conflits modernes et les tensions sociales qui durent depuis des siècles et restent insolubles aujourd’hui. D’un point de vue formel, les œuvres de Bradford, qui ressemblent à des tapisseries, changent de perspective dans leur production : nous passons d’une vue aérienne du paysage urbain, familière dans son travail depuis le début des années 2000, à un point de vue interpersonnel qui met le public face à son monde allégorique de survie, de violence et de désir. Ce changement d’orientation majeur implique le spectateur dans la poursuite et constitue un point de départ dans l’œuvre de Bradford qui place la figure comme point de départ de son abstraction.

L’exposition présente également un groupe de toiles monumentales (dont la peinture éponyme de l’exposition, You Don’t Have to Tell Me Twice de 2023) qui poursuivent l’exploration continue de Bradford de la Grande Migration des Afro-Américains du Sud, peut-être le plus grand mouvement de population de l’histoire de la nation. Basées sur un tableau indiquant les distances de voyage entre les centres ferroviaires des États-Unis des années 1920, ces peintures présentent des nombres en grille et des noms de ville créés avec du papier oxydé et du mastic, formant un véritable paysage parallèle des États-Unis continentaux. Dans ces œuvres, la palette vibrante des tapisseries de Bradford cède la place à des tons plus doux de toile tachée et de papier oxydé, ainsi qu’à des gris sourds, des tons bronze et des blancs, dans une sobre évocation de l’urgence du déracinement face à la catastrophe. Les titres des tableaux rappellent une incarnation imaginaire (mais tout aussi résonnante et historiquement déchirée) du Sud, le comté fictif de Yoknaptawpha de William Faulkner, le cadre du Mississippi de presque tous les romans de Faulkner, à commencer par Sartoris en 1929.

Il y a également deux autoportraits. Death Drop, 1973 (une scène d’un film Super 8 que Bradford a réalisé à l’âge de 12 ans) représente l’artiste tombant comme s’il avait été touché par une balle. Le clip au ralenti tourne en boucle dans une galerie au deuxième étage du bâtiment. Trois étages plus haut se trouve Death Drop, 2023, une sculpture exagérée du corps de l’artiste positionné dans la pose iconique de la “chute de la mort” popularisée par la culture gay. Ensemble, les œuvres forment des signets autobiographiques qui déplacent l’attention du paysage naturel des peintures vers une figure qui s’enfuit à travers elles,

Né et élevé à Los Angeles, en Californie, Mark Bradford est surtout connu pour ses peintures à grande échelle qui explorent le potentiel sociopolitique de l’abstraction à travers une approche rigoureuse de la peinture. La pratique de Bradford examine les conditions politiques et environnementales qui continuent d’affecter de manière disproportionnée les populations marginalisées. Dans des cadres à la fois historiques et contemporains, Bradford a créé un ensemble significatif d’œuvres qui élucident ces questions, telles que l’épidémie de SIDA, la représentation erronée et la peur de l’identité queer, ainsi que le racisme systémique et institutionnalisé en Amérique.

Bradford a fait l’objet de nombreuses expositions internationales et a reçu de nombreux prix, notamment la médaille des arts du département d’État américain en 2014, une nomination à l’académie nationale en 2013 et une bourse MacArthur en 2009. En 2017, Bradford a représenté les États-Unis à la 57e Biennale de Venise. Parmi les commandes publiques de son œuvre, citons Pickett’s Charge, une installation monumentale spécifique au site pour le Hirshhorn Museum and Sculpture Garden à Washington, DC, et We The People, une œuvre spécifique au site pour la nouvelle ambassade des États-Unis à Londres, qui comprend 32 panneaux avec des textes sélectionnés de la Constitution des États-Unis.

Pour plus d’informations sur l’exposition, veuillez consulter le site web de Hauser & Wirth.

Image : Mark Bradford, Fire fire (2021 ; techniques mixtes sur trois panneaux, 346,4 x 687,7 cm)

New York, une grande exposition personnelle de Mark Bradford chez Hauser & Wirth

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