New York, da Hauser & Wirth una grande mostra personale di Mark Bradford

Dal 13 aprile al 28 luglio 2023, la galleria Hauser & Wirth, nella sua sede di New York, presenta You Don’t Have to Tell Me Twice, una grande mostra personale di Mark Bradford (Los Angeles), uno dei nomi di punta dell’arte americana contemporanea. Si tratta della prima mostra dell’artista a New York dal 2015, e vede l’artista intraprendere un’esplorazione profondamente personale sulla natura multiforme dello spostamento e sulle forze predatorie che si nutrono delle popolazioni spinte in movimento dalla crisi. Noto principalmente per il suo astrattismo sociale, Bradford ha recentemente rivolto la sua attenzione alle figure, inclusa la sua, e ha creato nuove opere radicali in cui flora e fauna si muovono all’interno di paesaggi astratti densi e onirici, masse di materia, colore e linea.

Il primo piano della mostra comprende un gruppo di dipinti recenti influenzati dalla storia dell’arazzo europeo e dal suo significato socio-politico, come simboli della massima opulenza dell’aristocrazia europea e, per estensione, del loro rapporto con il potere. Mostrate qui per la prima volta dalla loro prima esposizione alla Fundação de Serralves di Porto alla fine del 2021, queste opere sono integrate da nuovi dipinti simili ad arazzi incentrati su specie vegetali e animali autoctone dell’area intorno a Blackdom, un insediamento afroamericano dell’inizio del XX secolo fondato nel deserto del New Mexico, lontano dalla portata del Sud razzista. La figura centrale in questi quadri monumentali riccamente stratificati è il principale predatore del deserto di Chihuahan, il giaguaro (Panthera onca), l’unico membro vivente del genere Panthera originario delle Americhe.

La giustapposizione dei dipinti delle due serie di arazzi genera una forte connessione tra la storia e il presente, suggerendo che il periodo medievale è una metafora risonante dei conflitti moderni e delle tensioni sociali che si sono succedute per secoli e rimangono oggi intrattabili. In termini formali, le opere simili ad arazzi di Bradford spostano la prospettiva nella sua produzione: si passa dalla veduta aerea del paesaggio urbano a volo d’uccello, familiare nel suo lavoro fin dai primi anni Duemila, a un punto di vista interpersonale che mette il pubblico faccia a faccia con il suo mondo allegorico di sopravvivenza, violenza e desiderio. Questo importante cambiamento di orientamento coinvolge lo spettatore nell’inseguimento e costituisce un punto di partenza nel lavoro di Bradford che pone la figura come punto di partenza della sua astrazione.

La mostra presenta anche un gruppo di tele monumentali (tra cui il dipinto eponimo della mostra, You Don’t Have to Tell Me Twice del 2023) che continua l’esplorazione in corso di Bradford sulla Grande Migrazione degli afroamericani dal Sud, forse il più grande movimento di persone nella storia della nazione. Basati su un grafico che mostra le distanze di viaggio tra i centri ferroviari negli Stati Uniti degli anni Venti, questi dipinti presentano numeri a griglia e nomi di città creati con carta ossidata e mastice, formando un vero e proprio paesaggio parallelo degli Stati Uniti continentali. In queste opere, la vibrante tavolozza dei dipinti di arazzi di Bradford lascia il posto a toni più tenui di tela macchiata e carta ossidata e a grigi tenui, toni bronzei e bianchi in una sobria evocazione dell’urgenza di sradicarsi di fronte alla catastrofe. I titoli dei dipinti richiamano un’incarnazione immaginaria (ma altrettanto risonante e storicamente lacerata) del Sud, l’immaginaria contea di Yoknaptawpha di William Faulkner, l’ambientazione del Mississippi per quasi tutti i romanzi di Faulkner, a cominciare da Sartoris del 1929.

Ci sono anche due autoritratti. Death Drop, 1973 del 1973 (una scena tratta da un film in Super 8 diretto da Bradford all’età di 12 anni) ritrae l’artista mentre cade come colpito da un proiettile. La clip al rallentatore va in loop in una galleria al secondo piano dell’edificio. Tre piani sopra, ecco invece Death Drop, 2023 del 2023, una scultura esagerata del corpo dell’artista posizionata nell’iconica posa del “death drop” appunto, resa popolare dalla cultura gay. Insieme, le opere formano segnalibri autobiografici che spostano l’attenzione dal paesaggio naturale dei dipinti a una figura che fugge attraverso di essi,

Nato e cresciuto a Los Angeles, California, Mark Bradford è meglio conosciuto per i suoi dipinti di grandi dimensioni che esplorano il potenziale socio-politico dell’astrazione attraverso un approccio rigoroso alla pittura. La pratica di Bradford esamina le condizioni politiche e ambientali che continuano a influenzare in modo sproporzionato le popolazioni più emarginate. All’interno di strutture sia storiche che contemporanee, Bradford ha creato un corpus significativo di lavori che chiarisce questi problemi, come l’epidemia di AIDS, la falsa rappresentazione e la paura dell’identità queer e il razzismo sistemico e istituzionalizzato in America.

Bradford è stato ampiamente esposto a livello internazionale ed è il destinatario di numerosi premi tra cui la medaglia delle arti del Dipartimento di Stato degli Stati Uniti nel 2014, la nomina a National Academician nel 2013 e un MacArthur Fellowship Award nel 2009. Nel 2017, Bradford ha rappresentato gli Stati Uniti alla 57a Biennale di Venezia. Le commissioni pubbliche del suo lavoro includono Pickett’s Charge, un’installazione monumentale site-specific per l’Hirshhorn Museum and Sculpture Garden di Washington, e We The People, un’opera site-specific per la nuova ambasciata degli Stati Uniti a Londra che comprende 32 pannelli con testo selezionato dalla Costituzione degli Stati Uniti.

Per tutte le informazioni sulla mostra è possibile visitare il sito di Hauser & Wirth.

Immagine: Mark Bradford, Fire fire (2021; tecnica mista su tre pannelli, 346,4 x 687,7 cm)

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