Mark Rothko, la vie et l'œuvre de l'expressionniste abstrait le plus intime

Mark Rothko (Markus Yakovlevich Rothkowitz, en letton Markus Rotkovičs ; Daugavpils, 1903 - New York, 1970) est l’un des principaux représentants de l’expressionnisme abstrait, connu pour ses peintures à champs de couleurs réalisées entre 1949 et 1970 : Il s’agit, comme on le verra, de peintures dans lesquelles l’artiste utilise une seule couleur (ou une gamme très restreinte), dans un format rectangulaire, qui représentent la déclinaison probablement la plus intimiste du courant expressif qui s’est développé aux États-Unis d’Amérique après la Seconde Guerre mondiale et qui a compté parmi ses plus grands représentants des artistes tels que Jackson Pollock, Wllem de Kooning, Philip Guston, Arshile Gorky, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Joan Mitchell, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Hans Hofmann et bien d’autres encore.

Artiste d’origine lettone, il a quitté la Russie (à l’époque de sa naissance, la Lettonie où il est né faisait partie de l’Empire russe) à l’âge de dix ans avec sa famille pour émigrer aux États-Unis et s’installer à Portland, dans l’Oregon. Les œuvres de Rothko, et en particulier ses peintures en champs de couleurs, traduisent cette inquiétude et ce sens tragique de l’existence qui ont toujours accompagné sa vie, jusqu’au dernier moment (l’artiste s’est en effet suicidé), et ce en dépit de ses succès. Il a mené une vie plutôt modeste et retirée, bien qu’il ait été bien intégré dans les cercles culturels et artistiques de son époque et qu’il n’ait pas été un paria. Ses tableaux ont connu des hausses de prix vertigineuses depuis sa mort, à tel point qu’aujourd’hui Rothko est l’un des artistes dont les prix aux enchères atteignent les valeurs les plus élevées : il n’est pas rare qu’un tableau de Rothko atteigne des chiffres de l’ordre de plusieurs dizaines de millions de dollars.

Considéré comme le plus lyrique des expressionnistes abstraits, avec des peintures frôlant le mysticisme, Mark Rothko était convaincu que l’art était “une aventure dans un monde inconnu, qui ne peut être exploré que par ceux qui sont prêts à en prendre le risque” (comme il l’écrit dans son Manifeste publié le 13 juin 1943 dans le New York Times). La fonction des artistes, poursuit Rothko, est de “faire en sorte que le public voie le monde à notre manière, et non à la leur”. Et en ce qui concerne le. contenu des peintures, l’artiste souligne que “c’est une opinion largement acceptée parmi les peintres que ce que vous peignez n’a pas d’importance tant que c’est bien peint. C’est l’essence même de l’académisme. Il n’y a rien de mieux qu’une bonne peinture sur rien. Nous affirmons que le sujet est crucial et que seul le sujet tragique et intemporel est valable. C’est pourquoi nous professons une parenté spirituelle avec l’art primitif et archaïque”.

Vie de Mark Rothko

Markus Yakovlevich Rothkowitz, en letton Markus Rotkovičs, est né à Daugavpils, en Lettonie, le 25 septembre 1903, de Yakov, pharmacien, et d’Anna Goldin, dans une famille instruite d’origine juive et de croyances laïques. Benjamin d’une fratrie de quatre enfants, Rothko étudie néanmoins le Talmud après le retour de son père à la religion familiale et, à l’âge de dix ans, il émigre avec sa famille aux États-Unis, plus précisément à Portland, dans l’Oregon. Cependant, Yakov meurt quelques mois après son arrivée en Amérique : l’événement est traumatisant pour la famille et laisse les Rothko sans revenus. Mark, lui aussi, a été contraint de travailler dès son plus jeune âge en vendant des journaux (la mort de son père l’a également éloigné de la religion). Après avoir terminé l’école à Portland et appris l’anglais (sa quatrième langue : il parlait couramment le letton, le russe et le yiddish), il a commencé à étudier à l’université de Yale en 1921, puis s’est rendu à New York en 1924 pour s’inscrire à l’Art Students League, où il a étudié avec George Bridgman et Max Weber. En 1929, il commence à travailler comme professeur de peinture pour enfants à la Center Academy du Brooklyn Jewish Center, poste qu’il occupera pendant vingt ans.

En 1928, il expose à l’Opportunity Gallery, présentant des œuvres représentant des intérieurs lugubres et des scènes urbaines, qui sont accueillies favorablement par la critique et ses collègues. En 1932, il rencontre et épouse Edith Sachar, créatrice de bijoux. Dans les années 1930, il rencontre Milton Avery, un peintre qui le convainc que l’idée d’une carrière d’artiste est tout à fait possible pour Mark Rothko. Le succès ne se fait pas attendre : en 1933, Rothko présente sa première exposition personnelle au Museum of Art de Portland et répond peu après à New York, à la Contemporary Arts Gallery. En 1935, il rejoint Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Ralph Rosenborg, Louis Schanker et Joseph Solman pour former le groupe The Ten (“Les Dix”), dont le but est de réagir contre la peinture traditionnelle. En 1938, il parvient enfin à obtenir la nationalité américaine et, deux ans plus tard, préoccupé par la propagation de l’antisémitisme aux États-Unis également, il change son nom de Markus Rothkowitz en Mark Rothko (il évite de l’abréger en “Roth” car Roth est un autre nom de famille d’origine juive). Au cours de ces mêmes années, son style, d’abord très influencé par l’impressionnisme (Rothko peint principalement des scènes de la vie urbaine), commence à évoluer vers l’abstraction, de manière progressive. Entre la fin des années 1930 et 1946, ses peintures reflètent son intérêt pour des thèmes tels que la mythologie grecque et l’art primitif, en s’inspirant des œuvres de Joan Miró et d’André Masson (Rothko est en effet attiré par la théorie surréaliste de l’automatisme psychique, qu’il expérimente pour commencer à créer ses premières formes abstraites). Ses œuvres “surréalistes” ont été exposées pour la première fois à la galerie Art of This Century de Peggy Guggenheim à New York en 1945. Il avait divorcé de sa femme l’année précédente et s’était remarié avec Mary Alice Beistle en 1945.

En 1947, Rothko avait également mis fin à son expérience “surréaliste” pour se consacrer à des compositions non objectives. Le début des années 1950 voit l’élaboration des peintures de champs de couleurs, œuvres auxquelles Rothko parvient en peignant deux ou trois rectangles lumineux aux bords doux et flous, suspendus comme s’ils flottaient. Sa connaissance de l’art abstrait de Clyfford Still, l’un des premiers expressionnistes abstraits, a eu un impact décisif sur le développement de sa nouvelle poétique. En 1948, il fonde la Subjects of the Artist School à New York avec Robert Motherwell, William Baziotes, Barnett Newman et David Hare : Rothko y enseigne et participe à des publications. Entre-temps, son art a acquis une renommée internationale, à tel point qu’en 1950, il décide de faire un voyage en Europe (il est surtout impressionné par les fresques de Beato Angelico à San Marco de Florence, en raison de leur charge spirituelle, que Rothko sent très proche de sa propre sensibilité), tandis que ses expositions commencent à être organisées en Europe et en Asie. Le 30 décembre 1950 naît sa fille Kathy Lynn. En 1954, il expose à l’Art Institute of Chicago et, en 1958, il obtient sa première grande commande, une série de peintures pour le restaurant Four Seasons, qui deviendra l’une de ses œuvres les plus importantes (les Seagram Murals, ainsi connues parce que le restaurant était situé dans le Seagram Building). En 1958, il voyage à nouveau en Europe et, en 1961, il peint la peinture murale du Holyoke Center de l’université de Harvard, puis, de 1964 à 1967, il travaille à la chapelle de Houston, réalisant quatorze toiles qui constituent son chef-d’œuvre le plus célèbre(pour en savoir plus sur la chapelle de Houston de Rothko, cliquez ici). Entre-temps, en 1963, naît son deuxième fils, Christopher. En 1970, alors que sa dépression s’aggrave, l’artiste met fin à ses jours : il est retrouvé mort le 25 février 1970 par son assistant Oliver Steindecker, avec une coupure visible sur l’artère du bras droit, et écrasé par une overdose de barbituriques. Il n’a pas laissé de lettre de suicide.

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Le style de Mark Rothko

On peut distinguer trois phases clairement délimitées dans la carrière de Mark Rothko : une première jusqu’en 1940, une deuxième de 1940 à 1949 et une troisième à partir de 1949. Dans la première phase, l’artiste pratique une peinture figurative qui s’inspire à la fois de l’impressionnisme et de l’expressionnisme. Dans les premières années, Rothko se consacre principalement à des scènes de la vie urbaine, dont il exagère la tension et l’inquiétude, comme en témoigne Underground Fantasy de 1940, une scène qui se déroule dans un souterrain où les personnages sont des figures filiformes et inquiétantes, l’air perdu, qui errent près de piliers qui leur ressemblent. Avec ces œuvres, Rothko a probablement voulu exprimer sur la toile les préoccupations des États-Unis à l’époque de la Grande Dépression. Dans les années 1940, sa peinture évolue en intégrant des éléments de l’avant-garde surréaliste et en s’intéressant aux mythes. Ce changement de cap est inscrit noir sur blanc dans le Manifeste publié en 1943 dans le New York Times : les tableaux de cette période font référence à des épisodes célèbres de la mythologie et de la littérature antique (par exemple le Sacrifice d’Iphigénie de 1942 ou le Sacrifice de 1946 conservé à la Peggy Guggenheim Collection de Venise), mais il s’agit néanmoins de compositions déjà fortement orientées vers l’abstractionnisme. L’intention de Rothko, en effet, n’est pas de donner une représentation de l’épisode, mais plutôt d’en suggérer l’atmosphère. Les figures, exécutées avec des formes presque pures, colorées avec des fonds étirés et ombrés, ainsi que la division en bandes horizontales et le fond unicolore, anticipent les colour field paintings de la dernière phase de sa carrière. Dans cette phase, c’est surtout Joan Miró qui est la principale référence de Rothko, comme on peut le constater dans Sea Fantasy de 1946.

L’élaboration des Colour field paintings, réalisés avec des fonds rectangulaires disposés sur des fonds monochromes et avec des bords flous et évanescents, remonte à la fin des années 1940. Elle marque le début de ce que l’on appelle la “phase classique”, qui est la manière la plus connue et la plus populaire de Rothko. L’artiste a cessé de donner des titres conventionnels à ses œuvres et a même souvent résisté à ceux qui lui demandaient des explications, car il craignait que les mots ne nuisent à l’imagination du public. À partir de 1950, les peintures en champs de couleurs se stabilisent : de deux à quatre rectangles au minimum sur un fond monochrome. À partir de ce moment, Rothko travaillera exclusivement de cette manière, ne variant que le choix et la combinaison des couleurs. Bien que l’artiste n’explique guère ses œuvres, leur raison d’être réside dans le potentiel symbolique, métaphysique et intime de ces compositions. Il était en effet important pour Rothko d’amener le spectateur à un état de contemplation intime. Et pour ce faire, l’artiste considérait le grand format comme indispensable. “Je peins de grands tableaux, disait-il, parce que je veux créer un état d’intimité. Un grand tableau est un acte immédiat : il vous prend à l’intérieur de lui-même”. L’idée du peintre était donc d’impliquer émotionnellement le spectateur, et si quelqu’un allait jusqu’à pleurer devant l’une de ses toiles, alors l’artiste avait atteint son but, car le public ressentait la même expérience que lui lorsqu’il peignait les œuvres.

C’est pour cette même raison que Rothko a décidé de ne pas livrer les tableaux qui lui avaient été commandés pour les Quatre Saisons: il estimait qu’un tel lieu n’était pas adapté à l’exposition de ses œuvres. Aujourd’hui, les peintures du cycle se trouvent dans divers musées du monde entier. L’artiste aimait l’idée de trouver un cadre permanent pour les œuvres, afin qu’elles puissent être exposées dans un seul endroit, toutes ensemble, pour immerger le public dans son art. Tout en travaillant sur les peintures murales, Rothko se concentre de plus en plus sur une palette sourde (qui deviendra caractéristique des dix dernières années de sa carrière) de rouges, de bruns et de noirs. Le rêve ne se réalisera pas au Four Seasons, mais à la Houston Chapel (aujourd’hui Rothko Chapel: autrefois un lieu de culte catholique, il est aujourd’hui non confessionnel), où, à la demande des collectionneurs John et Dominique de Menil, il peindra des œuvres destinées à remplir l’espace, avec l’exigence spécifique qu’elles soient adaptées au site. La chapelle compte quatorze tableaux: trois triptyques sont disposés sur trois murs, tandis que les cinq autres présentent des tableaux individuels. Il s’agit d’œuvres aux tons sombres typiques de la dernière phase de la carrière de Rothko, très subtiles, créées pour créer une continuité précise entre l’œuvre et l’environnement et pour renforcer la spiritualité de la chapelle. Des œuvres qui, par essence, se prêtent bien à la méditation et à la contemplation, summa de l’ expérience de l’artiste américain.

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Où voir les œuvres de Mark Rothko

Les œuvres de Mark Rothko sont conservées dans des musées du monde entier, mais les principaux chefs-d’œuvre se trouvent aux États-Unis. Des noyaux importants d’œuvres de l’artiste américain se trouvent à la National Gallery of Art de Washington, au MoMA de New York, au Metropolitan Museum of Art, au Guggenheim, au MOCA de Los Angeles, au Museum of Fine Arts de Houston, au Whitney Museum of American Art de New York, au Portland Art Museum et au San Francisco Museum of Modern Art. La Rothko Chapel de Houston peut être visitée et, comme nous l’avons mentionné plus haut, elle abrite quatorze peintures in situ de l’artiste, ce qui constitue une manière unique de le connaître. En dehors des États-Unis, les œuvres de Rothko se trouvent à la Tate de Londres, au Guggenheim de Bilbao, au Centre Pompidou de Paris, à la Fondation Beyeler de Bâle (le musée suisse possède l’un des plus importants noyaux de Rothko en dehors de l’Amérique et organisera une importante exposition sur l’artiste en 2020), ainsi qu’au Rothko Center de Daugavpils en Lettonie, sa ville natale, qui a fondé un institut portant son nom où, outre une collection permanente exposant certaines de ses œuvres, des expositions et des rencontres sont régulièrement organisées.

Bien que Mark Rothko ait aimé l’Italie, il n’existe pas dans notre pays de musée exposant les œuvres de Rothko, à l’exception de la collection Peggy Guggenheim de Venise où se trouvent deux œuvres : Sacrifice de 1946 et Untitled (Red ) de 1968.

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