Vassily Kandinsky, entre spiritualisme et abstractionnisme. Vie, œuvres, traités

La peinture figurative a régné en maître depuis la Renaissance jusqu’en 1910, année où l’artiste russe Vassily Kandinsky (Moscou, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) a donné naissance à la célèbre Première aquarelle abstraite, considérée comme la première œuvre d’art abstrait de l’histoire de l’art (même si, comme nous le verrons plus loin, un récent débat sur la naissance de l’art abstrait pourrait lui retirer cette primauté). Ce que Kandinsky a conçu n’est pas un simple gribouillage, comme pourrait le penser un observateur abordant le sujet pour la première fois, mais témoigne plutôt du besoin des artistes de dépasser l’objectivité, en s’éloignant de cette dimension réelle qui conduit d’une image à l’autre. Dans ces années-là, d’importants changements se produisent dans l’art, en particulier dans le rapport avec les mécènes : les artistes, qui pendant des siècles avaient été liés à des commandes plus ou moins importantes et libres de ne traiter le sujet que jusqu’à un certain point (voire de répondre à des exigences précises), ont commencé à revendiquer une totale liberté d’expression à partir du 19e siècle. On assiste donc à une évolution progressive dont les racines se trouvent dans les siècles précédents.

Si, au XVIIIe siècle, ce sont les vêtements, les armoiries familiales et les bijoux qui caractérisent le portrait, avec Francisco Goya (Fuendetodos, 1746 - Bordeaux, 1828) apparaît déjà une nouvelle sensibilité à l’égard de l’individualité humaine. Au cours du XIXe siècle, l’individu a commencé à occuper une place de plus en plus centrale et fondamentale dans la recherche artistique, les sentiments et la psyché humaine ont été étudiés et les études sur la psychanalyse de Sigmund Freud (Freiberg, 1856 - Hampstead, 1939) sont devenues décisives. Si, au XIXe siècle, il reste fidèle à la figuration, c’est avec les aquarelles de Kandinsky qu’il s’éloigne plus nettement de la peinture traditionnelle, même si, comme on l’a dit, la primauté du peintre russe a été récemment remise en question dans un débat sur la naissance de l’art abstrait(en savoir plus sur la naissance de l’abstractionnisme). L’artiste, cependant, ne se contente pas de présenter son travail, mais veut aussi expliquer les raisons de son abandon de la figuration. C’est l’époque des grands traités, créés pour expliquer et motiver des choix et des prises de position. Kandinsky, qui combinera toujours son activité artistique avec une activité théâtrale remarquée, n’est pas seul, il est entouré de collègues qui sont d’accord pour mettre “fin” à une figuration qui n’est plus ressentie comme obligatoire, et qui avait éloigné l’artiste de ses propres besoins. Dans le même esprit, les recherches de Piet Mondrian (Amersfoort, 1872 - New York, 1944) et de Theo van Doesburg (Utrecht, 1883 - Davos, 1931), les deux pères fondateurs du néoplasticisme, vont dans le même sens. Les recherches de grands artistes tels que František Kupka, Kazimir Malevič, László Moholy-Nagy, Franz Marc, Paul Klee, sont également parallèles ; bien qu’il s’agisse d’artistes différents, avec des personnalités différentes, ils sont unis par le désir de rompre le lien avec la tradition, d’atteindre l’abstraction. Comme preuve d’un panorama artistique varié et complexe, il convient de rappeler que dans les mêmes années naissait en Italie l’Art Métaphysique de Giorgio De Chirico, un mouvement techniquement très lié à la dimension figurative, bien que la réalité représentée soit raréfiée et déformée, ainsi qu’habitée par des objets insolites.

Enfin, il faut rappeler que la plupart des artistes cités ont été contraints d’émigrer, de l’Allemagne où leurs recherches avaient trouvé un terrain fertile (il en va de même pour Kandinsky, présent en Allemagne jusqu’en 1933), vers des territoires moins hostiles dans les années qui ont précédé la Seconde Guerre mondiale, en gros entre 1933 et 1939, car avec l’avènement du nazisme, l’art non figuratif a été condamné comme un art dégénéré. À cet égard, l’exposition Entartete Kunst a été organisée à Munich en 1937 pour dénoncer tout art qui n’adhérait pas aux normes figuratives imposées par le régime (l’art abstrait n’y avait évidemment pas sa place, si bien que de nombreuses œuvres ont été retirées, confisquées et vendues ou détruites : lire un article détaillé sur l’art dégénéré selon les nazis ici).

Vassily Kandinsky en 1905

Biographie de Kandinsky. De la première aquarelle abstraite à un poste d’enseignant au Bauhaus

“Autrefois, le peintre était regardé de travers s’il écrivait - même s’il s’agissait de lettres. On avait même presque envie qu’il mange avec son pinceau au lieu d’une fourchette” (Vassily Kandinsky, Mes gravures sur bois, 1938).

Connu comme le père de l’abstractionnisme, Vassily Kandinsky est né à Moscou le 16 décembre 1866 dans une riche famille de marchands qui s’installe à Munich en 1870. Il commence à dessiner dès l’enfance, à la suite d’un voyage à Venise, puis obtient son diplôme de droit en 1892. En 1896, après avoir obtenu son diplôme de droit, il décide de se tourner vers l’art : cette année-là, il s’inscrit donc à l’Akademie der Bildenden Künste de Munich, où il est l’élève de Franz von Stuck. En 1889, pendant ses études de droit, il est chargé d’effectuer des recherches sur la Russie rurale : une formation que l’artiste conservera toujours. En 1901, il fonde le groupe Phalanx, qui promeut l’art Jugendstil, et l’année suivante, il expose pour la première fois avec les artistes de la Sécession berlinoise. En 1903, il se rend en Italie, puis en Russie, et en 1904, il expose à nouveau au Salon d’automne de Paris. En 1908, il achète sa maison à Murnau, en Bavière, qui deviendra un lieu de rencontre pour les artistes, et où il commence à faire ses premières expériences abstraites.

En 1909, il adhère à la Neue Künstlervereinigug München, Nouvelle association d’artistes de Munich, insatisfait du climat raréfié de la Sécession, trop proche des solutions impressionnistes et peu enclin à la modernité. Kandinsky commence à concevoir ses œuvres comme des impressions, des compositions et des improvisations, trois catégories dérivées de la sphère émotionnelle-intérieure que l’artiste, selon Vasily, doit prendre en compte. Ses théories convergent dans Le spirituel dans l’art, conçu en 1910 et publié à la fin de l’année 1911. C’est le premier traité qui traite de l’abstraction, à travers l’étude de la perception et des effets de la couleur chez le spectateur et évidemment chez l’artiste. Ces effets ne doivent pas être chargés par des éléments extérieurs, mais par l’intériorité, profonde et pure. Le traité justifie la décision de Kandinsky d’abandonner la figuration. En 1911, l’artiste est frappé par le Manuel d’harmonie, écrit par le compositeur Arnold Schönberg, avec lequel il finit par nouer une profonde amitié (en savoir plus sur la relation de Kandinsky avec Schönberg). Kandinsky décide de lui écrire une lettre : c’est le début d’une série de correspondances entre les deux hommes, qui en viendront à parler des dissonances dans l’art, des pensées non dénuées de contradictions, mais fondamentales en tant que point de départ de la modernité.

En 1911, Kandinsky fonde avec l’artiste Franz Marc le groupe Blaue Reiter (Cavalier bleu), rompant ainsi avec la Nouvelle association d’artistes. Il s’agit d’une expérience éphémère (de 1911 à 1914) mais efficace, qui exprime la vie des artistes qui l’ont rejointe : l’Autrichien Alfred Kubin, le Suisse Paul Klee, les Allemands August Macke et Gabriele Münter et le Russe Alexej von Jawlenskij en font également partie. Le groupe explore tous les domaines de la recherche artistique, musicale, poétique et graphique, d’où l’idée d’un art totalisant à laquelle Vasilij adhère. Une seconde période russe s’ouvre en 1914, qui offre à l’artiste une inspiration supplémentaire pour ses œuvres, mais qui, en même temps, fait mal paraître Kandinsky, dont l’art n’est pas apprécié dans son pays d’origine. En 1922, l’artiste s’installe à Berlin, où deux expositions personnelles de ses œuvres sont organisées, l’une à la galerie Goldschmidt-Wallerstein et l’autre à la Thannhauser de Munich. La même année, il s’éloigne de plus en plus de l’avant-garde suprématiste russe, abandonnant définitivement la règle et les lignes droites. Dans les années 1920, il est appelé comme professeur à l’école du Bauhaus de Weimar, fondée par l’architecte Walter Gropius, où Kandinsky enseigne la théorie de la forme et un atelier pratique de peinture murale. Le traité Point, ligne, surface, publié en 1926, résume les cours dispensés dans cette école. L’artiste y aborde les aspects psychologiques de la couleur dans la représentation picturale. Ce document a été rédigé au moment où le siège du Bauhaus était transféré à Dessau. En l’élaborant, Kandinsky tient compte des innovations apportées par les théories exprimées par l’historien de l’art Wilhelm Worringer dans Abstraction et Empathie, mais pas seulement : les deux hommes collaborent également à un certain nombre d’écrits. En 1933, l’école du Bauhaus est contrainte de fermer ses portes en raison de l’hostilité du régime nazi. Artiste, théoricien, pédagogue et mélomane, Kandinsky figure pourtant sur la liste des artistes dont l’art est considéré comme dégénéré par le régime nazi : Kandinsky, alors âgé de près de 70 ans, s’installe donc à Paris où il restera jusqu’à sa mort à Neuilly-sur-Seine le 13 décembre 1944. L’abstractionnisme ne s’achève pas avec la mort de Kandinsky : les artistes des nouvelles générations poursuivront le discours qu’il a entrepris, comme le courantexpressionniste abstrait américain, dont le plus grand représentant est Jackson Pollock, inventeur du dripping, une technique de peinture où le geste de l’artiste est subordonné à la tendance émotionnelle intérieure.

Vassily Kandinsky, Le cavalier (Saint-Georges) (1914-1915 ; huile sur carton, 61 x 91 cm ; Moscou, Galerie Tretiakov)

Vassily Kandinsky, Composition 8 (Komposition 8) (1923 ; huile sur toile, 140,3 × 200,7 cm ; New York, Solomon R. Guggenheim Museum)

Vasilij Kandinsky, Jaune-Rouge-Bleu (1925 ; huile sur toile, 128 × 201,5 cm ; Paris, Centre Pompidou)

Art et œuvres fondamentales

L’expérience du Balue Reiter éveille l’intérêt de Kandinsky pour une originalité pure, un art primitif, lié à la simple spontanéité du monde enfantin (" Chaque art, écrit Kandinsky dans Le son jaune publié dans un numéro de l’almanach Le cavalier bleu, a son propre langage, c’est-à-dire son médium particulier et exclusif. Chaque art est donc quelque chose de conclu. Chaque art a sa propre vie. C’est un domaine qui lui est propre"). La Première aquarelle abstraite rappelle, visuellement parlant, la dimension ludique des enfants, car l’instinct primordial est lui-même spontané et pur. Cependant, Kandinsky s’éloigne progressivement de la figuration. La Première aquarelle abstraite marque un tournant dans l’histoire de l’art, à commencer par la technique, car l’utilisation de l’aquarelle a toujours été considérée comme secondaire par rapport à la tempera ou à la peinture à l’huile, mais aussi par rapport à l’esquisse préparatoire. Ce qui intrigue Kandinsky, ce sont les possibilités offertes par cette technique : composée de substances qui sont ensuite diluées dans l’eau, elle offre aux artistes la possibilité d’obtenir des transparences, de renforcer la luminosité, grâce à des couleurs douces. Le peintre russe a continué à créer des œuvres éloignées de la figuration jusqu’à la fin de sa vie. Les principales influences de Kandinsky résident dans son regard vers les Symbolistes, mais aussi les œuvres de Vincent van Gogh, Paul Gauguin, et sont également attentives à la décomposition dramatique de l’Expressionnisme allemand. Mais si aux yeux de nos contemporains son art est apprécié, au contraire, les critiques de l’époque ont attaqué Kandinsky souvent même avec virulence. Il y a deux positions à son égard : l’une d’appréciation et d’admiration pour la portée novatrice de son art, l’autre de contestation et de mépris. L’artiste a été accusé à plusieurs reprises par ses contemporains de créer des œuvres froides et sans logique ; si le coup de grâce a été donné par le régime nazi, consacrant son art (et celui de nombreux autres grands artistes) comme dégénéré, il n’a jamais cessé de peindre, continuant à véhiculer les idéaux d’une simplicité non figurative.

Kandinsky s’est également laissé influencer par des sources extérieures au monde des arts visuels, à commencer par la musique. En effet, tout au long de sa vie, il a entretenu une correspondance avec le compositeur Arnold Schönberg, témoignage fondamental pour reconstituer les moments forts de l’évolution de la pensée de l’artiste. Le peintre jouait du violoncelle depuis son enfance et ce n’est pas un hasard s’il a intégré dans sa conception de l’art les découvertes du musicien sur la dissonance. Une amitié se noue entre les deux hommes, qui s’interrompt avec la guerre. L’influence musicale est si importante qu’elle peut être placée au même niveau d’importance que celle des arts visuels. Le projet de Kandinsky était de créer un art évocateur, capable de s’éloigner de l’observation de la réalité pour s’installer sur le plan des états d’âme, où les analogies entre les notes de musique et les couleurs sont fondamentales (pour l’artiste russe, les couleurs, comme les notes, correspondent à des états d’âme) : "Les grands et les petits problèmes de la peinture, écrit Kandinsky dans son livre fondateur Le spirituel dans l’art, dépendent de l’intériorité. Le chemin que nous empruntons, et qui est notre plus grande chance, nous conduira à nous appuyer non plus sur l’extériorité, mais sur son contraire : la nécessité intérieure".

Vassily Kandinsky, Première aquarelle abstraite (1910 ; aquarelle, crayon et encre de Chine sur papier, 49,6 x 61,8 cm ; Paris, Centre Pompidou)

Vasily Kandinsky, Impression III (Concert) (1911 ; huile sur toile, 77,5 x 100 cm ; Munich, Städtische Galerie im Lenbachhaus)

Vasilij Kandinsky, Bühnenentwürfe zu Musorgsky (1928 ; tempera et aquarelle sur papier, 21,2 x 27,3 cm ; Cologne, Theaterwissenschaftliche Sammlung Schloss Wahn)

Où voir les œuvres de Vassily Kandinsky ?

Il existe plusieurs œuvres de Kandinsky en Italie. Pour les voir, il faut se rendre au GaMeC de Bergame, à la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea de Rome, où est conservée Angular Line, l’un des exemples les plus significatifs de l’abstractionnisme. Kandinsky est également présent à Venise, à la Galleria Internazionale d’Arte Moderna Ca’ Pesaro et dans la Peggy Guggenheim Collection, où sont conservées plusieurs œuvres de la période 1913-29. Plusieurs œuvres du peintre russe peuvent également être admirées à Milan, au Museo del Novecento, et au MART de Rovereto: en particulier, au MART, cinq œuvres et une aquarelle de 1925.

À l’étranger, ses œuvres sont présentes dans plusieurs pays, mais au Lenbachhaus de Munich, de nombreuses œuvres de l’artiste sont conservées, en particulier de la période du Cavalier bleu. D’autres œuvres importantes se trouvent au Musée d’État russe et à l’Ermitage de Saint-Pétersbourg, ainsi qu’à la galerie Tret’jakov de Moscou. Le Centre Pompidou , à Paris, possède également un grand nombre d’œuvres de Kandinsky.

L’un des premiers collectionneurs d’œuvres de Kandinsky a été l’un des pères fondateurs de la Fondation Guggenheim, Solomon R. Guggenheim, qui a commencé à acheter des œuvres de Vassily dès 1929, ce qui lui a permis d’en accumuler un nombre considérable. Le Guggenheim de Bilbao a organisé une grande rétrospective consacrée à l’artiste entre 2020 et 2021, dans le cadre de laquelle il a également lancé une visite virtuelle accessible via le site web de l’institut. Récemment, le moteur de recherche Google a lancé une nouvelle application intitulée Play a Kandinsky, qui permet d’entendre les sons des couleurs de ses œuvres.

Vassily Kandinsky, entre spiritualisme et abstractionnisme. Vie, œuvres, traités

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