Paul Klee, la vie, l'œuvre et le style du peintre abstrait

Paul Kle e (Ernst Paul Klee ; Münchenbuchsee, 1879 - Muralto, 1940) est l’un des principaux représentants du mouvementabstrait du début du XXe siècle. Artiste aux multiples facettes, il s’est aventuré avec succès dans diverses disciplines jusqu’à ce qu’il trouve sa véritable expression dans la peinture. Klee a grandi dans un environnement où la musique était omniprésente : il n’est donc pas surprenant qu’il ait considéré ses peintures comme une composition musicale.

Au cours de sa vie, Klee est entré en contact avec plusieurs grands maîtres, qu’il a rencontrés en personne ou à travers leurs chefs-d’œuvre, réinterprétant et réfléchissant à leurs œuvres et à la peinture d’une manière très personnelle. Il a également fait partie du célèbre groupe Der Blaue Reiter (“le chevalier bleu”), qui s’inscrivait dans le courant plus large de l’expressionnisme allemand. Nous connaissons plusieurs détails de sa vie grâce à une série d’écrits autobiographiques, intitulés “Journaux”, qui nous accompagnent tout au long de l’existence de Paul Klee, de ses différents voyages entre la Suisse et l’Allemagne, à son service militaire pendant la Première Guerre mondiale, en passant par sa maladie, sans jamais cesser de peindre.

La vie de Paul Klee

Ernst Paul Klee est né le 18 décembre 1879 à Münchenbuchsee, une petite ville suisse près de Berne. Son père, Hans Klee, était un professeur de musique allemand et sa mère, Ida Frick, une chanteuse d’opéra suisse. Dès son plus jeune âge, Klee a donc été en contact direct avec la musique et a été encouragé par son père à en étudier les rudiments. Cette formation l’accompagnera tout au long de son parcours artistique dans le domaine de la peinture. Dès l’enfance, Klee s’initie au dessin grâce à sa grand-mère maternelle, tout en prenant ses premières leçons de violon et en écrivant quotidiennement des poèmes, démontrant dès son plus jeune âge des aptitudes et des passions multiples qu’il ne cessera de cultiver tout au long de sa jeunesse. Plus tard, il rejoint l’Orchestre symphonique de Berne en tant que violoniste.

En 1899, la famille Klee déménage à Munich, dans le quartier des artistes. Klee continue à s’essayer à tous les arts sans en privilégier un en particulier, jusqu’à ce qu’il décide de s’inscrire à l’Académie des beaux-arts, mais il doit alors fréquenter une école de dessin privée, car il n’a pas été admis à l’Académie en raison de ses lacunes dans la matière du dessin de figures. Pendant cette période, Klee entame une nouvelle recherche artistique personnelle, se concentrant davantage sur la ligne que sur la couleur, jusqu’à ses premières expériences de gravure. En 1900, il parvient à s’inscrire à l’Académie, où il suit les cours d’un étudiant russe destiné comme lui à devenir un grand nom de l’abstractionnisme : Vassily Kandinsky. Au cours de ses études, il entre également en contact avec le courant Jugendstil, la version allemande de l’Art nouveau. En outre, l’un des professeurs de Klee était Franz von Stuck, fondateur de la première Sécession munichoise. La figure de Von Stuck a eu une telle influence sur Klee qu’il a accepté le conseil de son professeur de se rendre en Italie. Klee resta quelques mois dans notre pays, visitant diverses villes et étant fasciné par les chefs-d’œuvre artistiques et les paysages, avant de partir à contrecœur pour rentrer à Berne. Une fois rentré, Klee poursuit ses études en autodidacte tout en suivant un cours du soir sur le nu et l’anatomie plastique.

Entre 1903 et 1905, l’artiste réalise une série d’eaux-fortes intitulée Inventions, dans laquelle se mêlent images réelles et fantastiques (des êtres aux traits grotesques et déformés apparaissent). Au cours de ces années, Klee a également l’occasion de visiter Paris, où il rencontre les impressionnistes, et d’étudier plusieurs graveurs, dont Francisco Goya et ses Capricci, très proches de ses Inventions. En 1906, il expose les Inventions à l’exposition de la Sécession à Munich, et le caractère unique de la collection intrigue plusieurs critiques. La même année, Klee épouse Caroline “Lily” Stumpf, une pianiste qu’il avait rencontrée quelques années auparavant, et leur unique enfant, Felix, naît l’année suivante. Klee est un père très attentif et présent dans la vie de son fils, et il consacre souvent du temps et de l’énergie à l’art pour s’occuper de la santé de son petit garçon. Dans les journaux intimes, on peut lire que Klee considère cette période comme celle de sa maturité stylistique. Au cours de ces années, il réalise de très petites peintures miniatures, dont le format est probablement davantage dû à la taille du minuscule appartement dans lequel il a emménagé avec sa famille à Munich qu’à un choix stylistique particulier.

En 1908, il participe à une exposition de la Sécession munichoise avec quelques tableaux dans lesquels on peut voir une certaine inspiration de Vincent van Gogh, dont il avait vu l’exposition. Un autre artiste qui a influencé l’œuvre de Klee dans les années qui ont suivi est Paul Cézanne, dont les tableaux de 1908 à 1911 représentent des paysages en plein air. Klee a d’ailleurs explicitement écrit qu’il considérait Cézanne comme son maître. En 1911, l’entourage de Klee l’amène tout d’abord à créer le groupe Sema avec Schiele et Kubin, dans le but de trouver la réduction essentielle des éléments. Plus tard, il rejoint August Macke, Franz Marc et Vasily Kandinsky dans le célèbre groupe Der Blaue Reiter, initialement connu sous le nom de Neue Künstlervereinigung (“Nouvelle Union des Artistes”), qui vise à créer un réseau de soutien pour les jeunes peintres de Munich. Klee expose avec les autres membres de Der Blaue Reiter lors de la deuxième exposition organisée par le collectif. En 1913, il adhère également à la Nouvelle Sécession de Munich.

L’année 1914 est marquée par un épisode fondamental pour le développement artistique de Klee, en particulier pour son rapport à la couleur: cette année-là, il entreprend un voyage de deux semaines à Tunis et Hammamet en compagnie de Macke et de Louis Moilliet. Dès lors, Klee commence à utiliser dans ses tableaux des tons chauds et lumineux, typiques des paysages tunisiens. Il écrit dans son journal que c’est la période la plus heureuse de sa vie, car il ne se sent pas inquiet et se définit comme un peintre, en contact profond avec la couleur. En 1916, à l’âge de trente-six ans, il est appelé à servir pendant deux ans dans la Première Guerre mondiale, échappant de peu au front en raison de la mort d’autres artistes sur le terrain, le roi de Bavière ayant décidé de ne plus envoyer de peintres munichois au combat. Malgré ses engagements pendant son service, il continue à peindre de manière assez prolifique. À la fin de son service militaire, il retourne en Suisse et, en 1920, Walter Gropius l’appelle au Bauhaus de Weimar en tant que professeur de peinture. Dans ses cours, Klee accorde autant d’importance à la formation scientifique qu’à l’aspect poétique de la peinture et trouve un grand écho auprès de ses étudiants. Cependant, Klee est toujours resté quelque peu distant en tant que professeur, soulignant en quelque sorte l’idée de ne pas avoir affaire à de vrais artistes. Gropius l’a qualifié d’“instance morale extrême du Bauhaus”.

En 1924, le Bauhaus, et donc Klee, est transféré à Dessau en raison des hostilités qui ont éclaté à Weimar. Klee continue d’enseigner, mais s’absente de plus en plus souvent pour voyager en Suisse et en France et pour peindre, ce qui lui vaut les critiques de la direction du Bauhaus pour son manque de constance. L’engagement en tant qu’enseignant devenant trop pressant pour Klee, il quitte le Bauhaus et cherche d’autres institutions où il pourrait enseigner à un rythme plus lent. Il arrive à l’Académie de Düsseldorf en 1931. L’expérience ne dure cependant que quelques années, jusqu’à ce qu’il soit contraint de démissionner par le régime nazi et de retourner dans sa ville natale, où il continue à peindre des œuvres aux tons tristes et sombres, clairement influencées par les horreurs de la Seconde Guerre mondiale. Malgré cela, la popularité de Klee dans ces années est bien établie et consacrée par une série d’expositions à succès dans toute l’Europe, de Londres à la France, et même à l’extérieur, jusqu’aux États-Unis. Le régime nazi n’a pas vu d’un bon œil le consensus que Klee était en train de gagner et a inclus ses œuvres dans la liste des artistes “dégénérés” à censurer (pour en savoir plus sur l’art dégénéré, cliquez ici), retirant toutes ses œuvres des musées allemands. L’affection de nombreux artistes qui, solidaires de ce qui se passait, sont allés lui rendre visite en Suisse, lui a donné l’élan nécessaire pour continuer à exécuter des œuvres expérimentales. Il n’a jamais cessé de peindre pendant ces années, bien qu’il ait commencé à ressentir les premiers symptômes d’une sclérodermie progressive qui l’affaiblissait de plus en plus. Au fur et à mesure que son état de santé se détériorait, il a été transféré dans des cliniques près de Locarno. Il meurt à Muralto, près de Locarno, le 29 juin 1940, quelques mois après avoir perdu son père.

Le style de Klee

Paul Klee était un artiste très prolifique qui a exploré différentes techniques et matériaux de peinture: il a réalisé des dessins, des gravures, des eaux-fortes, des peintures à l’huile, des aquarelles, des pastels, sur de nombreux supports allant de la toile au bois, en passant par le carton et le lin. Il fabrique ou retravaille divers outils, tels que les pulvérisateurs de peinture ou le compas utilisé sans mine pour tracer des formes circulaires sur la toile, afin d’obtenir le résultat souhaité. Pour Klee, il est fondamental de donner forme à ce qui n’est pas visible. "L’art, disait le peintre, ne représente pas le visible, mais rend visible ce qui ne l’est pas. Par rapport à l’abstraction de Kandinsky, l’abstraction de Klee repose sur d’autres bases : les œuvres de Klee n’abandonnent pas complètement la figuration. Son idée est plutôt de comprendre l’origine des formes.

Les œuvres de Klee s’inscrivent dans le courant de l’abstractionnisme, un mode de représentation dans lequel la réalité n’est pas reproduite de manière traditionnelle, mais un raisonnement est rendu, que les différents artistes étudient de manière personnelle, en essayant d’en identifier les mécanismes les plus profonds.Sur les toiles abstraites, en effet, on trouve des formes et des couleurs qui constituent l’équivalent d’éléments naturels, même s’ils sont complètement différents des éléments réels. Paul Klee arrivera progressivement à l’abstractionnisme au cours de sa vie artistique, mais dès ses premières œuvres, on peut remarquer la présence d’éléments non réels, même s’ils sont encore rendus par des formes canoniques de dessin. En fait, la première production se concentre sur des gravures entièrement figuratives qui témoignent d’une remarquable capacité d’imagination et de fantaisie combinée à un haut niveau de technique. C’est ce que démontre le recueil Inventions, où l’on trouve comme sujet principal des figures fantastiques qui combinent réalité et imagination en exacerbant certains détails, jusqu’à toucher au grotesque et à la caricature. Sous la représentation de ces éléments, Klee cache en réalité une critique voilée de la bourgeoisie. Voir par exemple Komiker (1904),

Pendant une période, entre 1908 et 1911, la nature est présente dans une série de dessins de paysages explicitement inspirés de Cézanne, dont il se distingue cependant par le fait que les formes sont analysées symboliquement et non rendues par une reproduction objective. L’adhésion au groupe Der Blaue Reiter est l’impulsion qui conduit Klee à une réflexion sur la lumière et la couleur qu’il n’a pas encore totalement résolue. Il la trouvera trois ans plus tard, loin de chez lui, lors de son voyage en Tunisie en 1914. C’est le véritable tournant dans la peinture de Klee, qui embrasse enfin la couleur dans sa totalité et se sent peintre à part entière. Les formes, dans les œuvres de cette période, sont présentes mais de manière très symbolique et évocatrice. Voir par exemple Dômes rouges et blancs de 1914, où Klee reprend les suggestions visuelles issues de son contact avec le paysage architectural tunisien, fait de grappes denses de maisons, à travers une grille de blocs de couleurs vives juxtaposées. Cet expédient reviendra très souvent dans les œuvres ultérieures de l’artiste suisse.

Cet équilibre entre couleur et symbolisme reste présent dans les œuvres qu’il réalise pendant la Première Guerre mondiale, comme In Front of the Gaslamp (1915), où ses expérimentations en la matière atteignent leur apogée. Ce tableau présente en outre une caractéristique stylistique précise de Klee : un “tableau dans le tableau”, comme s’il s’agissait d’un deuxième cadre, créé en dessinant un rectangle dans lequel est insérée la scène principale.

Ses années d’enseignement au Bauhaus l’ont amené à se confronter au rationalisme, dont il s’est inspiré sans toutefois s’y impliquer totalement, poursuivant ses recherches sur la couleur. Prenons l’exemple de Séparation dans le soir (1922) où les éléments sont placés dans l’espace de manière rationnelle et pourtant ne semblent pas immobiles, mais semblent se mouvoir dans l’espace en augmentant et en diminuant. À partir de là, nous pouvons identifier de manière encore plus explicite la relation très profonde de l’artiste avec la musique. En effet, dans l’œuvre en question et dans de nombreux autres tableaux, Klee reproduit des schémas typiques d’une composition musicale, tels que les gammes de notes ou la propagation des vibrations. Voir par exemple Fugue en rouge (1921), qui révèle déjà dans son titre un lien avec ce monde et le rend encore plus explicite par la présence de figures qui vibrent comme s’il s’agissait d’une émanation sonore.

Vers la fin des années 1920, Klee réalise deux œuvres, parmi les plus célèbres, dans lesquelles il semble avoir atteint un équilibre entre tous les éléments qui avaient caractérisé ses peintures jusqu’alors : le soleil (à la fois par la forme circulaire et par la luminosité), les blocs disposés en grille, les combinaisons de couleurs, le rythme musical, les paysages architecturaux tunisiens, trouvent leur accomplissement et leur sublimation dans Château et soleil de 1928 et Rues principales et secondaires de 1929. La dernière période de la vie et de l’art de Klee, comme nous l’avons vu plus haut, est conditionnée par une série d’événements négatifs, entre l’avènement du nazisme et les premiers signes de la maladie. Ce n’est pas un hasard si, dans les œuvres de cette période, on voit apparaître de grandes marques noires et sombres aux tonalités inquiétantes, qui se déchaînent sur des couleurs denses et douces. La Révolution du viaduc et Regard sur le rouge, tous deux peints en 1937, sont des œuvres que Klee a peintes jusqu’au dernier jour de sa vie. On dit d’ailleurs qu’à sa mort, il y avait encore un tableau en cours sur son chevalet.

Où voir les œuvres de Klee

À Berne, en Suisse, a été créé le Zentrum Paul Klee, un musée consacré à la connaissance de l’œuvre de l’artiste. Outre 40 % de l’ensemble des œuvres de Klee, ce musée abrite un institut de recherche consacré au peintre. La collection permanente du Zentrum comprend également des œuvres d’autres artistes, qui en ont fait don à Klee et qu’il a donc conservées parmi ses biens privés, notamment des peintures de Kandinsky et de Marc. Le musée a été inauguré en 2005 dans un bâtiment construit sur la base d’un projet de Renzo Piano.

Un autre noyau important d’œuvres est conservé au Kunstmuseum, également à Berne, et dans des collections privées. D’autres œuvres se trouvent en Allemagne, à Bâle (Kunstmuseum), Düsseldorf et Munich, à Madrid et à Rome (Galerie nationale d’art moderne). En dehors de l’Europe, il est possible d’admirer certaines peintures de Klee dans les grands musées de New York (Metropolitan Museum of Modern Art et Museum of Modern Art). En Italie, hormis les deux tableaux de la collection Peggy Guggenheim à Venise (Portrait de Frau P. dans le Sud et Jardin magique), il n’y a pas d’œuvres de Klee, mais plusieurs expositions ont été organisées, dont “Klee et l’Italie” qui s’est tenue en 2013 à la Galerie nationale d’art moderne de Rome et “Klee et le primitivisme” au Museo delle Culture de Milan entre 2018 et 2019(lire le compte-rendu ici).

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