Un chef-d’œuvre d’Artemisia Gentileschi (Rome, 1593 - Naples, après 1654) s’apprête à revenir sur le devant de la scène internationale. En effet, le 4 février 2026, Christie ’s proposera dans sa vente de maîtres anciens à New York l’Autoportrait en Sainte Catherine d’Alexandrie du peintre du XVIIe siècle, avec une estimation comprise entre 2,5 et 3,5 millions de dollars (2,15 - 3 millions d’euros). L’œuvre, peinte à l’huile sur panneau et de petite taille (32,3 x 24,6 cm), est considérée comme l’un des cinq autoportraits authentiques connus à ce jour du plus célèbre peintre européen du XVIIe siècle et probablement aussi le plus ancien dans l’ordre chronologique.
Le tableau date des années qui ont suivi l’installation d’Artemisia à Florence en 1613, alors que l’artiste était âgée d’une vingtaine d’années. Cette période marque un tournant décisif dans sa vie et sa carrière : loin de Rome et de la figure encombrante de son père Orazio Gentileschi, Artemisia trouve dans la cité des Médicis l’espace pour affirmer sa propre identité professionnelle et personnelle. C’est à Florence que, selon la célèbre définition de l’historien de l’art Keith Christiansen, s’est déroulé le processus par lequel Artemisia “est devenue Artemisia”, une phase de maturation qui l’a transformée en une peintre autonome, cultivée et déterminée.
Née à Rome en 1593, Artemisia est l’aînée d’Orazio Gentileschi, un peintre formé par le Caravage qui a supervisé son éducation artistique après la mort prématurée de sa mère lorsque la fille avait douze ans. Contrairement à ses frères et sœurs, Artemisia grandit dans des conditions très restrictives : en tant que jeune femme célibataire, il lui est interdit de se déplacer librement dans la ville, ce qui a des conséquences évidentes sur son accès aux cercles artistiques et à l’étude directe des œuvres. Malgré cela, son talent s’est manifesté très tôt. À l’âge de seize ans, elle peint déjà de manière indépendante et, en 1612, Orazio écrit à Christine de Lorraine, grande-duchesse de Toscane, pour lui dire que sa fille est “sans pareille”.
Sa jeunesse est marquée par le traumatisme d’un viol commis en 1611 par Agostino Tassi, collègue de son père. Le procès qui s’ensuit, en 1612, oblige Artemisia à témoigner sous la torture pour confirmer les accusations. Le lendemain du verdict, la jeune femme épouse Pierantonio Stiattesi et s’installe avec lui à Florence, entamant ainsi une nouvelle phase de son existence. C’est dans ce contexte qu’a été réalisé l’Autoportrait en sainte Catherine d’Alexandrie , qui sera mis aux enchères.
Artemisia s’y représente en sainte martyre du IVe siècle, reconnaissable à ses attributs traditionnels : la palme du martyre, la couronne qui rappelle son origine royale et la roue brisée hérissée de clous, symbole de la torture. Le cadrage est serré, presque intime. Le visage occupe une grande partie de l’espace pictural et attire le regard de l’observateur par une expression résolue et concentrée. La pose suggère que l’artiste travaillait devant un miroir, une solution qu’Artemisia adoptera également dans d’autres autoportraits peints dans les mêmes années.
Cet autoportrait appartient à un groupe très restreint d’œuvres dans lesquelles Artemisia donne une image fidèle de ses propres traits. Il est accompagné d’un Autoportraiten martyr conservé dans une collection privée, d’un Autoportraiten joueuse de luth conservé au Wadsworth Atheneum de Hartford, d’un autre Autoportrait en sainte Catherine d’Alexandrie conservé à la National Gallery de Londres et d’un Autoportrait plus tardif conservé à la Galleria Nazionale d’Arte Antica au Palazzo Barberini de Rome. Les traits caractéristiques du visage de l’artiste reviennent dans toutes ces peintures : les lèvres incurvées, la mâchoire pleine, le relief caractéristique à l’arrière du nez, les sourcils marqués au-dessus des yeux lourds. Ces détails se retrouvent également dans d’autres témoignages iconographiques, comme la gravure de Jérôme David, une médaille en bronze du XVIIe siècle et le portrait peint par Simon Vouet conservé au Palazzo Blu de Pise.
La période florentine est celle où Artemisia utilise le plus l’autoportrait comme moyen d’affirmation et de promotion. Consciente de la valeur de sa propre image dans un contexte de concurrence et de domination masculine, l’artiste a adopté des stratégies que nous qualifierions aujourd’hui d’entrepreneuriales. Comme l’a souligné le chercheur Christopher Marshall, Artemisia manipule les conventions du portrait pour rendre son propre visage instantanément reconnaissable et le lier à sa réputation artistique. Dans une ville où il existait une longue tradition d’autoreprésentation des artistes, la peintre a su exploiter ce langage avec intelligence et audace.
L’Autoportrait en sainte Catherine d’Alexandrie est étroitement lié à un autre tableau presque identique en termes de taille et de support, l’Autoportrait en martyr. Tous deux sont exécutés sur panneau, un support inhabituel pour Artemisia, qui utilisait probablement de petits panneaux de noyer reçus d’artisans locaux, comme l’attestent certaines sources d’archives. Les analyses techniques et les réflectogrammes infrarouges ont révélé que la composition a subi des changements au cours de l’œuvre : au départ, le tableau était conçu comme un simple autoportrait profane, qui s’est ensuite transformé en image dévotionnelle avec l’ajout des attributs du saint. Un processus similaire peut être observé dans l’exemple londonien, ce qui suggère qu’Artemisia a adapté ses images en fonction des demandes de ses mécènes.
La provenance de l’œuvre contribue également à sa valeur. Achetée à Livourne au siècle dernier par un collectionneur privé de Pise, elle est restée dans la même famille jusqu’en 2016, avant de passer sur le marché européen puis à New York, où l’actuel propriétaire l’a acquise en 2018 par l’intermédiaire de Murphy & Partners. Entre 2022 et 2025, le tableau a été exposé en prêt au Nasjonalmuseet d’Oslo, tandis qu’une demande a déjà été faite pour l’inclure dans la grande exposition Artemisia Gentileschi : The Triumph of Painting, prévue à la Nivaagaard Collection au Danemark en 2028.
La solidité attributive de l’œuvre est confirmée par un large consensus critique. Des spécialistes tels que Sheila Barker, Keith Christiansen, Jesse Locker, Christopher Marshall et Judy Mann ont reconnu sa paternité et l’ont incluse de manière permanente dans le catalogue de l’artiste. Les nombreuses citations dans la littérature scientifique et la présence dans d’importantes expositions internationales renforcent le profil d’un tableau qui allie qualité picturale, rareté et puissance symbolique.
En proposant cet autoportrait aux enchères, Christie’s met sur le marché non seulement une œuvre d’une valeur exceptionnelle, mais aussi un témoignage essentiel de la construction de l’identité d’Artemisia Gentileschi. Dans une image qui mêle autoreprésentation et iconographie sacrée, la peintre s’affirme en tant qu’artiste et en tant que femme, transformant son visage en un instrument de narration, de résilience et d’ambition. Une œuvre qui incarne, en quelques centimètres de panneau peint, le début d’une carrière destinée à marquer profondément l’histoire de l’art européen.
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| Un autoportrait rarissime d'Artemisia Gentileschi, vedette de la vente aux enchères de Christie's |
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