Soixante ans d'art italien exposés à Carrare, de Morlotti à la Transavanguardia jusqu'à aujourd'hui

Du 5 août au 30 octobre 2022, Vôtre Spazi Contemporanei à Carrare organise deux expositions (vernissage le 5 août à 21h) au Palazzo del Medico sur la Piazza Alberica: l’exposition collective Lumières d’été, sous le commissariat de Nicola Ricci et Federico Giannini, et l’exposition personnelle du sculpteur Novello Finotti. Lumières d’été réunit les œuvres de vingt-quatre artistes et s’inscrit dans une série d’expositions sur les tendances de la peinture et de la sculpture italiennes des années 1950 à nos jours que Vôtre organise depuis plusieurs années (la dernière dans l’ordre chronologique était l’exposition Uguali Disuguali qui s’est tenue entre novembre et janvier).

Lumières d’été, à partir du 70e anniversaire de la fondation du Gruppo degli Otto (Groupe des Huit), qui proposait une troisième voie entre abstraction et réalité alors que le débat entre abstractionnistes et figuratifs faisait rage, retrace quelques-uns des principaux événements qui ont affecté l’art italien depuis 1952, en exposant certaines des œuvres d’art les plus importantes des années 1950.L’art italien depuis 1952, en exposant les œuvres de deux membres de l’Otto, Antonio Corpora (Tunis, 1909 - Rome, 2004) et Ennio Morlotti (Lecco, 1910 - Milan, 1992) jusqu’au début des années 2000, à travers la présence de peintures et de sculptures présentant des recherches sur la lumière et la couleur. De l’abstractionnisme géométrique de Piero Dorazio (Rome, 1927 - Pérouse, 2005) au spatialisme de Turi Simeti (Alcamo, 1929 - Milan, 2021) et de Dadamaino (Edoarda Emilia Maino ; Milan, 1930 - 2004), de la peinture objective de Mario Schifano (Homs, 1934 - Rome, 1998) au néo-surréalisme d’Aldo Mondino (Turin, 1938 - 2005), de la Transavantgarde de Sandro Chia (Alessandro Coticchia ; Florence, 1946) au Nouveau-Nouveau comme Salvo (Salvatore Mangione ; Leonforte, 1947 - Turin, 2015) et Luigi Ontani ( Vergato, 1943), à la Nuova Scuola Romana de Piero Pizzi Cannella (Rocca di Papa, 1955), au citationnisme d’Athos Ongaro (San Donà di Piave, 1947), à la récupération de la tradition par Wainer Vaccari (Modène, 1949) et à l’ironie de Maurizio Cannavia (Florence, 1955).l’ironie de Maurizio Cannavacciuolo (Naples, 1954), jusqu’aux tendances plus récentes incarnées par des artistes comme Antonia Ciampi (Bologne, 1959), Marco Cingolani (Côme, 1961), Angelo Filomeno (Ostuni, 1963), Federico Fusj (Sienne, 1967) et Santiago Ydáñez (Jaén, 1967). Une section est également consacrée à des artistes actifs dans la région de Carrare mais qui ont exposé dans des contextes internationaux, tels que Luciano Massari, Silvia Papucci, Roberto Rocchi, Silvio Santini et Enzo Tinarelli.

"Avec Lumières d’été, le public a l’occasion de visiter une sorte d’anthologie de cinq décennies de peinture et de sculpture italiennes“, expliquent les commissaires Ricci et Giannini. ”La visite suit quelques lignes qui commencent il y a exactement soixante-dix ans et qui, à travers des filiations, des réactions et des réélaborations, arrivent jusqu’à aujourd’hui. Après Uguali e Disuguali (Egaux et inégaux), qui se concentrait principalement sur les harmonies et les dissonances entre des langages souvent opposés, Summer Lights a une orientation plus classique, avec pour objectif de retracer une petite histoire, nécessairement incomplète, de la peinture et de la sculpture, afin d’observer comment les langages développés par les artistes historiques ont été transposés par ceux des générations suivantes".

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L’exposition personnelle de Novello Finotti (Vérone, 1939), en revanche, rassemble un certain nombre de sculptures importantes de l’artiste de la Vénétie, connu pour ses œuvres situées entre réalité et fantaisie, un artiste qui travaille le marbre et le bronze et qui a exposé dans le monde entier. Né à Vérone en 1939, Finotti vit et travaille entre Sommacampagna et Pietrasanta. Après avoir étudié à l’Accademia Cignaroli, il fait ses débuts à l’âge de dix-neuf ans, en 1958, en exposant ses œuvres à Assise, puis en participant au IIIe Concours international de bronze. En 1964, il expose à New York et, deux ans plus tard, il fait ses débuts à la Biennale de Venise, où il revient en 1984 avec une exposition personnelle. Finotti a également participé à deux reprises à la Quadriennale de Rome (1976 et 1986). Ses principales expositions personnelles ont eu lieu à la galerie Jolas de Milan (1972), à l’ambassade d’Italie à Tel Aviv (Israël) (1976), à la galerie Jolas Jackson de New York (1977), à la galerie Berg Home de Saint-Gall (Suisse) (1977), à l’Institut culturel italien de San Francisco (1980) et à l’Institut de l’art et de la culture de l’Université de San Francisco (1980).Institut culturel italien, San Francisco (1980), Palazzo Te, Mantoue (1986), Galleria Marilena, Liakopoulus, Athènes (1980), Galleria Forni, Bologne (1991 et 2005), Galleria Credito Valtellinese, Refettorio delle Stelline, Milan (1995), Nardin Gallery, New York (1998), Castello Scaligero, Malcesine (2000), Abbazia di Rosazzo in Manzano.

Les deux expositions peuvent être visitées dans les salles de Vôtre Spazi Contemporanei (Palazzo del Medico, Piazza Alberica 5, Carrara) du mardi au samedi de 17h à 20h, du 5 août au 30 octobre. Inauguration ouverte à tous le vendredi 5 août à 21 heures. L’exposition est gratuite. Pour plus d’informations, appelez le +39 3384417145, envoyez un e-mail à associazionevotre@gmail.com ou visitez le site https://www.votrespazicontemporanei.it. Vous trouverez ci-dessous le texte d’introduction à l’exposition, rédigé par Federico Giannini.

Lumières d’été

1952 est l’une des années fondamentales pour l’art italien de la seconde moitié du XXe siècle: à la Biennale de Venise de cette année-là, Lionello Venturi présente pour la première fois au public et à la critique le groupe des “Otto Pittori Italiani” (Huit peintres italiens), qu’il a parrainé et qui est né d’un souhait précis qu’Antonio Corpora avait exprimé à Venturi lui-même: le désir de refonder la peinture italienne en ouvrant une troisième voie entre abstraction et figuration, en dépassant les divisions rigides qui avaient bridé le débat artistique de l’époque (les “huit”, c’est-à-dire Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso, Giulio Turcato et Emilio Vedova, ne voulaient être définis ni comme des réalistes, ni comme des abstraits), mais aussi comme des peintres de l’art contemporain. (ni réalistes, ni abstraits), et utilisant, écrira Venturi, "ce langage pictural qui dépend de la tradition née vers 1910 et qui inclut l’expérience des cubistes, des expressionnistes et des abstractionnistes".

Le langage du groupe, qui rejette tout extrémisme et aspire à la liberté de pouvoir s’exprimer avec des formes capables de transfigurer la réalité sans la rejeter ni la nier, est destiné à être un succès dès cette première exposition: il suffit de rappeler comment, juste après la Biennale de 1952, Palma Bucarelli, alors directeur de la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Rome, décida d’enrichir les collections du musée en achetant uneAlba de Corpora pour 72.170 lires (un peu plus de mille euros aujourd’hui), également choisie pour ses caractéristiques formelles, étant une œuvre dans laquelle “la couleur-lumière s’étend au-delà de la disposition structurelle, pénétrant comme un rayon de soleil dans la grille de la surface, avec une dialectique interne et spontanée qui distingue déjà Corpora dans le contexte abstrait post-cubiste de l’après-guerre”. C’est à partir de ces suggestions, à l’occasion du 70e anniversaire de la fondation du Gruppo degli Otto (Groupe des Huit), que l’exposition Lumières d’été, en accord avec les récentes expositions de Vôtre visant à retracer les événements des dernières décennies de l’art italien, et en particulier de la peinture et de la sculpture, s’inscrit dans la série d’expositions anthologiques sur l’art italien récent au Carrares.Cette exposition s’inscrit dans la série d’expositions anthologiques sur l’art italien récent à la galerie Carraresi, avec pour objectif de retracer les fils d’une partie de la culture picturale italienne entre les années 1950 et le début des années 2000, notamment avec une série de peintures présentant des recherches sur la lumière et la couleur.

L’expérience des Ottos sera de très courte durée: le départ de deux de ses principaux représentants, Morlotti et Vedova, sonnera le glas du groupe dès 1954. Morlotti, en particulier, avait quitté les Otto pour rejoindre les “derniers naturalistes” sous l’égide de Francesco Arcangeli, animés par l’intention de ramener au centre de l’action artistique la nature, entendue dans son essence physique la plus pure comme élément “au sens le plus pur du physique”. Il s’agit d’un élément “que l’on regarde, que l’on respire, que l’on sent, que l’on souffre avant même de le mettre en mots”, comme l’écrit Arcangeli lui-même dans l’essai Gli ultimi naturalisti publié cette année-là dans le Paragone. Dans le même temps, à l’opposé, la peinture abstraite continue à produire ses expériences: Après avoir terminé l’expérience Forma 1, qui reconnaissait le formalisme comme “le seul moyen d’échapper aux influences décadentes, psychologiques et expressionnistes”, Piero Dorazio, qui, très jeune, à l’âge de vingt ans à peine, faisait partie des signataires de l’accord sur la peinture abstraite, s’engagea dans la voie de l’abstraction.Piero Dorazio, qui, très jeune, à l’âge de vingt ans, a été parmi les signataires du manifeste dans lequel il était dit que “la forme est moyen et fin”, est resté sur ses positions même après la dissolution du groupe en 1951 et a continué sur la voie de l’abstractionnisme géométrique: le tableau, pour Dorazio, ne devait représenter rien d’autre que lui-même, et l’artiste d’origine romaine restera toujours cohérent avec cette intention poétique, bien qu’il varie ses recherches sur les compositions et les couleurs qui, dans les années 1960, tendent à former des structures quadrillées pour suggérer la présence d’un espace, et dialoguent ensuite entre elles pour obtenir des contrastes d’ombre et de lumière de plus en plus marqués. Dans les mêmes années, les recherches des Spatialistes, dirigés par Lucio Fontana, se développent en Italie. Soutenus par une poétique innovante et radicale et un cadre théorique lucide, ils subvertissent l’art mondial en considérant l’œuvre comme “ [...] une somme d’éléments physiques, couleur, couleur, couleur, couleur, couleur, couleur, couleur, couleur, couleur, couleur, couleur, couleur, couleur, couleur, etc.une somme d’éléments physiques, couleur, son, mouvement, temps, espace, concevant une unité physique-psychique, la couleur étant l’élément de l’espace, le son l’élément du temps, et le mouvement se développant dans le temps et l’espace” (ainsi dans le Manifeste technique du Spatialisme de 1951): les dimensions fondamentales de l’existence se rejoignent dans les œuvres des artistes spatiaux, représentés dans Lumières d’été par Turi Simeti, auteur d’une “peinture tridimensionnelle” capable de perturber la perception commune de la peinture et de “déclencher des relations inédites et originales entre la couleur et le son”.de déclencher des rapports inédits et originaux entre couleur et lumière modulés directement par les formes que Simeti donne à ses œuvres, et par Dadamaino (Edoarda Emilia Maino), qui débute à Milan à la fin des années 1950 avec ses Volumi (Volumes ) qui, héritiers des Concetti spaziali (Concepts spati aux) de Fontana, considèrent la toile comme un objet, une forme monochrome à explorer dans les profondeurs de sa dimension physique.

Dans les années 1960, la réponse à la poétique abstraite et informelle prendra trois voies différentes, dont la plus heureuse sera, selon Maurizio Fagiolo dell’Arco, “l’art qui se tourne vers l’objet, vers le symbole, vers la réalité: une ”nouvelle objectivité“ toujours aussi attentive aux empreintes de la ville et de l’espace humain”. Dans cette nouvelle objectivité, qui présente plusieurs points de tangence avec le Pop Art qui a attiré l’attention du monde entier à partir de la Biennale de Venise en 1964, se trouve la figure de Mario Schifano, un artiste de la médiation entre la peinture et la photographie, c’est-à-dire un peintre qui “[...] assimile à partir du photoméchanisme les images de l’artiste”.assimile à l’image photomécanique non pas le rendu méticuleux et vériste du détail, mais, au contraire, l’instantanéité et la poignance". A côté de la peinture objective représentée par Schifano, Fagiolo dell’Arco place l’art programmé et l’art néo-surréaliste: Ce dernier a trouvé l’un de ses représentants les plus originaux en la personne d’Aldo Mondino, un artiste polyvalent qui, au cours de sa carrière, a même opéré des changements poétiques radicaux (comme lorsque, vers la fin des années 1980, il s’est rapproché des cultures orientales et a commencé à produire les célèbres tapis et derviches).

Le soi-disant retour à la peinture qui a secoué les années 1980 après une décennie dominée par l’Arte Povera, l’Art conceptuel, le Minimalisme, le Néo-Dada, le Land Art et le Body Art, tendances qui avaient relégué ses recherches en marge de l’intérêt du public et de la critique.L’intérêt du public et de la critique pour les recherches de ceux qui travaillent avec des toiles et des pinceaux a également produit de nouveaux ferments en Italie, qui ont conduit à l’affirmation de phénomènes réactionnaires tels que la Transavantgarde d’Achille Bonito Oliva, qui, en 1979, a choisi un groupe d’artistes émergents, c’est-à-dire Sandro, comme l’a fait l’Italie avec l’aide d’un groupe d’artistes qui n’avaient pas encore été sélectionnés.Sandro Chia (présent dans l’exposition avec un Couple pensant et un Homme endormi), Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Mimmo Paladino, Nicola De Maria, Marco Bagnoli et Remo Salvadori pour proposer au public un art capable de “revenir à ses motifs internes, de se réorienter et de s’adapter à l’évolution de la société”.revenir à ses motifs internes, aux raisons constitutives de son travail, à son lieu par excellence, qui est le labyrinthe, entendu comme ’travail à l’intérieur’, comme excavation continue dans la substance de la peinture" (c’est ainsi que Bonito Oliva introduit l’article de La Transavanguardia italiana avec lequel il présente le groupe en 1979). Bien que le mouvement se présente sans poétique formelle commune, il partage certains éléments de base, comme le subjectivisme, l’éclectisme et le franchissement de l’avant-garde (d’où son nom) par le biais d’un art fondé sur la manualité, la surprise, l’élan intérieur de l’artiste et, par conséquent, sur l’absence d’une idéologie de base. La figure humaine est au centre de l’œuvre de Sandro Chia, interprétée à travers un langage néo-expressionniste fondé sur l’utilisation de lignes et de couleurs caractérisées par une grande audace, une impétuosité et un fort impact sur l’observateur. Un an plus tard, en 1980, un autre critique, Renato Barilli, fonde le groupe Nuovi-Nuovi qui, s’éloignant de l’avant-garde et du radicalisme de la Transavanguardia, opte pour une médiation post-moderne entre le passé et le présent, entre la récupération de l’histoire de l’art par le biais d’un citationnisme marqué et l’élaboration d’images obtenues par le biais de la photographie: “De l’explosion à l’implosion”, écrira Barilli dans le catalogue de l’exposition Dix ans après qui a sanctionné la naissance du groupe, “de la projection vers le futur à la récupération du passé, de la fuite hors des enceintes sacrées de l’art à la plongée au cœur du système muséal le plus protégé et le plus reconnu”. Représentant les Nuovi-Nuovi, Lumières d’été présente des œuvres de Salvo et Luigi Ontani: Alors que le premier s’était fait connaître par des œuvres citant ouvertement le grand art du passé avant de passer à une peinture de paysage caractérisée par des couleurs vives et une extrême simplicité graphique, Ontani est passé du tableau vivant à une navigation continue entre peinture, sculpture, mosaïque et photographie, élaborant une poétique ludique et irrévérencieuse qui puise dans l’ancien et le moderne, exprimant pleinement la propension post-moderne à l’appropriation et à la ré-élaboration. Les figures de Wainer Vaccari, Athos Ongaro et Maurizio Cannavacciuolo évoluent dans le même climat de “retour au passé”, mais avec des résultats extrêmement différents: Vaccari se tourne vers l’art du passé (en particulier la peinture de la Renaissance, le symbolisme et la Neue Sachlichkeit) pour produire une peinture lointaine, inquiétante et intemporelle, Ongaro se présente d’emblée avec un art voué à l’éclectisme le plus insolent, tandis que Cannavacciuolo se présente avec ses œuvres élaborées qui dissimulent différents niveaux narratifs sous des intrigues complexes et compliquées, y compris sur le plan formel. À côté de la Transavantgarde, des Nuovi-Nuovi et des artistes qui ne s’identifient à aucun mouvement mais dont les figures se distinguent par l’originalité de leur langage, un autre groupe émerge dans les années 1980, celui de la Nouvelle École. Un autre groupe, celui de la Nouvelle École Romaine, mené par Bruno Ceccobelli, Gianni Dessì, Giuseppe Gallo, Nunzio, Piero Pizzi Cannella (ce dernier dans l’exposition) et Marco Tirelli, l’un des derniers mouvements importants de l’art italien: Née officiellement en 1984 avec l’exposition Ateliers au Pastificio Cerere à Rome, la Nuova Scuola Romana (également connue sous le nom d’“école de San Lorenzo”) renvoie à l’école romaine des années 1920, celle de Scipione, Mario Mafai et Antonietta Raphaël, avec l’idée de dépasser l’art conceptuel et l’Arte Povera pour proposer un retour non seulement aux techniques manuelles et aux arts traditionnels, mais à la sensibilité même de l’artiste, et à sa propre sensibilité.L’idée est de dépasser l’art conceptuel et l’Arte Povera pour proposer un retour non seulement aux techniques manuelles et aux arts traditionnels, mais à la sensibilité même de l’artiste, et de devenir le porteur, comme l’a écrit Patrizia Ferri, d’un sens “glocal” où “une tendance centrifuge et une tendance centripète, d’attention à la mémoire et d’expansion vers une dimension plus globale et plus partagée de l’expérience artistique, s’interfacent”. La tendance centrifuge et centripète, l’attention portée à la mémoire et l’expansion vers une dimension plus globale et partagée de l’expérience artistique, à la lumière d’une sobriété héritée de la recherche analytique, par opposition à un internationalisme sauvage et plus fructueux, tant en termes de chiffres de marché que de valeurs esthétiques".

Lumières d’été examine ensuite la manière dont divers artistes nés dans les années 1960 ou peu après ont élaboré les différents langages de l’art italien. Parmi les artistes qui se tournent vers le passé, citons Angelo Filomeno, qui utilise la technique de la broderie en se référant à des thèmes et des sujets anciens (le public de l’exposition trouvera l’une de ses grandes vanités en soie), Santiago Ydáñez, Espagnol longtemps actif en Italie, qui s’est distingué par ses portraits expressifs de l’artiste italien. Il s’est distingué par ses portraits expressifs de dimensions monumentales, et Marco Cingolani, qui a trouvé sa propre voie, singulière et extrêmement originale, entre néo-expressionnisme et abstractionnisme, en fondant sa grammaire sur l’utilisation presque virtuose de la couleur. En revanche, des artistes comme Federico Fusj, animé d’une tension permanente pour fusionner des modes d’expression même éloignés afin d’explorer les potentialités de la matière, et Antonia Ciampi, dont la recherche est animée par le désir de trouver des points de contact entre l’être humain et le cosmos, se placent du côté de l’abstraction.

Un hommage aux artistes de Carrare, ou actifs dans la région de Carrare, clôture l’exposition afin d’instaurer un dialogue entre les œuvres de certains représentants importants de la culture artistique locale (mais qui ont exposé dans des contextes internationaux) et celles du parcours historique de Lumières d’été. Les Terres silencieuses de Luciano Massari, qui se mesurent à un Volume Dadamaino, les explosions colorées de Silvia Papucci, les expériences de Roberto Rocchi avec le marbre et les LED, les formes nettes et sinueuses de Silvio Santini et la mosaïque contemporaine d’Enzo Tinarelli sont autant d’exemples qui démontrent que le panorama carrarais continue à maintenir un élan vivant et constant.

Soixante ans d'art italien exposés à Carrare, de Morlotti à la Transavanguardia jusqu'à aujourd'hui

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