10 points pour avoir compris l'art de Vilhelm Hammershøi

Vilhelm Hammershøi (Copenhague, 1864 - 1916) est l’une des figures les plus fascinantes de la peinture européenne au tournant des XIXe et XXe siècles. Né à Copenhague, il fut l’un des plus grands artistes danois de son temps et a expérimenté une grande variété de genres, se consacrant aux portraits, aux paysages et, surtout, aux intérieurs domestiques qui l’ont rendu célèbre. En 2025, pour la première fois après plus de cent ans qu’une sélection de ses œuvres n’avait pas été vue en Italie, le Palazzo Roverella de Rovigo a donné au public italien l’occasion de voir une exposition qui lui est consacrée, Hammershøi e i pittori del silenzio tra il Nord Europa e l’Italia (Hammershøi et les peintres du silence entre le Nord de l’Europe et l’Italie), sous la direction de Paolo Bolpagni (du 22 juin au 29 juin 2025, voici le compte-rendu d’Ilaria Baratta).

Les œuvres de Hammershøi se caractérisent par une palette de couleurs limitée, composée principalement de gris, de blancs et de tons terreux, et par une composition minimaliste qui transmet un sentiment d’immobilité et d’introspection. Souvent, ses peintures représentent des environnements dénudés et faiblement éclairés, avec des personnages féminins de dos, plongés dans des activités quotidiennes ou simplement en train de contempler. Ce choix stylistique confère à ses œuvres une atmosphère suspendue, presque onirique, invitant le spectateur à une réflexion silencieuse. Hammershøi a été influencé par les maîtres hollandais du XVIIe siècle, tels que Vermeer et de Hooch, ainsi que par des artistes contemporains. Cependant, il a développé un langage visuel unique, caractérisé par une représentation de la réalité filtrée à travers une lentille d’austérité et de mystère. Ses œuvres ne racontent pas d’histoires explicites, mais suggèrent des émotions et des humeurs par la composition, la lumière et l’absence d’éléments narratifs traditionnels.

Ses peintures se prêtent à une observation lente et concentrée. Pour comprendre son art, il est nécessaire de retracer ses thèmes, ses méthodes et sa biographie. Voici dix points clés pour s’orienter dans le monde poétique et suspendu de Vilhelm Hammershøi.

1. Sa formation : la toile de fond sur laquelle est née sa poétique singulière

Dès son plus jeune âge, Vilhelm Hammershøi montre des dispositions pour le dessin, que sa mère Frederikke encourage avec détermination. À l’âge de huit ans, il étudie déjà la perspective et les ombres sous la direction du dessinateur Niels Christian Kierkegaard. Son père, plus démuni dans la biographie de l’artiste, contribue néanmoins à son soutien financier et affectif. Dans des lettres à son frère Otto, Vilhelm se souvient avec gratitude des cadeaux de Noël liés à l’art qu’il a reçus de ses parents et de sa grand-mère. Cet environnement familial solide et cultivé a été déterminant pour sa formation. Sa mère a méticuleusement documenté chaque étape de la croissance artistique de son fils, laissant ainsi de précieuses archives pour la postérité.

L’éducation académique précoce, combinée à un caractère introverti et réfléchi, a forgé très tôt la nature silencieuse et contemplative de l’artiste. Une introversion qui deviendra la caractéristique stylistique et humaine de toute son œuvre. Après des études privées, Hammershøi fréquente la Kongelige Danske Kunstakademi (Académie royale des arts du Danemark), puis la Kunstnernes Frie Studieskoler (École indépendante d’études pour artistes), où il est l’élève de Peder Severin Krøyer. L’environnement académique lui fournit des bases solides : anatomie, étude d’après nature, utilisation habile de la lumière. L’une de ses premières œuvres, Étude d’un nu masculin vu de dos, exposée à Rovigo, montre déjà son intérêt pour les corps plongés dans l’ombre, émergeant de la pénombre. Mais ce qui le distingue des autres élèves, c’est la rapidité avec laquelle il commence à développer un style personnel. Alors que nombre de ses contemporains s’orientent vers un naturalisme direct, Hammershøi choisit la recherche intérieure. Pour lui, la formation académique est devenue un point de départ, et non un point d’arrivée : son art a rapidement pris sa propre voie, silencieuse, recueillie, absolument reconnaissable.

2. L’influence des maîtres hollandais, de Vermeer à de Hooch

L’œuvre de Hammershøi s’inscrit dans une tradition picturale qui trouve l’une de ses principales références dans l’école hollandaise du XVIIe siècle. L’influence de peintres tels que Johannes Vermeer, Pieter de Hooch, Gerard ter Borch, Samuel van Hoogstraten, Gabriel Metsu, Nicolaes Maes et bien d’autres est surtout visible dans l’utilisation de la lumière, la composition d’intérieurs domestiques et la représentation de la vie quotidienne par des gestes minimaux.

“Ce sont des peintres”, a écrit Paolo Bolpagni, “caractérisés par une approche intimiste, des couleurs plutôt sobres et le choix de sujets qui seront ceux d’Hammershøi : des architectures nettes et dépouillées (c’est particulièrement le cas à Saenredam), des portes et des fenêtres par lesquelles pénètre une lumière claire, des intérieurs domestiques tacites et calmes, souvent dépourvus de présence humaine, ou avec des femmes représentées de dos en train de coudre, de lire, de jouer au virginal ou de balayer le sol”.

Comme Vermeer, Hammershøi se préoccupe beaucoup de la lumière naturelle, qui entre par une fenêtre latérale et définit la scène avec une grande délicatesse. Mais alors que Vermeer utilise souvent la couleur pour animer la composition et raconter des histoires intimes, Hammershøi en réduit l’impact, choisissant une sobriété chromatique qui accentue la distance émotionnelle. Plus généralement, Hammershøi hérite de la peinture hollandaise du XVIIe siècle l’utilisation de l’espace domestique comme lieu de représentation de la réalité ordinaire. Cependant, les peintures d’Hammershøi sont dépourvues de cette narration explicite : ses pièces ne racontent pas d’épisodes familiers, mais transmettent des états d’âme.

3. La poétique du silence : l’art du calme intérieur

Hammershøi est souvent appelé “le peintre du silence”(lire un article approfondi d’Ilaria Baratta ici) pour sa capacité à transmettre un profond sentiment d’immobilité et d’introspection à travers ses œuvres. Ses intérieurs domestiques, dépouillés et ordonnés, sont imprégnés d’une atmosphère de calme suspendu, où chaque élément semble à sa place et contribue à créer un environnement méditatif. Le choix de représenter des figures humaines de dos ou plongées dans des activités solitaires accentue ce sentiment d’isolement et de contemplation.

La lumière joue un rôle fondamental dans ses compositions, filtrant doucement à travers les fenêtres et éclairant les pièces d’une luminosité douce et diffuse. Cette utilisation de la lumière ne définit pas seulement l’espace, mais contribue également à créer une atmosphère intemporelle et éthérée. L’absence de détails narratifs ou symboliques explicites invite le spectateur à projeter ses propres émotions et réflexions dans l’œuvre, faisant de chaque tableau une expérience personnelle et unique.

4. Son appartement de Strandgade 30 était son théâtre de l’intimité

L’appartement de Hammershøi, situé au 30 Strandgade dans le quartier de Christianshavn à Copenhague, a été le sujet principal d’un grand nombre de ses œuvres les plus célèbres. Vivant avec sa femme Ida de 1898 à 1909, cet espace domestique est devenu la scène idéale pour explorer les thèmes de la solitude, de l’introspection et de la beauté dans l’ordinaire.

Les pièces, meublées de manière minimaliste et peintes dans des tons clairs et neutres, offrent un environnement idéal pour expérimenter la lumière naturelle et les compositions géométriques. Hammershøi représente souvent les mêmes pièces sous différents angles ou avec des variations minimes, comme une porte ouverte ou fermée, une chaise déplacée ou un objet ajouté, ce qui lui permet de créer différentes variations sur le thème, en mettant l’accent sur l’immobilité et la répétition.

Hammershøi compose des pièces comme des décors de théâtre : ses tableaux, “représentant les coins, les murs et les fenêtres de leur maison sous différentes perspectives et dans différentes conditions d’éclairage”, écrit l’universitaire Annette Rosenvoldt Hvidt, “sont devenus de véritables icônes, inspirant des artistes, des cinéastes, des écrivains et des architectes”. Hammershøi adopte une méthode similaire à celle d’un scénographe, en mettant en place les pièces de la maison qu’il a l’intention de peindre. Au cours de ce processus, il ajoute ou supprime des personnages, des meubles et des objets, et découpe souvent l’image en repliant une partie de la toile : il peut ainsi créer sa propre version de l’intérieur, en obtenant exactement l’image souhaitée. Pour la même raison, il omet souvent certains détails, comme les poignées de porte, découpe des meubles et cadre la réalité sous un angle très personnel, en agrandissant certains phénomènes et en manipulant ce qu’il voit pour créer une image tout à fait individuelle.

Strandgade 30 n’est pas seulement un lieu physique, mais devient un symbole de la recherche artistique de Hammershøi, un microcosme à travers lequel il explore les thèmes universels du temps, de l’espace et de la perception.

5. Sa femme Ida Ilsted était sa muse silencieuse et une présence constante dans sa vie

Ida Ilsted, sœur du peintre Peter Ilsted, ami de Hammershøi, épouse Vilhelm en 1891. Elle devient une figure centrale de son œuvre : elle apparaît dans de nombreux tableaux, souvent représentée de dos ou plongée dans des activités quotidiennes. Sa présence discrète et silencieuse contribue à l’atmosphère d’introspection et de mystère qui caractérise les œuvres de l’artiste.

La collaboration entre Vilhelm et Ida reflète une profondeentente artistique et personnelle, dans laquelle la confiance et la compréhension mutuelles leur permettent d’explorer des thèmes complexes à travers l’apparente simplicité des scènes représentées. Il n’est pas facile d’expliquer la relation entre les deux : “On pourrait la considérer comme une muse”, écrit Rosenvoldt Hvidt, “mais ce concept ne suffit pas à décrire son rôle et la complexité de sa relation avec Vilhelm”. Ida est un élément essentiel de la vie et de l’œuvre de l’artiste : elle l’accompagne dans tous ses voyages, l’aide à trouver des lieux appropriés pour vivre et peindre, et c’est elle qui lui apporte la tranquillité d’esprit dont il a besoin pour se concentrer sur son travail, en s’occupant notamment de son abondante correspondance pendant ses vacances ou ses déplacements. Pour autant que nous le sachions, Ida n’a laissé aucun témoignage direct, de sorte que les informations dont nous disposons à son sujet sont des conjectures et des interprétations basées sur les lettres et les photographies de Vilhelm.

Son expression dans les portraits est absorbée, énigmatique, presque emblématique de la poétique de Hammershøi. Dans les moments les plus difficiles, marqués également par des problèmes mentaux, Ida est restée aux côtés de l’artiste, protégeant l’espace intérieur qu’était son art. Loin du stéréotype de la muse passive, elle était, en quelque sorte, le coauteur silencieux de tout un univers esthétique.

6. La lumière nordique est un protagoniste silencieux dans l’art d’Hammershøi

La lumière est un élément fondamental dans l’œuvre de Hammershøi, non seulement comme moyen de définir les formes et les espaces, mais aussi comme protagoniste silencieux qui confère une atmosphère et un sens aux scènes représentées. La lumière nordique, caractérisée par une luminosité diffuse et douce, filtre à travers les fenêtres et se reflète sur les surfaces, créant des jeux d’ombres et de nuances qui ajoutent de la profondeur et du mystère.

Hammershøi utilise la lumière pour souligner la structure architecturale de l’intérieur, en mettant en valeur les lignes, les angles et les surfaces. La lumière devient ainsi un moyen d’explorer la géométrie de l’espace et de créer un sentiment d’ordre et d’harmonie. En même temps, la lumière contribue à créer une atmosphère de calme et de contemplation, invitant le spectateur à s’immerger dans la scène et à réfléchir au sens caché derrière l’apparente simplicité.

Dans certaines œuvres, la lumière est le seul élément dynamique, suggérant le passage du temps et la présence d’une réalité extérieure au-delà des murs. Cette utilisation subtile et poétique de la lumière est l’une des caractéristiques distinctives de l’art de Hammershøi, qui le place parmi les grands maîtres de la représentation de la lumière.

7. La palette, les couleurs : un choix apparemment simple, mais incroyablement animé

L’une des caractéristiques les plus marquantes de l’œuvre de Hammershøi est l’utilisation d’une palette de couleurs limitée, dominée par des nuances de gris, de blanc, de beige et des touches de couleur occasionnelles. Ce choix esthétique confère à ses œuvres une apparence sobre et raffinée, mettant l’accent sur la forme, la composition et la lumière plutôt que sur la couleur.

L’utilisation du gris n’est pas seulement un choix stylistique, mais aussi un choix symbolique. Le gris, couleur neutre par excellence, représente l’équilibre, le calme et la réflexion. Dans les œuvres de Hammershøi, le gris contribue à créer une atmosphère d’introspection et de silence, où chaque élément est réduit à l’essentiel.

Malgré les apparences, les peintures d’Hammershøi sont construites sur une palette très sophistiquée. Les blancs sont faits de transparences et d’opacités ; les gris contiennent des reflets bleus ou verts ; les noirs sont intensifiés par des pigments tels que le bleu de cobalt. Les résultats des analyses scientifiques menées par le Statens Museum for Kunst de Copenhague montrent que l’artiste a utilisé quelques couleurs avec une extrême précision. Son approche de la couleur est presque musicale : des variations minimales, mais riches en résonances. Lorsque l’on regarde longuement ses toiles, on perçoit une subtile vibration chromatique qui contribue à la sensation de suspension. La matière picturale elle-même semble animée, comme si elle respirait. Hammershøi ne peint pas seulement des objets ou des personnes, mais aussi l’air qui les entoure.

8. Hammershøi avait un sens photographique de l’espace

Vilhelm Hammershøi a fait d’un élément souvent considéré comme marginal dans la peinture traditionnelle le protagoniste de ses œuvres : l’espace vide. Dans ses intérieurs, les murs, les portes entrouvertes, les couloirs et les pièces communicantes ne servent pas seulement d’arrière-plan, mais deviennent des sujets actifs, des éléments chargés de tension émotionnelle. L’architecture n’est jamais simplement fonctionnelle : elle est le véritable théâtre de l’expérience sensorielle et psychologique.

Hammershøi peint souvent des pièces vides ou presque vides, où l’absence humaine est aussi éloquente que la présence. Ses compositions sont basées sur une géométrie rigoureuse de lignes verticales et horizontales, de portes séquentielles, de fenêtres encadrant la lumière. L’effet est presque métaphysique : un sentiment de profondeur qui semble ouvrir des perspectives non seulement physiques mais aussi émotionnelles.

On peut clairement percevoir, dans l’œuvre de Hammershøi, l’influence de la photographie, bien que son art ne se contente pas de l’imiter. Ses prises de vue ont un côté tranchant, presque cinématographique, avec des aperçus inattendus et des plans décentrés qui brisent la symétrie. Il n’est pas rare que le sujet principal soit partiellement coupé ou que le regard soit dirigé vers des coins vides. Hammershøi connaissait et pratiquait la photographie - Ida elle-même prenait des photos - et cette conscience technique se reflète dans ses peintures. Mais ce qui rend ses images uniques, c’est l’utilisation de cette grammaire photographique pour construire une peinture hautement poétique. Le flou partiel, l’éclairage naturel, l’absence de profondeur classique - tout contribue à créer un sentiment de temps mort, d’attente.

9. Pour Hammershøi, la répétition est un geste poétique

L’un des aspects les plus fascinants de l’œuvre d’Hammershøi est la répétition. Il peint à plusieurs reprises le même coin, la même fenêtre, le même personnage. Ce n’est pas par manque d’idées, mais pour explorer les variations infinies de la perception. Chaque tableau est une variation sur un thème : il change la lumière, l’heure, la disposition des objets.

Cette sérialité reflète une tension presque musicale, à l’image des variations de Bach ou des cycles de Monet. C’est aussi une manière d’explorer la subjectivité : la réalité ne change pas, mais notre regard, lui, change. Hammershøi semble suggérer que la véritable créativité réside dans l’observation profonde de ce qui nous est familier. Sa méthode est à la fois rigoureuse et méditative : par la répétition, l’ordinaire devient extraordinaire. Son art, tel un mantra visuel, nous invite à voir au-delà des apparences.

10. En quoi consiste sa modernité et pourquoi on la redécouvre aujourd’hui

Alors que l’Europe, au tournant des XIXe et XXe siècles, est traversée par des courants artistiques turbulents et expérimentaux tels que l’impressionnisme, le symbolisme et les premières avant-gardes, Hammershøi reste apparemment sans défense, à l’écart des modes. Après sa mort, son art est rapidement tombé dans l’oubli. “Le problème, écrit Bolpagni, c’est que Hammershøi ne peut pas être catalogué, il échappe à toute classification, parce qu’il n’est ni moderniste ni antimoderniste. Or, on sait combien sont répandues les méthodologies qui partent de la théorie, c’est-à-dire d’un présupposé critique ou philosophique ou herméneutique ou idéologique, et qui tentent d’y adapter la phénoménologie des faits et des produits artistiques, au lieu de procéder en sens inverse, comme il conviendrait. Ajoutons, un peu provocateur, que notre Hammershøi a aussi le ”défaut" d’être européen, occidental, bourgeois, né dans une famille aisée, voire riche, petit-fils d’armateur : un privilégié, de surcroît issu d’un pays colonial (espérons que l’idéologie woke ne finisse pas par lui nuire)".

Cependant, son choix de rester en retrait était en soi profondément moderne. La modernité d’Hammershøi n’est pas celle du geste pictural, de la rupture formelle ou de l’innovation technique. C’est une modernité du regard, de l’intériorité. Ses peintures peuvent sembler conservatrices, mais elles recèlent une révolution silencieuse: l’idée que l’art peut tout réduire à l’essentiel pour trouver la vérité et l’authenticité. En s’intéressant à la solitude, à l’identité insaisissable, à l’écoulement imperceptible du temps, Hammershøi anticipe certaines sensibilités existentialistes du XXe siècle. Ses peintures ne nous disent rien, mais nous font tout percevoir : le vide, l’attente, l’absolu dans le quotidien.

Cette forme de modernité fait de lui un artiste étonnamment contemporain, toujours capable de parler à un spectateur habitué au bruit, mais en quête de silence et de profondeur. C’est là que réside la véritable force de son héritage : dans sa capacité à parler à toutes les générations, car dans la contemplation silencieuse de ses personnages, dans l’ombre de ses pièces, chacun peut trouver quelque chose de lui-même.

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