10 Punkte für das Verständnis der Kunst von Vilhelm Hammershøi

Vilhelm Hammershøi (Kopenhagen, 1864 - 1916) ist eine der faszinierendsten Figuren der europäischen Malerei an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhunderts. Der in Kopenhagen geborene Künstler war einer der größten dänischen Künstler seiner Zeit und experimentierte mit einer Vielzahl von Genres, wobei er sich Porträts, Landschaften und vor allem den häuslichen Interieurs widmete, die ihn berühmt machten. Im Jahr 2025, als zum ersten Mal nach mehr als hundert Jahren eine Auswahl seiner Werke in Italien nicht zu sehen war, gab der Palazzo Roverella in Rovigo dem italienischen Publikum die Gelegenheit, eine ihm gewidmete Ausstellung zu sehen: Hammershøi e i pittori del silenzio tra il Nord Europa e l’Italia (Hammershøi und die Maler der Stille zwischen Nordeuropa und Italien), kuratiert von Paolo Bolpagni (22. Juni bis 29. Juni 2025, hier die Rezension von Ilaria Baratta).

Hammershøis Werke zeichnen sich durch eine begrenzte Farbpalette aus, die hauptsächlich aus Grau-, Weiß- und Erdtönen besteht, sowie durch eine minimalistische Komposition, die ein Gefühl der Stille und Introspektion vermittelt. Häufig zeigen seine Gemälde kahle, schwach beleuchtete Umgebungen mit weiblichen Figuren im Hintergrund, die in alltägliche Aktivitäten vertieft sind oder einfach nur nachdenklich sind. Diese stilistische Wahl verleiht seinen Werken eine schwebende, fast traumartige Atmosphäre, die den Betrachter zum stillen Nachdenken einlädt. Hammershøi wurde von niederländischen Meistern des 17. Jahrhunderts wie Vermeer und de Hooch, aber auch von zeitgenössischen Künstlern beeinflusst. Jahrhunderts wie Vermeer und de Hooch, aber auch von zeitgenössischen Künstlern. Er hat jedoch eine einzigartige Bildsprache entwickelt, die sich durch eine Darstellung der Realität auszeichnet, die durch eine Linse der Strenge und des Geheimnisses gefiltert wird. Seine Werke erzählen keine expliziten Geschichten, sondern suggerieren Emotionen und Stimmungen durch Komposition, Licht und das Fehlen traditioneller narrativer Elemente.

Seine Bilder eignen sich für eine langsame und konzentrierte Betrachtung. Um seine Kunst zu verstehen, muss man sich mit seinen Themen, Methoden und seiner Biografie beschäftigen. Im Folgenden finden Sie zehn Schlüsselpunkte, um sich in der poetischen, schwebenden Welt von Vilhelm Hammershøi zu orientieren.

1. Seine Ausbildung: der Hintergrund, auf dem seine einzigartige Poetik entstand

Von klein auf zeigte Vilhelm Hammershøi eine Begabung für das Zeichnen, die seine Mutter Frederikke zielstrebig förderte. Bereits im Alter von acht Jahren lernte er unter der Anleitung des Zeichners Niels Christian Kierkegaard Perspektive und Schattenwurf. Sein Vater, der in der Biografie des Künstlers eine eher untergeordnete Rolle spielte, trug dennoch zu seiner finanziellen und emotionalen Unterstützung bei. In Briefen an seinen Bruder Otto erinnert sich Vilhelm dankbar an kunstbezogene Weihnachtsgeschenke, die er von seinen Eltern und seiner Großmutter erhielt. Dieses solide und kultivierte familiäre Umfeld war entscheidend für seine Ausbildung. Seine Mutter dokumentierte akribisch jede Phase der künstlerischen Entwicklung ihres Sohnes und hinterließ damit ein wertvolles Archiv für die Nachwelt.

Die frühe akademische Ausbildung, gepaart mit einem introvertierten und nachdenklichen Charakter, prägte schon früh das stille und kontemplative Wesen des Künstlers. Eine Introvertiertheit, die zum stilistischen und menschlichen Merkmal seines gesamten Oeuvres werden sollte. Nach seiner privaten Ausbildung besuchte Hammershøi die Kongelige Danske Kunstakademi (Königlich Dänische Kunstakademie), gefolgt von der Kunstnernes Frie Studieskoler (Unabhängige Studienschule für Künstler), wo er Schüler von Peder Severin Krøyer war. Das akademische Umfeld vermittelte ihm eine solide Grundlage: Anatomie, Studium nach dem Leben, geschickter Umgang mit dem Licht. Eines seiner ersten Werke, Studie eines männlichen Aktes von hinten gesehen, das in Rovigo ausgestellt ist, zeigt bereits sein Interesse an Körpern, die in Schatten getaucht sind und aus dem Halbdunkel auftauchen. Was ihn jedoch von anderen Schülern unterscheidet, ist die Unmittelbarkeit, mit der er beginnt, einen persönlichen Stil zu entwickeln. Während viele seiner Zeitgenossen einen direkten Naturalismus anstrebten, entschied sich Hammershøi für eine innere Untersuchung. Die akademische Ausbildung wird für ihn zum Ausgangspunkt, nicht zum Ziel: Seine Kunst nimmt bald ihren eigenen, stillen, gesammelten und absolut erkennbaren Weg.

2. Der Einfluss der niederländischen Meister, von Vermeer und de Hooch

Hammershøis Werk steht in einer Maltradition, die eine ihrer wichtigsten Referenzen in der niederländischen Schule des 17. Jahrhunderts findet . Der Einfluss von Malern wie Johannes Vermeer, Pieter de Hooch, Gerard ter Borch, Samuel van Hoogstraten, Gabriel Metsu, Nicolaes Maes und einigen anderen zeigt sich vor allem in der Verwendung des Lichts, der Komposition häuslicher Interieurs und der Darstellung des Alltagslebens durch minimale Gesten.

“Es handelt sich um Maler”, schrieb Paolo Bolpagni, “die sich durch eine intimistische Herangehensweise, eher zurückhaltende Farben und die Wahl von Themen auszeichnen, die Hammershøis sein werden: Scharfe, kahle Architekturen (dies ist vor allem in Saenredam der Fall), Türen und Fenster, durch die ein klares Licht eindringt, stillschweigende und ruhige häusliche Interieurs, oft ohne menschliche Präsenz, oder mit Frauen, die von hinten dargestellt werden, während sie nähen, lesen, Jungfrau spielen oder den Boden fegen”.

Wie Vermeer zeigt Hammershøi ein großes Interesse an natürlichem Licht, das durch ein Seitenfenster einfällt und die Szene mit großer Zartheit definiert. Doch während Vermeer die Farbe oft einsetzt, um die Komposition zu beleben und intime Geschichten zu erzählen, reduziert Hammershøi ihre Wirkung, indem er eine farbliche Nüchternheit wählt, die die emotionale Distanz unterstreicht. Ganz allgemein hat Hammershøi von der niederländischen Malerei des siebzehnten Jahrhunderts die Verwendung des häuslichen Raums als Ort für die Darstellung der gewöhnlichen Realität geerbt. Den Gemälden von Hammershøi fehlt jedoch die explizite Erzählung: Seine Räume erzählen nicht von vertrauten Episoden, sondern vermitteln Gemütszustände.

3. Die Poetik der Stille: Die Kunst der inneren Stille

Hammershøi wird oft als “der Maler der Stille” bezeichnet(lesen Sie hier einen ausführlichen Artikel von Ilaria Baratta), weil er in seinen Werken ein tiefes Gefühl der Stille und der Selbstbeobachtung vermitteln kann. Seine kahlen und aufgeräumten häuslichen Interieurs sind von einer Atmosphäre schwebender Ruhe durchdrungen, in der jedes Element an seinem Platz zu sein scheint und dazu beiträgt, eine meditative Umgebung zu schaffen. Die Wahl, menschliche Figuren von hinten oder in einsame Aktivitäten vertieft darzustellen, unterstreicht dieses Gefühl der Isolation und Kontemplation.

Das Licht spielt in seinen Kompositionen eine grundlegende Rolle, es dringt sanft durch die Fenster und erhellt die Räume mit einer weichen, diffusen Leuchtkraft. Die Verwendung von Licht definiert nicht nur den Raum, sondern trägt auch zu einer zeitlosen, ätherischen Atmosphäre bei. Das Fehlen expliziter narrativer oder symbolischer Details lädt den Betrachter ein, seine eigenen Emotionen und Überlegungen in das Werk zu projizieren, wodurch jedes Gemälde zu einer persönlichen und einzigartigen Erfahrung wird.

4. Seine Wohnung in der Strandgade 30 war sein Theater der Intimität

Hammershøis Wohnung in der Strandgade 30 im Kopenhagener Stadtteil Christianshavn war das Hauptmotiv für viele seiner berühmtesten Werke. Dort lebte er von 1898 bis 1909 mit seiner Frau Ida. Dieser häusliche Raum wurde zum idealen Schauplatz für die Erforschung von Themen wie Einsamkeit, Introspektion und Schönheit im Alltäglichen.

Die minimalistisch eingerichteten und in hellen, neutralen Tönen gehaltenen Räume boten ein ideales Umfeld, um mit natürlichem Licht und geometrischen Kompositionen zu experimentieren. Hammershøi stellte dieselben Räume oft aus verschiedenen Blickwinkeln oder mit minimalen Variationen dar, z. B. mit einer offenen oder geschlossenen Tür, einem verschobenen Stuhl oder einem hinzugefügten Gegenstand, und konnte so verschiedene Variationen des Themas schaffen, die Stille und Wiederholung betonten.

Hammershøi komponiert Räume wie Bühnenbilder: Seine Gemälde, “die Ecken, Wände und Fenster ihrer Wohnung aus verschiedenen Perspektiven und bei unterschiedlichen Lichtverhältnissen zeigen”, schrieb die Wissenschaftlerin Annette Rosenvoldt Hvidt, "sind zu regelrechten Ikonen geworden, die Künstler, Filmemacher, Schriftsteller und Architekten inspirieren. Hammershøi wendet eine Methode an, die der eines Bühnenbildners ähnelt: Er richtet die Räume des Hauses ein, das er malen will. Im Laufe dieses Prozesses fügt er Figuren, Möbel und Gegenstände hinzu oder entfernt sie und schneidet das Bild oft aus, indem er einen Teil der Leinwand zurückfaltet: Auf diese Weise kann er seine eigene Version des Interieurs schaffen und genau das gewünschte Bild erreichen. Aus demselben Grund lässt er oft bestimmte Details wie Türklinken weg, schneidet Möbel aus und rahmt die Realität aus einem sehr persönlichen Blickwinkel ein, indem er bestimmte Phänomene vergrößert und das, was er sieht, manipuliert, um ein ganz individuelles Bild zu schaffen.

Die Strandgade 30 ist nicht nur ein physischer Ort, sondern wird zu einem Symbol für Hammershøis künstlerische Forschung, zu einem Mikrokosmos, durch den er universelle Themen wie Zeit, Raum und Wahrnehmung erforscht.

5. Seine Frau Ida Ilsted war seine stille Muse und ständige Präsenz in seinem Leben

Ida Ilsted, die Schwester des Malers Peter Ilsted, eines Freundes von Hammershøi, heiratete Vilhelm 1891. Und sie wurde zu einer zentralen Figur in seinem Werk: Sie taucht in zahlreichen Gemälden auf, oft von hinten dargestellt oder in alltägliche Aktivitäten vertieft. Ihre diskrete und stille Präsenz trägt zu der Atmosphäre der Introspektion und des Geheimnisses bei, die die Werke des Künstlers kennzeichnet.

Die Zusammenarbeit zwischen Vilhelm und Ida spiegelt ein tiefes künstlerisches und persönlichesVerständnis wider, in dem gegenseitiges Vertrauen und Verständnis es ihnen ermöglichen, komplexe Themen durch die scheinbare Einfachheit der dargestellten Szenen zu erkunden. Es ist nicht einfach, die Beziehung zwischen den beiden zu erklären: “Man könnte sie als Muse betrachten”, schrieb Rosenvoldt Hvidt, "aber dieses Konzept reicht nicht aus, um ihre Rolle und die Komplexität ihrer Beziehung zu Vilhelm zu beschreiben. Ida ist ein wesentlicher Bestandteil des Lebens und der Arbeit des Künstlers: Sie begleitet ihn nicht nur auf all seinen Reisen, sondern hilft ihm auch, geeignete Orte zum Leben und Malen zu finden, und sie ist es, die ihm die nötige Ruhe verschafft, um sich auf seine Arbeit zu konzentrieren, indem sie sich unter anderem um seine umfangreiche Korrespondenz kümmert, während er im Urlaub oder auf Reisen ist. Soweit wir wissen, hat Ida keine direkten Zeugnisse hinterlassen, so dass die Informationen, die wir über sie haben, Vermutungen und Interpretationen auf der Grundlage von Vilhelms Briefen und Fotografien sind.

Ihr Gesichtsausdruck auf den Porträts ist in sich gekehrt, rätselhaft, fast emblematisch für Hammershøis Poetik. In den schwierigsten Momenten, die auch von psychischen Problemen geprägt waren, blieb Ida an der Seite des Künstlers und schützte den inneren Raum, der ihre Kunst war. Weit entfernt vom Stereotyp der passiven Muse, war sie, wenn man so will, eine stille Mitautorin eines ganzen ästhetischen Universums.

6. Das nordische Licht ist ein stiller Protagonist in Hammershøis Kunst

Das Licht ist ein grundlegendes Element in Hammershøis Werk, nicht nur als Mittel zur Definition von Formen und Räumen, sondern auch als stiller Protagonist, der den dargestellten Szenen Atmosphäre und Bedeutung verleiht. Das nordische Licht, das sich durch eine diffuse und weiche Leuchtkraft auszeichnet, dringt durch die Fenster und wird auf den Oberflächen reflektiert, wodurch Schattenspiele und Nuancen entstehen, die den Bildern Tiefe und Geheimnis verleihen.

Hammershøi nutzt das Licht, um die architektonische Struktur des Innenraums zu betonen und Linien, Winkel und Oberflächen hervorzuheben. Das Licht wird so zu einem Mittel, um die Geometrie des Raums zu erkunden und ein Gefühl von Ordnung und Harmonie zu schaffen. Gleichzeitig trägt das Licht dazu bei, eine Atmosphäre der Stille und Kontemplation zu schaffen, die den Betrachter einlädt, in die Szene einzutauchen und über die Bedeutung nachzudenken, die sich hinter der scheinbaren Einfachheit verbirgt.

In einigen Werken ist das Licht das einzige dynamische Element, das den Lauf der Zeit und die Anwesenheit einer äußeren Realität jenseits der Wände suggeriert. Diese subtile und poetische Verwendung des Lichts ist eines der charakteristischen Merkmale von Hammershøis Kunst und macht ihn zu einem der großen Meister der Lichtdarstellung.

7. Die Palette, die Farben: eine scheinbar einfache, aber unglaublich lebendige Wahl

Eines der charakteristischsten Merkmale des Werks von Hammershøi ist die Verwendung einer begrenzten Farbpalette, in der Grautöne, Weiß, Beige und gelegentliche Farbnuancen dominieren . Diese ästhetische Wahl verleiht seinen Werken ein zurückhaltendes und raffiniertes Erscheinungsbild, bei dem die Form, die Komposition und das Licht im Vordergrund stehen und nicht die Farbe.

Die Verwendung von Grau ist nicht nur eine stilistische, sondern auch eine symbolische Wahl. Grau, die neutrale Farbe schlechthin, steht für Gleichgewicht, Ruhe und Reflexion. In Hammershøis Werken trägt das Grau dazu bei, eine Atmosphäre der Introspektion und Stille zu schaffen, in der jedes Element auf das Wesentliche reduziert ist.

Trotz des äußeren Anscheins sind Hammershøis Gemälde auf einer sehr raffinierten Farbpalette aufgebaut. Das Weiß besteht aus Transparenzen und Opazitäten, die Grautöne enthalten blaue oder grüne Akzente, die Schwarztöne werden mit Pigmenten wie Kobaltblau intensiviert. Die Ergebnisse wissenschaftlicher Analysen, die vom Statens Museum for Kunst in Kopenhagen durchgeführt wurden, zeigen, dass der Künstler einige wenige Farben mit äußerster Präzision verwendet hat. Seine Herangehensweise an die Farbe ist fast musikalisch: minimale Variationen, aber reich an Resonanz. Bei längerer Betrachtung seiner Leinwände nimmt man eine subtile chromatische Schwingung wahr, die zum Gefühl des Schwebens beiträgt. Das Farbmaterial selbst scheint belebt zu sein, als würde es atmen. Hammershøi malt nicht nur Gegenstände oder Menschen, sondern auch die Luft, die sie umgibt.

8. Hammershøi hatte ein fotografisches Gespür für den Raum

Vilhelm Hammershøi machte ein Element, das in der traditionellen Malerei oft als marginal angesehen wird, zum Protagonisten seiner Werke: den leeren Raum. In seinen Interieurs dienen Wände, halboffene Türen, Korridore und Verbindungsräume nicht nur als Hintergrund, sondern werden zu aktiven Subjekten, zu Elementen, die mit emotionaler Spannung aufgeladen sind. Architektur ist nie nur funktional: Sie ist das wahre Theater der sinnlichen und psychologischen Erfahrung.

Hammershøi malt oft leere oder fast leere Räume, in denen die menschliche Abwesenheit ebenso beredt ist wie die Anwesenheit. Seine Kompositionen beruhen auf einer strengen Geometrie mit vertikalen und horizontalen Linien, aufeinanderfolgenden Türen und Fenstern, die das Licht einrahmen. Der Effekt ist fast metaphysisch: ein Gefühl der Tiefe, das nicht nur physische, sondern auch emotionale Perspektiven zu eröffnen scheint.

Man kann in Hammershøis Werk deutlich den Einfluss der Fotografie erkennen, obwohl seine Kunst sie nicht einfach imitiert. Seine Aufnahmen haben eine scharfe, fast filmische Schärfe, mit unerwarteten Einblicken und außermittigen Aufnahmen, die die Symmetrie brechen. Es ist nicht ungewöhnlich, dass das Hauptmotiv teilweise abgeschnitten wird oder der Blick in leere Ecken gelenkt wird. Hammershøi kannte und praktizierte die Fotografie - Ida fotografierte selbst - und dieses technische Bewusstsein spiegelt sich in ihren Bildern wider. Was ihre Bilder jedoch einzigartig macht, ist die Verwendung dieser fotografischen Grammatik, um ein hochpoetisches Gemälde zu konstruieren. Die partielle Unschärfe, die natürliche Beleuchtung, das Fehlen einer klassischen Tiefe - alles trägt zu einem Gefühl der stillen Zeit, des Wartens bei.

9. Wiederholung war für Hammershøi eine poetische Geste

Eines der faszinierendsten Merkmale von Hammershøis Werk ist die Wiederholung. Er malt immer wieder die gleiche Ecke, das gleiche Fenster, die gleiche Figur. Nicht aus Mangel an Ideen, sondern um die unendlichen Variationen der Wahrnehmung zu erkunden. Jedes Bild ist eine Variation eines Themas: Er ändert das Licht, die Tageszeit, die Anordnung der Gegenstände.

Diese Serialität spiegelt eine fast musikalische Spannung wider, ähnlich wie die Variationen von Bach oder die Zyklen von Monet. Es ist auch eine Art, die Subjektivität zu erforschen: Die Realität ändert sich nicht, aber unser Blick. Hammershøi scheint vorzuschlagen, dass wahre Kreativität in der tiefen Beobachtung dessen liegt, was uns vertraut ist. Seine Methode ist sowohl rigoros als auch meditativ: Durch Wiederholung wird das Gewöhnliche außergewöhnlich. Seine Kunst ist wie ein visuelles Mantra, das uns einlädt, über den Schein hinaus zu sehen.

10. Worin seine Modernität besteht und warum sie heute wiederentdeckt wird

Während Europa an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert von turbulenten und experimentellen Kunstströmungen wie dem Impressionismus, dem Symbolismus und den frühen Avantgarden durchzogen wurde, blieb Hammershøi scheinbar wehrlos, unbeteiligt an den Moden. Und nach seinem Tod geriet seine Kunst bald in Vergessenheit. “Das Problem”, schrieb Bolpagni, "ist, dass Hammershøi nicht in eine Schublade gesteckt werden kann, er entzieht sich der Klassifizierung, denn er ist weder modernistisch noch Und wir wissen, wie verbreitet die Methoden sind, die von der Theorie ausgehen, also von einer kritischen oder philosophischen oder hermeneutischen oder ideologischen Annahme, und versuchen, die Phänomenologie der künstlerischen Tatsachen und Produkte an diese anzupassen, anstatt in die entgegengesetzte Richtung zu gehen, wie es richtig wäre. Fügen wir noch etwas provokativ hinzu, dass unser Hammershøi auch den ’Fehler’ hat, Europäer, Westler, Bourgeois zu sein, der in eine wohlhabende, ja reiche Familie hineingeboren wurde, der Enkel eines Reeders: ein privilegierter Mann, noch dazu aus einem kolonialen Land (hoffen wir, dass die Ideologie des Erwachens ihm nicht zum Schaden gereicht)".

Seine Entscheidung für die Abgeschiedenheit war jedoch an sich schon zutiefst modern. Hammershøis Modernität ist nicht die einer bildnerischen Geste, eines formalen Bruchs oder einer technischen Innovation. Es ist eine Modernität des Blicks, der Innerlichkeit. Seine Bilder mögen konservativ erscheinen, aber sie bergen eine stille Revolution: die Idee, dass die Kunst alles auf das Wesentliche reduzieren kann, um Wahrheit und Authentizität zu finden. Mit seiner Konzentration auf die Einsamkeit, auf die schwer fassbare Identität, auf den unmerklichen Fluss der Zeit nimmt Hammershøi bestimmte existenzialistische Empfindungen des 20. Jahrhunderts vorweg. Seine Bilder sagen uns nichts, sondern lassen uns alles wahrnehmen: Leere, Erwartung, das Absolute im Alltäglichen.

Diese Form der Modernität macht ihn zu einem überraschend zeitgenössischen Künstler, der immer noch in der Lage ist, zu einem an Lärm gewöhnten Betrachter zu sprechen, der aber auf der Suche nach Stille und Tiefe ist. Darin liegt die wahre Stärke seines Vermächtnisses: in seiner Fähigkeit, zu jeder Generation zu sprechen, denn in der stillen Betrachtung seiner Figuren, in den Schatten seiner Räume kann jeder etwas von sich selbst finden.

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