从安德烈亚-丰塔纳里工作室的窗户望出去，可以看到瓦尔苏加纳和阿迪杰河谷之间平缓的山脊。夏天，特伦托的群山披上了翠绿的外衣，与山谷中草地的嫩绿相映成趣，天空呈现出鲜艳的蓝色，与平原上尘土飞扬、蒙着面纱的蓝色相去甚远，如此明亮、锐利，仿佛经过了净化。山的另一侧是特伦托，这一侧的山坡下坐落着佩尔吉内村，这里没有人们想象中山区的宁静：它是城市的延续，是一个热闹的郊区，几乎一直延伸到卡尔多纳佐湖。就连从丰塔纳里工作室的窗户欣赏到的风景也是自相矛盾的，因为在马尔佐拉山坡下匍匐着瓦尔苏加纳的 47 号国道，这是一条双向四车道的蛇形公路，蜿蜒伸向湖边，然后继续驶向帕多瓦：窗玻璃外，一座高架桥将绿色和蓝色的山谷明信片一分为二。窗外，工作室正下方流淌的费尔西纳（Fersina）激流不时发出阵阵轰鸣，附近的洗衣机也不时发出轰鸣声，这些洗衣机的任务是将居民和游客送往湖畔、特伦托街道和维哥拉纳（Vigolana）草地的公交车洗得干干净净。安德烈亚-丰塔纳里的作品正是在这青翠的喧闹中诞生的。在群山与车水马龙之间，在城市与遍布山谷的村庄之间，在高山牧场与工业区仓库之间。阿蒂利奥-贝托鲁奇认为，画家和诗人一样，都会在作品中保留他们与土地之间纽带的痕迹，这些痕迹有时更加明显，有时会迁移到不同的高度，直到呈现出思想的变形轮廓。如果真理的光辉照亮了这种印象，如果确实有必要找到一种或多或少无意识的忠实的迹象，如果确定一种可能的趋同是合理的，如果一个人对自己土地的记忆和他在绘画表面上看到的东西之间有重叠，那么也许就有可能在安德烈亚-丰塔纳里的艺术中找到这种纽带的反映。因此，人们可以通过环顾四周开始探索他的作品。
当人们欣赏安德烈娅-丰塔纳里的作品时，无论是欣赏大幅画作，还是被小幅油画所吸引，都会同时感受到一种狂热：他笔下的土地并非旅游手册上的土地，而是一个快速移动、不断蜕变的区域。于是，人们自发地产生了一种诱惑，那就是在如此鲜艳、如此明亮、如此饱和的色彩中，辨认出特伦蒂诺夏季的光芒。如果您喜欢地中海的光线，那就是一种喜庆的、笼罩一切的光线。还有天顶光：丰塔纳里的场景似乎是一片永远是正午的土地的连续故事。他的工作室也值得称道，这是一个巨大的开放空间 ，被太阳炙烤着，夏天非常炎热，有面向风景的大窗户。房产中介会说，这里 “阳光充足”。他还走进了自己的一幅画作，也就是 2023 年底在米兰三年展意大利绘画展上展出的那幅：这是一幅奇特的自画像，看不清丰塔纳里的脸，以第一人称记录了他在工作室休息的片刻。他躺在沙发上，工作室的一角被布置成接待客人的起居室。他的双腿抬起，放在玻璃茶几上。在背景中，他画作的光线从大窗户射入，窗外是一片蔚蓝。毕竟，对于浪漫主义诗人和画家来说，窗户象征着对无限的向往。四周是画架、工作台、几幅打包好准备送去展览的画作。摄影式的斜切，大胆的前缩，这种不平衡的基调是这位来自特伦蒂诺的艺术家不断坚持的做法，其鲜艳的色彩、流动的笔触，以及最后的某种抽象化倾向，使其即使在数英里之外也能辨认出来。可识别性是艺术家个性的首要证明，可以毫不客气地说，安德烈亚-丰塔纳里是意大利少有的从二十出头就能形成可识别风格的年轻艺术家。
当然，这并不是突如其来的征服。几年前，在 Artissima 展览会上，有两位女参观者路过安德烈亚-丰塔纳里的画廊 Boccanera 的展台时，看到了他的一些作品，她们非常兴奋，因为她们确信自己找到了一位 20 岁的意大利人，她们说他画的是 “看起来很漂亮的美国画”。他们显然认为自己是在恭维他（尽管艺术家不在现场，也听不见），但事实是，如果你喜欢一位意大利艺术家，尤其是年轻艺术家，无论如何都不能鼓励他变得更加美国化，从而松开将他与传统、与我们的艺术史联系在一起的绳子。因为这意味着他将注定与时代格格不入，他将失去跨越国界的机会，他将被迫局限于本地市场，对本地市场而言，模仿也是可以的。幸运的是，丰塔纳里的情况并非如此，他似乎走在正确的道路上。
当然，他研究的开端是建立在美国当代现实主义 的基础之上的，即 20 世纪 60 年代末开始在美国发展起来的现实主义，它经历了偏离、衍生和衍变（西德尼-蒂利姆早在 1969 年就承认，它的所有拥护者 “都具有某种有问题的特质，这种特质既决定了他们的艺术风格，也决定了他们的艺术风格”）。西德尼-蒂利姆（Sidney Tillim ）早在 1969 年就承认，“它具有某种问题性，既决定了它们之间的距离，也决定了它们与其他类型的所谓具象艺术之间的距离”），这种表面上是描述性的、表面上是非主流的、表面上是不合时宜的写实主义，常常是平面的、快速的，有时则更倾向于在细节上徘徊，但它或多或少地对当代社会进行了直接评论，与波普艺术、极简主义和抽象艺术相抗衡。安德烈-丰塔纳里的画作在某些方面让人想起费尔菲尔德-波特（Fairfield Porter）的平面造型 ，某些剪裁让人想起菲利普-珀尔施泰因（Philip Pearlstein），户外场景让人想起埃里克-菲施尔（Eric Fischl）的拥挤景象。对丰塔纳里和费施尔来说，图像都来自照片，无论是用摄影媒介构建的构图、用相机定格的记忆，还是在社交网络上找到的图像。此外，与当代美国现实主义艺术家一样，丰塔纳里也喜欢大画幅作品。的确，他的艺术中充满了美国元素。但是，在这位来自特伦蒂诺的年轻人的画作中，我们也可以看到很多意大利的元素。
与此同时，他还默默地坚持对物体的表现。从格诺里到费罗尼，从古图索到波扎蒂，更不用说人民广场学院几乎所有艺术家的经历了。因此，丰塔纳里的作品都是沿着传统的轨迹而来。这些物品在他的艺术中与人的存在同等重要。这些物品是丰塔纳里日常经验的一部分。这些物品是每个人日常经验的一部分。然而，艺术家与其他人不同：他往往会根据与非艺术家不同的直觉和关注点来看待日常生活中的元素。因此，在丰塔纳里的经历中，在他与普通事物的关系中，在他对日常事物的唠叨中，我们似乎看到了塔诺-费斯塔作品的影子：“一段时间以来，”费斯塔曾在给阿图罗-施瓦茨的信中写道，"我一直在关注家庭家具中的物件，因为它们是最私密的，是我们接触最多的，我们对它们表露了我们生存中最亲密、最隐秘的行为和姿态。起初，这种兴趣主要是形式上的，但后来我开始建立一种心理和情感上的关系。[......]我想重新构建那些功能被削弱的物体，这些物体在其物理性中表达了一种微妙的不安，因为它们太容易和确定地存在着，在其物理性、无机性和钝化的存在面前，有一种含糊不清和无能为力的感觉，而在其冰冷和黑暗的几何图形中，又有一种神秘和不可捉摸的感觉。塔诺-费斯塔通过制造物品，特别是门窗，并剥夺其原有功能，来回应这种日常的躁动不安。这种剥夺仅仅是通过将物品转化为艺术品来实现的。对丰塔纳里来说，与其说是对不安的回应，不如说是揭开面纱，是探索常规屏幕之外的隐秘。日常之物是一个难以接近的面具，在其昏暗、低沉、难以接近的固定性背后隐藏着秘密，它是一个隐藏的见证者，能够看到一切、感受一切、记录一切：欢乐、期望、幸福、安康、和谐、统一、痛苦、折磨、焦虑、不和谐。对于丰塔纳里来说，物品正是我们存在的脆弱性的象征，因为在物品背后有一个情感、纽带和记忆的世界。在一件物品的背后，艺术家似乎在告诉我们，我们生命中的幽灵在骚动，隐藏着不复存在或即将消失的痕迹。我们去过的地方。我们住过的房间。我们遇见过却再也没见过的人。对未来的希望。还有集体的焦虑。他的一幅大型油画描绘的是一部非常普通的红色电话机：原来它的灵感来自于第二次世界大战期间德国国防军使用的西门子型号，而《Das rote Telefon》中所画的那部电话机，在细节上更像希特勒地堡中发现的电话机，该电话机在 2017 年的拍卖会上以 24.3 万美元的价格售出。另一件 2017 年的作品将我们带入一间酒店房间，房间里有一张未铺设的床，床上的条纹枕头不自觉地让人联想到达豪之行。在另一件作品中，有一个地球仪，插上电源后会亮起，显示地球上各个国家的边界。画中并存着两个时间段，因为地球仪的西边部分边界比较清晰，而另一边则几乎感觉不到，山脉和沙漠清晰可见，一幅自然地理图就这样出现了。
随后，丰塔纳里进行了一次转变，以油画这一唯一媒介颠覆了物体的地位 ，物体从一个沉默和被动的观察者，变成了一场生动表演的主角，旨在分享之前只属于艺术家的亲密关系。讲述隐藏在物体背后的一切。从而再现生活。在“不朽的平凡”（Monumental Ordinary, ）展览中，所有的物品都被画在大型画布上，每幅画都有两米多高，有时甚至更有气势：这里有一把椅子、一朵花、一部电话、一个地球仪、一套茶具，甚至还有一个坐便器和一个马桶（当然是两幅独立的画作）。不朽是丰塔纳里对物体固有的模糊性的回应。对格诺里来说是如此，对丰塔纳里来说也是如此，即使两位艺术家之间存在着种种差异（特伦蒂诺艺术家缺乏格诺里的庄严肃穆、科学的超脱感和悬浮感），但将普通事物的尺度提升到纪念碑的高度，意味着将隐藏在绘画主题背后的不可见事物呈现出来。但对丰塔纳里来说，纪念碑也是对象释放能量的媒介，这种能量是离开艺术家内在自我的根本，也是向所有人开放的必要条件。“丰塔纳里解释说：”在我的画作中，我试图表现生活。我希望画作不仅能捕捉能量，还能成为我们经验的一部分。一幅小画在我们的控制之下：在大画中，是他欢迎我们进入他的空间，是我们必须走过它才能读懂它的全部。我寻求我所表现的现实与生活之间的巧合“。他敏锐地补充道，”这并不意味着小幅绘画中不能包含一个世界。艺术史上的伟大杰作往往都是小幅的。但是，我希望通过’不朽的平凡 ’展览，让绘画成为一种宣言，让人们看到绘画在叙述生活方面所具有的能量"。
丰塔纳里倾向于形式而非内容，因此他的作品中几乎总是出现一些无法辨认的人物，这些人物几乎都是在闲暇、休息、放松的时刻出现的。他的画中几乎没有轶事。这些作品都是简单的生活剪影，几乎都是主观拍摄的，仿佛丰塔纳里想邀请我们成为他所叙述的日常生活的一部分。至于日常生活是他自己的还是别人的，这并不重要。
我们走进卧室，成为一对躺在敞开的窗前的情侣。我们在客厅里放松地看电视。我们在户外发现自己正站在一个从梯子上爬下来的女孩面前。我们走在沙滩上，跟在一个靠近大海的小家庭后面。我们在草地上，一个孩子骑着独轮车向我们跑来。我们正在驾驶一辆汽车，旁边有人穿着匡威靴子，把脚放在仪表盘上。我们正站在一间黑暗的房间里，旁边有一个男孩正对着一面超光镜。或者，我们站在一个小客厅里，微微弯着腰，客厅里摆放着一把索尼特摇椅（顺便说一句，丰塔纳里对设计的关注也是全意大利式的），摇椅上放着一件花纹衬衫，地板上放着一双红色高跟鞋 ，显得杂乱无章。其中一些画作属于艺术家称之为 "日记“的系列作品：这些画作就像一本日记的页面，没有颠簸、普通、私密而开放、个人而集体，一本可能是每个人的日记。这本日记邀请我们思考，平凡正是我们必须学会如何更好地观察、发现更多：我们认为这是理所当然的，但在平凡中一切皆有可能。”理查德-戴明在《平凡的艺术》中写道："艺术创作的过程吸收了事物的本来面貌，但在试图直接呈现事物和让艺术的转化过程展现自身之间存在着矛盾[......]。一幅画、一首诗或一首歌可以丰富人们对世界的体验，因为它们引入了一种新的视角，补充了人们看待世界的方式。换句话说，不管艺术作品还能做什么，它们都能教人如何看待事物。观者与所看事物之间的关系发生了变化，对事物意义的体验也随之改变。观众可以像艺术家一样观察一个场景，感受到它充满了潜在的意义。通过绘画，日常仍然是日常：通过艺术，对日常的关注发生了变化。也就是说，日常并不会因为艺术而改变，改变的是我们自己"。
为了表达和传递这种丰富的潜在意义，丰塔纳里通过剪切、光线、形状和色彩来改变他的场景。他的画作几乎都是用色彩构成的：很难找到源自素描的构图，即使有，也意味着最初的构思比通常的要复杂。他最近的作品，即 2023 年至 2024 年间的作品，如《马瑟韦尔 》或《狡猾的男孩》，显示出他作品中经常出现的未完成感，以及明显的、前所未有的抽象化倾向：他的绘画正是朝着这个方向发展的，因此，类似的图像今后可能还会出现，丰塔纳里将继续深化这些图像的实验。在意大利传统中，有大量优秀的抽象绘画作品，众所周知，这位来自特伦蒂诺的艺术家对这些作品有着敏锐的观察力。然而，基本工具箱一如既往：摄影剪切、回顾 16-17 世纪艺术史的底画、不允许微妙对比的清澈耀眼的光线、偶尔令人惊讶的美味逆光效果、多年来变得越来越饱和鲜艳的色彩，这些色彩在画布上排列成几乎均匀的块状，通过流动、快速的笔触构建形状。某些室外场景让人想起索罗拉或埃托雷-蒂托的画作：西班牙人的画作极具流动性，而威尼斯人的画作则以运动和摄影为导向，充满了斜视、特写和大胆的剪切。丰塔纳里不再使用柯达（至少不只使用柯达），而是与时俱进地使用社交网络：他的快照保留了记忆的微妙芬芳，在海滩或山间的午后，用手机相机的速度和歪斜的位置捕捉，然后上传到 Instagram 或 Facebook。他的绘画几乎就是保存这些镜头的一种方式，而这些镜头往往在上传到 社交网络后很快就被遗忘了。毕竟，这位来自特伦蒂诺的画家的作品也是一件挪用作品，因为他的画作往往源自社交网络上偶然发现的图片。“他告诉我：”社交网络是一种巨大的资源，即使对我们艺术家来说也是如此：我尤其感兴趣的是，我们在工作之外如何利用社交网络，人们如何向更多或更少的受众分享他们私人生活的瞬间。它们是我灵感的源泉：它们改变了我们对现实的看法。我对批判或评判的眼光并不感兴趣，我感兴趣的是研究当代世界向我们展示的美学方案，以及研究人类观察和参与他人生活的需求。
也许，我们也需要从这些考虑出发，以便找到可能的答案。在 21 世纪的今天，当我们遇到一位致力于具象艺术的艺术家时，如果他决定走写实主义的道路，就更需要找到可能的答案。为什么要画现实主义作品？为了找到答案，他想到了 Rackstraw Downes的画作，这些作品给他留下了深刻的印象，因为在整个展览中，只有这些作品让他更多地思考世界而不是艺术。也许有人会补充说，即使你过着平凡的生活，你的世界也会不断给你带来惊喜。丰塔纳里也是如此。安德烈亚-丰塔纳里的艺术将现在和记忆交织在一起，谱写了一曲平淡中的神秘颂歌，是夏日阳光下的日常诗歌。他的绘画采用基于传统的原创现实主义手法，既明亮又直接，既有文化底蕴又平易近人，诱导观者抓住日常生活中能够释放出的迷人火花。他的画促使观察者超越画布表面，审视自己的世界，而无需走得太远。这些作品邀请人们去发现我们身边平凡事物的奇妙之处。
本文作者 : Federico Giannini
Nato a Massa nel 1986, si è laureato nel 2010 in Informatica Umanistica all’Università di Pisa. Nel 2009 ha iniziato a lavorare nel settore della comunicazione su web, con particolare riferimento alla comunicazione per i beni culturali. Nel 2017 ha fondato con Ilaria Baratta la rivista Finestre sull’Arte. Dalla fondazione è direttore responsabile della rivista. Nel 2025 ha scritto il libro Vero, Falso, Fake. Credenze, errori e falsità nel mondo dell'arte (Giunti editore). Collabora e ha collaborato con diverse riviste, tra cui Art e Dossier e Left, e per la televisione è stato autore del documentario Le mani dell’arte (Rai 5) ed è stato tra i presentatori del programma Dorian – L’arte non invecchia (Rai 5). Al suo attivo anche docenze in materia di giornalismo culturale all'Università di Genova e all'Ordine dei Giornalisti, inoltre partecipa regolarmente come relatore e moderatore su temi di arte e cultura a numerosi convegni (tra gli altri: Lu.Bec. Lucca Beni Culturali, Ro.Me Exhibition, Con-Vivere Festival, TTG Travel Experience).
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