如果你想开始为你的艺术作品寻找主题，那就看看墙上的污点吧。这是达芬奇在《绘画论》中给年轻艺术家的建议：这个例子来自他的一位朋友，桑德罗-波提切利（Sandro Botticelli），文森特向他保证，只要把 “一块充满不同颜色的海绵 ”扔到墙上，就能在海绵留下的印记中看到 “人类想在其中寻找的各种发明，即人的头像、各种动物、战斗、岩石、海洋、云和树林以及其他类似的东西”。他是一位托斯卡纳画家，至少 15 年来一直致力于色彩实验，提出了当代意大利艺术为公众提供的最持久、最坚定和最自觉的抽象研究之一。之所以说 “持续”，是因为这项研究长期以来心无旁骛：它经历了各种变化、新奇、方向的改变和回归，但从未忘记自己的目标，从未将目光从对色彩的深入探索上移开。法莱尼作品的坚定性与它的力量不谋而合，当这位艺术家开始谈论他的作品时，他的全部能量就会清晰地显现出来，让人意识到他的研究首先是个人的事实，是他的艺术道路连贯一致的原因，而不是受制于画廊老板的品味，或者更糟糕的是，受制于主流品味。如果他的作品能够触动欣赏者的心弦，那很好：但首先，这是艺术家的一种需要，一种来自他的心境、他的无意识、他的记忆的冲动。法莱尼的作品，套用罗伯托-弗洛雷尼（Roberto Floreani）最近出版的一本书的书名，可以说是一种抵抗形式：“在抽象派中”，我们在书的第一页读到，“它变得[......]不可或缺的是个人的情感。......]不可或缺的是个人的归属感，分享抽象主义固有的原则和目标，这是一个面向分析、面向内部研究的表现领域[......]，由于其亲密的性质，致力于自由的最高指数，毫无保留地将自己置于观察者及其亲密关系的存在之中”。在观察者面前，但坚信艺术必须面向知识层面，知道单一的、普遍的观众的想法是毫无根据的，甚至是 “消极的”，正如彼得-哈雷（Peter Halley）所定义的那样。
要了解 毛里齐奥-法莱尼 的这一认识，只需走进他的工作室就足够了，工作室位于里窝那市中心，坐落在一座 19 世纪的别墅中，曾属于 Rodocanacchi 家族，如今已被艺术家工作室完全占据，一个忧郁的波希米亚片段被建筑投机所吞没。当我们阅读 Macchiaioli、CaffèBardi 或 Gruppo Labronico 的故事时，我们会想象出那个充满活力和激情的社区，它是过去里窝那艺术的一个奇特片段，现在依然存在。进入毛里奇奥-法莱尼的工作室是一种体验：感觉就像跨进了炼金术士工作室的门槛。在一张桌子上，摆放着一长串色彩斑斓的罐子，每个罐子都有自己的标签：“Giallo Delta”、“Grigio Wolf”、“Verde Mozart”、“Rosso Rubens”、“Arancio Calabria”。这些都是法莱尼为他的颜料混合物起的名字，他经过数天的紧张工作，不断完善这些颜料，以找到合适的色调，寻找最适合艺术家心目中想法的密度、强度和流动性，并与不透明的薄铝板相得益彰。还有一个象征性的原因：众所周知，铝是一种可以无限循环利用的材料。法莱尼希望通过这种方式向公众传达他的艺术理念，即艺术是永恒的。只要世界上还有人类，就会有艺术，因为通过艺术表达自我的需求永远不会停止。
毛里齐奥-法莱尼 通过色彩来满足这种需求。对他来说，色彩就是一切，或者说几乎就是一切，色彩在他的作品中发挥着重要作用，他的作品通过色彩揭示光线，触及我们大脑中处理抽象图像的区域，并设法通过色彩让我们感知美，正如翁贝托-加林贝尔蒂（Umberto Galimberti）所说的那样，美被理解为 “将感性与超感性结合在一起的维度”（“当你看着一幅画并为之着迷时，这幅画所代表的不仅是指它本身，而是指感官的进一步发展”）。当你欣赏一幅画并为之着迷时，这幅画所代表的不仅是其本身，而且是一种更深层次的感官"）。触摸感性以达到超感性：这也是法莱尼艺术最具体的成果之一。从这个意义上说，他告诉我，他对色彩的灵感来自于他与马克-罗斯科的相遇，2007 年，罗马 Esposizioni 宫为马克-罗斯科举办了当季最令人期待的展览之一，加深了他对马克-罗斯科的了解。然而，比起罗斯科画作中形而上的亲密感，比起他画作中近乎灵性的抒情性，更让法莱尼着迷的是这位伟大的抽象表现主义画家对色彩的敏感。众所周知，罗斯科与色彩的关系相当暧昧，因为他一方面追求最大限度的自由，试图不强迫自己的想象力屈从于任何形式的束缚，另一方面，他又在进行实验时遵循极其严谨的方法。艺术史学家多尔-阿什顿（Dore Ashton）在她的著作《关于罗斯科》（About Rothko）（该书已成为研究这位美国艺术家作品的主要资料之一）中写道："罗斯科始终意识到，他的手段不如他的理想，因为他的手段是物质的。法莱尼的愿景没有罗斯科那么悲惨，因为在法莱尼那里，人与自然似乎找到了某种形式的和谐，但他作品背后的意识是一样的。在他的作品中，光的诱惑力同样强烈而深远：法莱尼试图用色彩来保留光的痕迹，因为他认识到捕捉光是不可能的。他的作品所追求的色度综合，一方面是纯净和清晰，以表达色彩的潜力，另一方面是流动和透明，以转向光，发现光。因此，有些人可能会认为毛里奇奥-法莱尼的艺术与克劳迪奥-奥利维耶里的艺术有相似之处。如果说这两位艺术家在色彩方面似乎有着共同的诗意和抒情特质，那么他们之间却有着本质的区别：奥利维耶里总是倾向于无限，并试图展现不可见的事物，而法莱尼的艺术则开辟了一个显然更加内在的维度。法莱尼的艺术作品源于偶然性和艺术家的自由之间的相遇，艺术家决定用自己的手势干预这种偶然性，但这种干预是在艺术家根据自己的规则创造的方案中进行的，同时也受制于自然和物理法则。有心人还可以从法莱尼的作品中读出存在本身的隐喻。
因此，我们可以将其与保罗-詹金斯（Paul Jenkins）的艺术相提并论，詹金斯是另一位可与莱格霍恩画家的艺术相提并论的画家，他的艺术与堪萨斯城画家的艺术相近，在态度上更典型的是现象主义者而非表现主义者，因为他关注自然基准（法莱尼经常从他在大自然中看到的色彩中汲取灵感：他告诉我，对他来说，被太阳光照耀的玫瑰园是人们有幸欣赏到的最强烈、最抽象的景象之一），他的手势表现力旨在引导色彩，而不是束缚或限制色彩，他的意图是表现一种存在状态，通过色彩来表达原本无法表达的感觉。尽管在法莱尼的绘画生涯中也曾有过他所谓的 “具象 ”时刻：但现在，他的绘画已经有了完全不同的方向。法莱尼尽量避免所有可能使他的绘画过于描述性的元素。因此，公众可以从他的色彩搭配中看到他们的感受：在他的展览中，经常会有人找到艺术家，让他参与他们在画中看到的东西。这也是一项成就：因为对法莱尼来说，抽象画也是一种向任何人表达的方式（可以说是非常具体的，尽管在想到他的作品时这似乎有些矛盾），这与达芬奇曾经说过的一句话如出一辙，即所有绘画都是从污点开始的。
也许不言而喻的是，要达到这位莱霍恩艺术家的效果，需要非常强的纪律性、扎实的实践知识以及色彩理论和艺术史知识。法莱尼的 “污点 ”穿越了几个世纪的艺术史：它们穿越了马奇奥利的整个历史，沿着巴洛克蜿蜒生动的线条向上，到达罗索-菲奥伦蒂诺（Rosso Fiorentino），法莱尼饶有兴趣地观察着他的另一位画家，因为他的色彩闪烁着幻觉的特质，然后再回溯到马萨乔（Masaccio），直到贝托-安杰利科（Beato Angelico），直到乔托（Giotto）。可以说，“色彩大师 ”借用了过去一个著名的编辑倡议的标题，而对于毛里奇奥-法莱尼来说，他们显然就是这样的人，因为色彩比叙述的事实或构图更让他着迷，在他看来，这些元素总是强烈地从属于偶然的环境，无论是时代还是更普通的客户要求。法莱尼追求最大程度的精神自由，这在他的绘画过程中得到了体现，并在他丰富多彩的想象中得到了证实。法莱尼在纸上进行准备性研究，以找到最佳组合，并尝试观察颜色如何通过改变状态做出反应，在此之后，起点始终是艺术家自由选择的金属表面上的一个点，然后以正确的剂量涂抹颜色，以获得他心目中的渐变效果。然后是偶然性的竞争：当艺术家决定他的干预结束时，颜色会自主地扩展，覆盖整个表面，然而，他保留了自己干预的权利，用手势来控制运动，如果只是为了确认他需要在随机性面前尝试拥有自己的发言权的话。当一切静止后，颜色被晾干，同样要小心谨慎，因为时间是不同的（可见部分先干，但与表面接触的部分可以保持运动很多天）。最后经过车身车间，用工业产品涂上最后一层油漆（从而使单色画呈现出光亮、反光的外观，呈现在观者眼前），作品就可以说完成了。
最近，在科威德大流行病在全球肆虐期间，我们被迫处于禁闭状态，毛里奇奥-法莱尼认为有必要另辟蹊径，超越他所谓的 “单色阶段”，走上一条可能更加复杂的道路，涉及不同颜色的使用和组合。艺术家将这一系列双色和多色绘画作品命名为 "渗透"（Osmosis），可能是为了明确过渡、相互融合、不同色调之间的融合和相互渗透的感觉。在接受加布里埃尔-兰迪（Gabriele Landi）在《Parola d’artista》杂志上的采访时，毛里奇奥-法莱尼（毛里齐奥-法莱尼）对他的 “渗透 ”作了如下定义：“这是一个交换的过程，是不同解决方案之间不断流动的过程，是实现新道路的起点。色彩交汇，产生新的色彩、新的情感。观察者无法控制无法控制的事物，他只需在色彩动态中放任自己，获得新的体验。一幅看似抽象的画作，一幅变成具象视觉的画作，或者反之亦然。也许是一幅新画”。促使法莱尼进行这些新研究的冲动几乎是突然出现的，出乎意料。“我的所有作品”，他解释说，“都需要最大程度的专注。在操作阶段，我的大脑不停地工作，直到我决定停止。心理物理能量归零。神经元的突触达到最大化。我的眼睛灼痛。肌肉因强迫姿势而承受压力。到了晚上，在安稳的睡眠中，我的无意识会产生新的想法、新的挑战。所有障碍被打破，新的道路开始了。于是，我带着理智和信念，开始了新的阶段”。他最近的作品就是这样诞生的，源自一个几乎突如其来、未经深思熟虑的想法。两三种颜色在表面上交织在一起，保持了法莱尼一直以来创作的规则形状：最近他似乎对圆形情有独钟，他最常创作的形状是长方形，但过去他也尝试过正方形、三角形和十字形。法莱尼的新作品是半音和声，是催眠的舞蹈，就像不同颜色的交响乐，它们时近时远，相互交错，迷失自我，在铝板上自由地演奏、融合、移动。时而透明，时而褪色，时而变浓变密，直至几乎相互抵消，时而变得更加稀薄，直至露出表面（单色作品并非如此）：展示铝的愿望不仅是为了说明绘画也是一种固体和空隙之间的平衡行为，而且也是为了如上所述，阐明绘画的永恒性，阐明艺术能够成为推动人类思想和行动的不可或缺的力量。
在这些多色作品中，人们可以看到水的流动能量，有人会看到迷蒙的烟雾，有人会注意到人体的一部分、风景、森林、植物、动物，以及最多样的自然元素。在共感的刺激下，人们几乎能闻到花香、乡间的气息和大海的味道。观察这些画作时所产生的感觉不同于单色画，还因为与单色画不同的是，法莱尼选择在新作品上涂上不透明的保护层，从而消除了所有的反射效果，最终使画作看起来就像被捕捉的瞬间，然而，它看起来似乎随时都可能再次移动。如果说单色画打开了更私密、更冥想、甚至更神圣的维度，并暗示着一种等待和寂静的感觉，那么多色画则似乎是移动的图像（并非常有效地提供了移动的感觉），传达了流淌的溪流、不断变化和移动的生活以及点缀我们日常生活的许多事件的概念。超越和内在。精神与物质专注与分心。色彩的距离与邂逅的距离。
不过，有一点可以肯定：多色绘画作品具有强烈的唤醒力。在与我谈及他的作品时，毛里奇奥-法莱尼提到了奥托-兰克，这位奥地利哲学家和精神分析学家曾是弗洛伊德的追随者，后来脱离了这位大师，走上了完全独立的道路：1907 年，年仅 23 岁的他写了一本名为《艺术家》（Der Künstler）的书，25 年后，他又重新回到这本书，出版了一个经过扩充、修订和更新的版本，将他的思考不仅扩展到艺术家，还扩展到艺术本身。值得注意的是，兰克在最早的艺术形式，即史前艺术形式中认识到表现 “灵魂的抽象观念 ”的紧迫性：兰克写道：“这种抽象化的动力源于对不朽的信仰，这种信仰创造了灵魂的概念，也创造了服务于同样目的的艺术，后来又超越了纯粹的抽象，走向了灵魂概念的客观化和具体化”。因此，兰克认为，艺术的主要目的是赋予无形之物以形式。在这种 “无形 ”中，还有记忆、追忆、童年回忆的维度：这正是法莱尼新研究的出发点。抽象的表象存在于现实的痕迹之中。谈及自己的作品，他称自己是一个 “图像饮用者”：他所饮用的图像以色彩组合的形式返回到他的艺术作品中，他称之为 “imparentamenti”。
今天，毛里奇奥-法莱尼在离里窝那海边几百米远的工作室里所做的一切，基本上与马奇奥利、后马奇奥利、巴迪咖啡馆的常客以及拉布罗尼科集团的动画师们在他自己的城市里几十年来所做的一切毫无二致。总之，一代又一代的艺术家呼吸着这座奇妙城市咸咸的、厚重的空气，即使在寒冬腊月，他们也会被里窝那清澈、晶莹、饱满、耀眼的光芒所吸引。这就是，通过努力寻找光的形状，将图像转化为色彩。作为利沃诺人，法莱尼对马奇奥利进行了深入的研究和了解（对他而言，最出色的是克里斯蒂亚诺-班蒂，因为他是第一个领悟到马奇奥利革命的人），马奇奥利是通过人物形象来实现这一目标的，而他则相反，沿着抽象的路径前进，但精神是一致的。因此，毛里奇奥-法莱尼似乎是一个传统的传承者，他继续探索其同胞几个世纪以来所走过的色彩之路，寻求开辟自己的道路，将目光投向那些对色彩进行研究的人的经验，以独创性的成果，将技术、知识、意识、动机、目标和结果完美地结合在一起，充分发挥色彩的魅力和潜力。接近光线：挑战可能的极限。正因为如此，才值得参与。
本文作者 : Federico Giannini
Nato a Massa nel 1986, si è laureato nel 2010 in Informatica Umanistica all’Università di Pisa. Nel 2009 ha iniziato a lavorare nel settore della comunicazione su web, con particolare riferimento alla comunicazione per i beni culturali. Nel 2017 ha fondato con Ilaria Baratta la rivista Finestre sull’Arte. Dalla fondazione è direttore responsabile della rivista. Nel 2025 ha scritto il libro Vero, Falso, Fake. Credenze, errori e falsità nel mondo dell'arte (Giunti editore). Collabora e ha collaborato con diverse riviste, tra cui Art e Dossier e Left, e per la televisione è stato autore del documentario Le mani dell’arte (Rai 5) ed è stato tra i presentatori del programma Dorian – L’arte non invecchia (Rai 5). Al suo attivo anche docenze in materia di giornalismo culturale all'Università di Genova e all'Ordine dei Giornalisti, inoltre partecipa regolarmente come relatore e moderatore su temi di arte e cultura a numerosi convegni (tra gli altri: Lu.Bec. Lucca Beni Culturali, Ro.Me Exhibition, Con-Vivere Festival, TTG Travel Experience).
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