Warum die Malerei unsere Sichtweise noch immer verändern kann. Ein Interview mit Lena Keller

Lena Keller (Heidelberg, 1980) gehört zu einer Künstlergeneration, die im Übergang vom Analogen zum Digitalen aufgewachsen ist, doch ihre Malerei entzieht sich jeder technologischen Vereinfachung. In ihren Werken ist die Landschaft niemals ein Ausblick zum Betrachten, sondern ein kulturelles Mittel, mit dem sie unser Verhältnis zur Natur, zur Erinnerung und zur Wahrnehmung hinterfragt. Keller hat eine Kunstpraxis entwickelt, die zwischen Abstraktion und Figuration schwebt, wobei die Farbe eine zentrale Rolle einnimmt, die dem Wort vorausgeht und eine unmittelbare emotionale Reaktion auslöst. Ihre künstlerische Praxis setzt sich mit dem Genre der Landschaft als malerischem Feld auseinander, das von den aktuellen sozioökologischen Bedingungen und den Auswirkungen der digitalen Bildkultur geprägt ist. Verwurzelt in einem historischen Genre, das gesellschaftliche Veränderungen widerspiegelt, reagieren ihre Ölgemälde auf den aktuellen Zustand mit einem Gefühl der Dringlichkeit und einer stillen Reflexion. Keller, der derzeit in der Nähe von München lebt und arbeitet, entwickelt seine Werke durch Prozesse der Verwandlung und Übersetzung, in denen Bild und Bezug allmählich ihre Hierarchie verlieren und zu einer neuen malerischen Realität verschmelzen. Die den Werken innewohnende Mehrdeutigkeit bietet den Betrachtern einen Bezugspunkt zu ihrem eigenen Erfahrungshorizont. Ihre Werke wurden mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet und international in Museen, Galerien und auf Kunstmessen ausgestellt, darunter in der Pinakothek der Moderne in München und im Museum Kunsthaus in Fürstenfeldbruck. Er hatte Einzelausstellungen in der LSS Gallery (New York), der Galerie Bayasli (Paris), der Kornfeld Galerie (Berlin) und der Galerie Heckenhauer (München). Ihre Werke sind in öffentlichen Sammlungen vertreten, darunter die Kunstsammlung des Deutschen Bundestages (Berlin) und die Staatliche Graphische Sammlung in München. In diesem Gespräch mit Gabriele Landi lässt die Künstlerin die Stationen ihrer künstlerischen Entwicklung Revue passieren, reflektiert über die Bedeutung der Landschaft in der Gegenwart und berichtet von einer Arbeitsweise, die – ohne nach eindeutigen Botschaften zu suchen – den Betrachter dazu einlädt, seine eigene Art, in der Welt zu leben und sie zu beobachten, zu hinterfragen.

GL. Für die meisten Künstler ist die Kindheit das goldene Zeitalter, in dem sich die ersten Anzeichen für ein Interesse an der Kunst zeigen. War das bei dir auch so?

LK. Schon als kleines Kind habe ich gemalt, gezeichnet und Dinge gebastelt. Ich liebte es, aus Pflanzenresten, Holz, Papier, Steinen und Draht Miniaturwelten zu erschaffen. Als ich in die Schule kam, waren meine Hefte voller Zeichnungen. Meine Eltern nahmen uns oft mit an interessante Orte: Ich erinnere mich zum Beispiel an das Treffen mit dem belgischen Künstler Peter Hodiamont in seinem Atelier, an Spaziergänge in den Gärten von Giverny oder an den Besuch im Haus von Dalí in Cadaqués.

Hattest du eine erste künstlerische Liebe?

Das erste Kunstwerk, das mich als Kind tief beeindruckt hat, war „Die Dame mit dem Hermelin “ von Leonardo da Vinci, von dem ich bei einem Klassenkameraden eine Reproduktion sah. Es verwirrte mich und faszinierte mich zugleich. Die Darstellung der Dame mit ihren kaum wahrnehmbaren Pinselstrichen wirkte auf mich fast fotografisch, obwohl sie eindeutig aus einer fernen Epoche stammte. Später sah ich in der Tate „I’m dreaming of a black Christmas“ von Richard Hamilton. Mehr noch als das Motiv waren es die teilweise verborgenen Entstehungsmethoden, die meine Neugier weckten. Das war das erste Mal, dass ich begann, über die Rolle der Malerei im multimedialen Zeitalter nachzudenken.

Was hast du studiert?

Ich habe 2022 mein Studium an der Akademie der Bildenden Künste in München als Meisterschülerin abgeschlossen, nach sechs Jahren Studium der Bildenden Künste/Malerei.

Gab es während deiner Ausbildung wichtige Begegnungen?

Als Studentin hatte ich das Glück, einen Sammler kennenzulernen, der auf meine Arbeit aufmerksam wurde. Seine Ermutigung hat mir geholfen, meine Neigung zu überwinden, meine Arbeit zu streng zu beurteilen. Heute wird der Zweifel immer mehr zu einer Quelle des Wachstums.

Wie hat sich dein Schaffen im Laufe der Zeit entwickelt?

Meine ersten Arbeiten waren überwiegend abstrakt, vielleicht aufgrund einer Zurückhaltung oder Unfähigkeit, meine künstlerische Position klar zu definieren. Derzeit bewegen sich meine Gemälde an der Schwelle zwischen Abstraktion und Figuration – ein Raum, den ich als anregend und produktiv empfinde.

Woher stammen die Motive, die du malst?

Der erste Anstoß für ein Werk ist oft ein visueller Eindruck aus meiner Umgebung, der auf einer tieferen, intuitiven Ebene bei mir nachhallt.

Was ist deine Vorstellung von Natur?

Es gibt einen Aufsatz von Alexander Kluge über unser Verhältnis zur Natur, den ich sehr schätze. Er trägt den Titel „Die Sehnsucht der Zellen “. Kluge betrachtet die Sehnsucht als ein prägendes Prinzip des Lebens. Das menschliche Verlangen könnte aus einer unbewussten Erinnerung an einen verlorenen Zustand der Einheit mit der Natur gespeist werden, der im Körper über die evolutionäre Zeit hinweg bewahrt wurde. Mir gefällt diese Idee als Perspektive, die meine Art prägt, als Mensch und als Künstlerin mit der Natur in Beziehung zu treten.

Die Landschaft ist ein Thema, das in der Malerei eine lange Tradition hat und in deinen Werken häufig vorkommt. Wie gehst du damit um?

Die Landschaft ist kein objektives Gebilde; sie ist eher eine kulturelle Perspektive als eine neutrale Sicht auf die Welt. Man denke zum Beispiel an die akribisch beobachteten, perspektivischen Landschaften des niederländischen Goldenen Zeitalters. Sie unterscheiden sich grundlegend von der symbolischen und ornamentalen Darstellung der Natur, wie sie in vielen künstlerischen Traditionen des Nahen Ostens zu finden ist. Die Landschaft ist ein Bild, das von einer Gesellschaft durch Erfahrung, Bildausschnitt und Darstellung erzeugt wird. Und diese Auffassung wird von den sozialen Bedingungen und den ökologischen Gegebenheiten ihrer jeweiligen Zeit beeinflusst. Ich konzentriere mich auf die Landschaft als Wahrnehmungsmodell im Kontext unserer heutigen Beziehung zur Natur. Was steht auf dem Spiel und wie beeinflusst uns das? Meine Überlegungen drehen sich um Umweltbelastungen, unsere Entfremdung von der Natur und darum, wie Technologie die Art und Weise beeinflusst, wie wir die Natur heute wahrnehmen, uns an sie erinnern und das Konzept der Natur konstruieren.

Interessiert dich der malerische Aspekt?

Meine Motive sind keine direkten Abbildungen der Realität. Ich versuche, Bezüge zur visuellen Erfahrung eines Motivs herzustellen und dessen zugrunde liegende Spannungen und Paradoxien mit Feingefühl und Sensibilität nachzuzeichnen. Für mich besteht die größte Stärke der Malerei darin, subtile Aspekte und emotionale Regungen zu vermitteln, die über die verbale Ausdrucksfähigkeit hinausgehen.

Wie wichtig ist der technische Aspekt in deiner Arbeit?

Ich gehöre einer Generation an, die während des Übergangs vom Analogen zum Digitalen aufgewachsen ist und von einer zunehmend fragmentierten und ästhetisierten Welt geprägt wurde. Auf diesen Gegebenheiten baue ich meine malerische Realität auf. Ich betrachte sie nicht als Einschränkungen, sondern als produktive Elemente meiner Praxis.

Wie wichtig ist die Farbe in deiner Arbeit?

Noch bevor wir irgendetwas sehen, nehmen wir Farbe wahr. Sie spricht uns direkt an, noch bevor das bewusste Denken eingreifen kann. Auch wenn ich ein Konzept im Kopf habe, ist die Farbe das intuitivste Element meiner Malerei, dem ich den meisten Raum widme. Farbnuancen und Farbverläufe sind ein grundlegendes Element in meinen Gemälden, da sie Verbindungen schaffen und Grenzen innerhalb des Bildes definieren oder diese im Gegenteil auf eine Weise auflösen, die visuelle Konventionen in Frage stellt.

Interessiert dich die spirituelle Dimension?

Nicht wirklich. Ich würde meine Weltanschauung als agnostisch bezeichnen. Die Grundlage meiner künstlerischen Praxis liegt wahrscheinlich in Neugier und Erkundung.

Welche Rolle spielt für dich das Atelier, verstanden als der physische Ort, an dem die Arbeit der Künstlerin stattfindet?

Zunächst einmal ist es mein Arbeitsraum. Es trennt mich von der Welt und ermöglicht es mir, mich zu konzentrieren. Ich kann meiner Arbeit Raum geben, sie aus verschiedenen Perspektiven oder mit Abstand betrachten und verstehen, wie die Werke zueinander in Beziehung stehen. Mein Atelier ist mein Rückzugsort, an dem ich meine Ideen und Werke vor Druck und Urteilen schütze, bis sie fertig sind.

Wenn du ein Werk beginnst, hast du dann bereits eine klare Vorstellung davon, wie es sich entwickeln wird, oder gibt es Raum für Änderungen im Laufe des Prozesses?

Ich lasse mich von einem Archiv aus Skizzen, Texten und Fotos inspirieren, die ich entweder gefunden oder selbst aufgenommen habe. Bevor ich mit dem Malen beginne, fertige ich zahlreiche Vorstudien an, sowohl auf Papier als auch in digitaler Form, um meinen Ideen Gestalt zu verleihen. Sobald ich mit dem Malen beginne, wird der Prozess offener, bleibt aber dennoch von einer klaren Grundvision geleitet.

Spielen Zufall und Unvorhergesehenes in deiner Arbeit eine Rolle?

Ich habe eine starke Verbindung zu meiner Intuition. Das bedeutet jedoch nicht, dass ich intuitiv male. Die Verwirklichung der Vision eines Gemäldes erfordert Konzentration und Ausdauer. Zufall und Unvorhergesehenes sind charakteristisch für dieses Medium und bringen Abwechslung in den Prozess, aber ich fördere sie nicht aktiv. Wenn sie auftreten, sind sie anregend und treiben das Gemälde oft über seine Grenzen hinaus.

Arbeitest du in Serien, wobei du dich jeweils auf ein Gemälde konzentrierst, oder schaffst du mehrere gleichzeitig?

Ich arbeite nicht in Serien, sondern aufgrund des Trocknungsprozesses an mehreren Gemälden gleichzeitig. Das führt oft zu Gruppen von Werken, die lose miteinander verbunden sind. Für mich sind diese Gruppierungen offene Formationen, während ich Serien als starrere, thematisch festgelegte Strukturen betrachte, die ich für meine Arbeitsweise als zu einschränkend empfinde.

Welche Art von Dialog suchst du mit dem Betrachter, der vor deinen Werken steht?

Es interessiert mich nicht, eine Botschaft oder eine vorgegebene Erzählung zu vermitteln. Vielmehr hoffe ich, einen Raum zu schaffen, in dem die Betrachter über ihre eigene Beziehung zur Welt und deren Herausforderungen nachdenken können. Ich glaube, dass die Malerei eine eigene Sprache spricht und durch das Bild und den Schaffensprozess sensorische Informationen vermittelt.

Manche Künstler positionieren sich am Rande ihrer Tätigkeit, andere, wie beispielsweise Bühnenkünstler, stehen oft im Mittelpunkt, wieder andere betrachten ihre Arbeit von oben oder von unten – oder umgekehrt … Wie positionierst du dich in Bezug auf das, was du tust?

Das Werk entsteht aus meiner Perspektive, aus der Art und Weise, wie ich die Welt wahrnehme. Die Malerei ermöglicht es mir, in diese Erfahrung ein- und wieder auszutreten, in sie involviert zu sein und sie gleichzeitig zu beobachten. In diesem Sinne nehme ich eine wechselnde Position ein: teils als Teilnehmender, teils als Beobachter.

Der Autor dieses Artikels: Gabriele Landi

Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.

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