本周二， 最权威的国际艺术出版物之一《 阿波罗》杂志发起了一场讨论：博物馆是否应该展出使用活体动物制作的艺术品？洛杉矶作家兼策展人维多利亚-戴利（Victoria Daley）和 明尼苏达大学出版社出版的《 艺术与自然》杂志编辑乔瓦尼-阿洛伊（Giovanni Aloi）回答了这个问题，前者反对这种做法，后者则 表示赞成。这个话题既有现实意义又很有趣，我们在下文中将翻译两位评论家的立场（由伊拉里亚-巴拉塔编辑），提出这样一个问题：在博物馆或展览中展出活体动物对吗？
不，这是不对的：维多利亚-戴利的立场
每个人都可以从不同的角度理解这个问题，但无论如何，答案都是一样的：不对。
在讨论这个问题之前，我们必须从问题本身所固有的假设出发：使用活体动物的作品是否真的是艺术。或者说：将活体动物作为艺术品展示，会破坏艺术的意义，同时将活体生物归入不可接受的物品类别。艺术家被要求进行发明和解释，进行改造和变革，他们必须认识到，在艺术作品中引入真实的动物并不是一种艺术行为，而是一种文字行为--它否定了实现艺术所必需的创造、解释和想象行为。动物可以被画出来，但用活生生的生物代替想象力的作品则是被禁止的。
近几十年来，动物的伦理待遇已成为许多领域讨论的话题。目前，电影都宣称在拍摄过程中没有虐待动物。被送往屠宰场的动物在其短暂生命的最后一刻所得到的待遇往往比它们在余生中所得到的还要好。许多动物收容所实行 “不杀 ”政策。动物园为给游客创造更 “自然 ”的环境对其空间进行了改造，而马戏团则因公众要求结束虐待动物的行为而关闭。博物馆作为前卫艺术的代表，并没有对活体动物制定明确的政策。也许是因为艺术家和博物馆经常认为自己不受各种限制--他们能够（理所当然地）以艺术自由和言论自由的名义展示许多有争议的问题。但是，他们不能滥用这些特权，使用活体动物。一旦这样做，他们的权力就会变成恶霸的权力--其道德准则就是强者的理由。给猪纹身、给狗涂上粉色或在乌龟背上贴电脑，这些都被认为是残忍的行为。
任何傲慢的舔食者都不能虐待动物，但当一个艺术家这样做并把这种行为称为 “艺术 ”时，他就失去了被称为艺术家的权利。在后达尔文理论中，人与动物之间的遗传亲缘关系得到了充分的承认，以艺术的名义让动物非自愿地服役会遭到人们的厌恶，而不会被允许。
艺术界通常支持尽可能多的生物享有权利；但奇怪的是，有些人却主张对有生命的生物实行统治、征服和大男子主义的物种控制哲学，而他们对此却无话可说。与性别歧视或种族主义一样，物种主义也是需要克服的问题，而不是需要支持的艺术时尚。让我们记住，废除奴隶制的问题也曾让人类备受煎熬。人类浪费了大量的时间和生命来争夺这些在我们看来可笑的问题（我们总是居高临下地对待过去，却没有意识到我们正生活在过去）。毫无疑问，我们的后人在回首往事时，会谴责我们不以为然的粗鲁思想和习惯--包括在艺术中使用活体动物作为隐喻、象征、支撑和工具。如果解释和道德都无法让人信服，那么博物馆是否应该拒绝展出活体动物呢？在我们真正理解动物的情感之前，对它们表示怀疑难道不是一种谨慎和礼貌的做法吗？它们已经承受了被吃掉、接受实验、离开栖息地、被猎杀作为体育运动或身体的一部分、被克隆、被迫战斗、竞争和表演的负担--为什么艺术家还要扩大折磨动物的行列呢？我们是否应该把活生生的动物视为艺术品？现在艺术是否凌驾于动物王国之上，优先于生命本身？如果博物馆支持将动物纳入其展出的艺术作品中，请用 “是 ”来回答这些问题。应该鼓励他们坚定地回答 “否”。
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| 皮埃尔-赫伊热，《未耕》（2012-2013 年） |
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| 维姆-德尔沃伊，《琳达》（2006 年） |
是的，这是正确的：乔瓦尼-阿洛伊的立场
历史证明，言论自由是解放受压迫少数群体的有力工具。然而，最近，在社会和后真相时代，我们似乎太容易忘记了指导其实践的基本原则：责任。
去年秋天，在纽约古根海姆美术馆举办的中国当代艺术回顾展中，三件以动物为主题的作品被刻意纳入其中，引发了前所未有的抗议。孙原和彭禹创作的《不能相碰的狗》（2003 年）是一件录像作品，在作品中，被拴在跑步机上的斗牛犬在激烈的追逐中互相搏斗；徐冰的《移情个案研究》（1994 年）记录了两头猪在观众面前交配的表演；黄永砯的《世界剧场》（1993 年）是一个昆虫、蜥蜴、蛇和蜘蛛互相吞食的围栏。
抗议发生后，博物馆发布新闻稿称：“言论自由一直是古根海姆博物馆的核心价值观，今后也将继续如此。然而，”1989 年后的艺术与中国：世界剧场 "在没有展出引发抗议的作品的情况下继续展出。现在，博物馆最近购买了徐冰的作品，并重新提议在毕尔巴鄂古根海姆举办展览，这再次引发了争议。这是蓄意挑衅吗？是对宣传的绝望呐喊？还是对包括艾未未在内的国际艺术界人士批评博物馆在压力下倒闭的政治暗示？古根海姆是否希望斗牛之国会觉得这些作品不那么讨厌？
从 1969 年扬尼斯-库内利斯（Jannis Kounellis）的拴马、1974 年约瑟夫-博伊斯（Joseph Beuys）在纽约画廊与土狼的表演性邂逅，到 1990 年代达米安-赫斯特（Damien Hirst）悬浮在甲醛中的牛和蛇，动物无论好坏都吸引了大量关注。它们对现代主义的纯粹性提出了挑战，而这种纯粹性仍然是画廊的核心。在许多古典和当代作品中，动物代表着我们的影子--非理性、不可预测、本能和原始。
考虑到近年来艺术发生的巨大变化，现在公众可能会对某些作品感到反感，这并不奇怪。然而，古根海姆之争引起的不同寻常的反响（征集到的签名超过 80 万个）使问题变得更加复杂。一方面，我们需要考虑到文化和地理上相距遥远的国家在动物伦理方面的差异；另一方面，气候变化和大规模物种灭绝给当前问题带来的紧迫性正在迅速改变人们的共同参照系。人们日益认识到，我们与大自然的关系一直是无益的陈词滥调，因此，对大自然的认识、理解和责任正在达到一个新的高度。
在这些作品中，动物取代了人本身。它们是国家、民族或资本主义体系中无名的棋子；动物作为人类：这是一个古老的游戏，不再有趣。寓言作为古典艺术的范畴，如今需要更复杂的取向来吸引观众并给他们留下深刻印象。今天的观众透过微弱的隐喻面纱，看到的只是虐待动物。此外，孙原和彭禹、徐冰和黄永砯的作品都暗中将观众变成了虐待狂窥视者。有必要看到动物互相残杀来思考资本主义的无知吗？观看两头猪交配是一种新的、细致入微的国际事务构思方式吗？折磨狗是反思权力和控制的创造性方式吗？中国有更多有趣和发人深省的当代艺术，其中一些可以在古根海姆展览中找到。
然而，我们不能一概而论：并非所有使用动物的作品都是妖魔化的。Beatriz da Costa、Mark Dion、Pierre Huyghe、Céleste Boursier-Mougenot 和 Ren Ri 等人的作品都以不同的方式与当代观众交流，因为他们的主题是人与动物的关系。动物出现在展厅中是作品意义的体现，也为我们提供了认真思考与动物共存的机会。这些艺术家获得了关于动物的知识，并确保画廊适合动物的健康成长；他们的作品吸引、激发、重新想象和教育观众。这些作品不太可能像在古根海姆展出的作品那样引起反响。
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| 徐冰，移情个案研究（1994 年） |
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| 黄永砯，《世界剧场》（1993 年） |
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| 扬尼斯-库内利斯，《无题》（1969 年） |
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| 约瑟夫-博伊斯，《我喜欢美国，美国也喜欢我》（1974 年） |
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| 达米安-赫斯特：《活着的人心中死亡的物理不可能性》（1991 年） |
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| 塞莱斯特-布尔西埃-穆热诺，《从这里到耳朵》（1999 年至今） |
本文作者 : Ilaria Baratta
Giornalista, è co-fondatrice di Finestre sull'Arte con Federico Giannini. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa. È responsabile della redazione di Finestre sull'Arte.
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