Spoleto ehrt Francesco Marignoli anlässlich seines 100. Geburtstags mit einer Ausstellung im Palazzo Collicola

Spoleto würdigt Filippo Marignoli (Perugia, 1926 – Seattle, 1995), einen bedeutenden italienischen Maler des 20. Jahrhunderts, anlässlich seines 100. Geburtstags mit der Ausstellung „Un salto nel vuoto: Filippo Marignoli, 1926–1995, die vom 27. Juni 2026 bis zum 10. Januar 2027 in der Galleria d’Arte Moderna im Palazzo Collicola zu sehen ist. Die von der Fondazione Marignoli geförderte Ausstellung wird am Samstag, den 27. Juni, um 11 Uhr eröffnet und bietet einen Rundgang durch 22 Werke, die die verschiedenen Schaffensphasen eines Künstlers nachzeichnen, dessen Werdegang sich zwischen Italien, den Vereinigten Staaten, Hawaii und Frankreich, in ständiger Auseinandersetzung mit den wichtigsten internationalen künstlerischen Strömungen der Nachkriegszeit. Die Ausstellung wird vom Kunsthistoriker und Kurator Peter Benson Miller kuratiert, unterstützt von Michele Drascek, Projektkurator der Fondazione Marignoli in Montecorona, sowie Gemma Fullone. Ziel der Ausstellung ist es, dem Publikum die Komplexität eines Künstlers näherzubringen, der zwar eine starke Verbindung zu seiner Heimat bewahrte, sein künstlerisches Schaffen jedoch durch eine ständige Neudefinition von Ausdrucksformen, Bezügen und kulturellen Perspektiven weiterentwickelte.

Filippo Marignoli, 1926 in Spoleto geboren, machte seine ersten Schritte als autodidaktischer Maler innerhalb der als „I sei di Spoleto“ bekannten Gruppe . In diesem Kontext nahm seine erste künstlerische Erfahrung Gestalt an, tief verwurzelt in der umbrischen Landschaft und den Eindrücken seiner Heimat. Sein kreativer Werdegang entwickelte sich jedoch schon bald über regionale und nationale Grenzen hinaus. Im Laufe seines Lebens lebte und arbeitete Marignoli in Rom, New York, Honolulu und Paris und machte das Reisen und die Auseinandersetzung mit unterschiedlichen Realitäten zu einem wesentlichen Bestandteil seiner künstlerischen Identität. Gemäß dem Konzept der Ausstellung lässt sich die gesamte Karriere des Künstlers als eine kontinuierliche und bewusste Auseinandersetzung mit den Möglichkeiten und Grenzen der Malerei lesen. Eine Suche, die von einem unaufhörlichen transnationalen Austausch und sich ständig wandelnden kulturellen Horizonten genährt wird, die Marignoli zu einer exemplarischen Figur jenes Kosmopolitismus machen, der viele der innovativsten Erfahrungen der Nachkriegskunst geprägt hat.

Der Ausstellungsparcours möchte verdeutlichen, wie die Sprache des Künstlers, die ursprünglich im Bereich des Informel angesiedelt war, im Laufe der Zeit unterschiedliche Formen annahm, bedingt durch die Begegnungen, Kontexte und Impulse, die er während seiner Auslandsaufenthalte sammelte. Die Werke der frühen Jahre und die der Reifezeit mögen sehr weit voneinander entfernt erscheinen, doch die Ausstellung betont die Kontinuitäten, die sich durch das gesamte Schaffen des Künstlers ziehen.

Besondere Aufmerksamkeit gilt den 1950er Jahren, als Marignoli eine informelle Malerei entwickelte, die stark von einer materiellen und experimentellen Dimension geprägt war. In dieser Zeit wandelt sich die Landschaft, ein zentrales Element seiner Ausbildung, nach und nach von einem Ort des expressiven Schaffens zu einem Feld der Beobachtung und Analyse. Seine Forschung orientiert sich an einer immer differenzierteren Reflexion über die Struktur des Bildes und die Prozesse der Bedeutungsbildung. Ein grundlegender Schritt in dieser Phase ist die Einführung von Gaze-Streifen, die ab 1958 auf die Oberfläche der Leinwände aufgebracht wurden. Diese Elemente werden zur Grundlage einer Malerei, die durch Risse, Ablagerungen und materielle Spannungen gekennzeichnet ist und Marignolis Interesse an den Forschungen von Alberto Burri sowie am physischen Wert der Materialien bezeugt. Die Werke jener Jahre zeugen in der Tat von einer Sensibilität, die den Experimenten nahekommt, die das Konzept der malerischen Oberfläche selbst neu definierten.

Ebenfalls in den 1950er Jahren taucht ein weiteres Element auf, das für seinen Werdegang von Bedeutung sein sollte: ein tiefer vertikaler Bruch, der einige Kompositionen durchzieht. Diese dramatische Öffnung teilt die Fläche wie ein Blitz und erinnert einerseits an die Abgründe und Spannungen der abstrakten Skulpturen von Leoncillo, die 1957 in Rom präsentiert wurden, und andererseits an die berühmten Schnitte der Concetti Spaziali von Lucio Fontana. Durch diese Lösungen scheint Marignoli die Integrität der traditionellen Malerei in Frage zu stellen und das Bild für neue Wahrnehmungs- und Konzeptmöglichkeiten zu öffnen.

Zur gleichen Zeit übt die New York School eine starke Anziehungskraft auf ihn aus. Die Erfahrungen des US-amerikanischen Abstraktionismus stellen für den Künstler eine Art Anziehungskraft dar, die seine Forschung auf das ausrichtet, was als „Sprung ins Leere“ bezeichnet wird. Dieser Ausdruck bezeichnet nicht nur die Hinwendung zur amerikanischen Abstraktion und die Abkehr von äußeren Bezügen, sondern auch die Akzeptanz eines Zustands der Ungewissheit und des Risikos, der den Verzicht auf etablierte Traditionen und das Eintauchen in die urbane, individualistische und chaotische Moderne mit sich bringt.

Ein entscheidender Moment dieser Schaffensphase war die Ausstellung von 1960 in der Galerie L’Attico von Bruno Sargentini in Rom. Die bei dieser Gelegenheit präsentierten Werke zeugen von einem intensiven Dialog mit zwei zentralen Figuren der italienischen Kunst des 20. Jahrhunderts, die beide mit Umbrien verbunden waren: dem bereits erwähnten Leoncillo Leonardi, Freund und Förderer der „Sei di Spoleto“, und Alberto Burri. Die Ausstellung im Palazzo Collicola umfasst verschiedene Werke aus der Zeit der Zusammenarbeit mit Sargentini und bietet einen direkten Einblick in Marignolis intensive Einbindung in das lebendige künstlerische Umfeld jener Jahre.

Das Jahr 1960 fällt zudem mit einem bedeutenden Aufenthalt in New York zusammen. Die amerikanische Erfahrung erweist sich als besonders fruchtbar und führt zur Entstehung einer Reihe großer abstrakter Gemälde, die sich durch neblige Stimmungen und eine vorherrschende rosa Farbgebung auszeichnen. Diese Werke werden als Hommage an die Farbpalette interpretiert, die Philip Guston in einigen seiner lyrischen Gemälde aus den Jahren zuvor verwendet hatte – Werke, die ein Teil der Kritik dem Begriff „Abstract Impressionism“(abstrakter Impressionismus) zugeordnet hatte. Nach New York setzt sich der internationale Werdegang des Künstlers mit dem Umzug nach Honolulu und anschließend nach Paris fort. Die unterschiedlichen geografischen und kulturellen Erfahrungen beflügeln eine Suche, die unaufhörlich die Beziehung zwischen Zugehörigkeit und Entwurzelung, Erinnerung und Transformation, Wurzeln und Weltoffenheit hinterfragt.

Die 1970er Jahre markieren eine besonders bedeutsame Übergangsphase. Die Ausstellung dokumentiert diesen Moment durch das Werk „Homesick“, ein melancholisches Selbstporträt, in dem Marignoli sich von hinten darstellt. Das Bild vermittelt die existenzielle Dimension eines Lebens, das von ständigen Umzügen geprägt ist, und deutet auf die psychische Belastung einer nomadischen Karriere hin. Die leicht gebeugten Schultern und die in sich gekehrte Haltung scheinen von einem Zustand der Nostalgie und der Besinnung zu erzählen. Auch die Details des Werks erhalten eine symbolische Bedeutung: Die weite Jacke, die der Künstler trägt, ist von einer Reihe paralleler vertikaler Linien durchzogen, die eines der zentralen Motive seines späteren Schaffens vorwegnehmen, die „Vertical Landscapes“. Gleichzeitig lässt das Bild einen idealen Dialog mit Domenico Gnoli erahnen, einem Freund des Künstlers und einer bedeutenden Persönlichkeit der italienischen Kulturszene, der 1970 vorzeitig verstorben ist.

Gerade in den 1970er Jahren vollzieht Marignoli eine entscheidende Wende, indem er die Sprache des Informel endgültig hinter sich lässt und zu einer neuen Serie von Landschaften gelangt, die sich durch eine fast analytische Präzision auszeichnen. So entstehen die oben erwähnten „Vertical Landscapes“, Werke, die zu den originellsten und wiedererkennbarsten Ergebnissen seiner künstlerischen Suche zählen. Diese Arbeiten, die 1977 in der Galerie von Denis René präsentiert wurden, sind von straffen vertikalen Linien durchzogen, die den Raum zerschneiden und die Landschaft in eine komplexe Konstruktion verwandeln, die zwischen Beobachtung und Interpretation schwebt: In der von der Ausstellung vorgeschlagenen Lesart stellen diese Werke den vollendetsten visuellen Ausdruck des Konzepts des „Sprungs ins Leere“ dar. Die „Vertical Landscapes“ verkörpern nämlich die Spannungen, die durch die Situation derjenigen entstehen, die ständig zwischen verschiedenen Orten leben. Die Erfahrung der Entwurzelung wird hier zu einem kreativen Instrument, das in der Lage ist, neue ästhetische Konfigurationen hervorzubringen. Die Werke destabilisieren die gewohnten räumlichen Bezugspunkte, verschmelzen unterschiedliche Perspektiven und schaffen einen kontinuierlichen Dialog zwischen beschreibender Geometrie und semiotischer Untersuchung. Durch diese Gemälde gestaltet Marignoli einen unkonventionellen künstlerischen Werdegang, der Kontinente, Kulturen und Traditionen durchquert. Die vertikalen Landschaften erscheinen als Ergebnis einer komplexen Synthese, in der die starke Verbundenheit mit Umbrien und das Gefühl der Fremdheit, das während der langen Jahre im Ausland gereift ist, nebeneinander bestehen. In diesem scheinbaren Widerspruch konzentriert sich einer der originellsten Aspekte seines Werks.

Begleitend zur Ausstellung erscheint ein Katalog, herausgegeben von ViaIndustrie in Foligno. Der Band enthält einen kritischen Text von Peter Benson Miller sowie Beiträge von Davide Ferri und Saverio Verini im Dialog mit Fabio Sargentini und Gemma Fullone. Abgerundet wird die Publikation durch Abbildungen der ausgestellten Werke, aufgenommen von Marcello Fedeli.

Spoleto ehrt Francesco Marignoli anlässlich seines 100. Geburtstags mit einer Ausstellung im Palazzo Collicola

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