Anlässlich des zehnten Lerici Music Festivals, einer Initiative, die bereits im dritten Jahr einen neuartigen Dialog zwischen zeitgenössischer Kunst und Musik bietet, kuratiert von Carlo Orsini und in Zusammenarbeit mit der Galleria Continua realisiert, beherbergt die Villa Marigola in Lerici die Einzelausstellung von Giovanni Ozzola (Florenz, 1982) mit dem Titel „I miei orizzonti e Tu“. Wir haben den Künstler getroffen, um von ihm nicht nur mehr über sein ortsspezifisches Projekt für die Villa Marigola zu erfahren, sondern auch über die Themen und wiederkehrenden Elemente in seinem Schaffen sowie weitere interessante Aspekte seiner künstlerischen Arbeit. Das Interview führte Ilaria Baratta.
IB. Beginnen wir mit der neuen Ausstellung, die bis zum 2. August 2026 im Rahmen des zehnten Lerici Music Festivals in den Räumlichkeiten der Villa Marigola in Lerici zu sehen ist. Der Titel der Ausstellung lautet „I miei orizzonti e Tu“ („Meine Horizonte und Du“) und suggeriert eine sehr intime, aber auch zwischenmenschliche Dimension. Wer ist dieses „du“, auf das du dich beziehst?
GO. Ja, dieses „du“ ist von grundlegender Bedeutung, denn „meine Horizonte“ sind natürlich meine Werke: die Art und Weise, wie ich versuche, diese beiden Unbekannten zu ergründen, diese beiden Orte, die zugleich physisch und mental sind und in denen wir alle leben: den inneren und den äußeren. Auf der einen Seite gibt es das Morgen, das Leben und die Begegnung mit dem Anderen; auf der anderen Seite jene innere Welt aus Bildern, Symbolen, Erinnerungen, Erfahrungen und Empfindungen. Das „du“ bezieht sich hingegen auf die Menschen, die die Ausstellung besuchen, oder auch einfach auf diejenigen, die den Titel lesen, denn sie werden hier ins Spiel gebracht. Ich glaube, dass jeder von uns eine Chance für alle anderen, für die gesamte Menschheit sein kann. Ich glaube, dass jeder von uns seine eigenen Horizonte nicht nur für sich selbst erforschen sollte, sondern weil jeder Schritt in Richtung Selbsterkenntnis auch ein Schritt für die anderen ist. Denn, wie ich oft sage, besteht der Unterschied zwischen einer Herde und einer Gruppe darin, dass die Gruppe aus Individuen besteht, die einen Standpunkt haben und diesen mit den anderen teilen. Diese Suche nach sich selbst, dieser ständige Versuch – der kein endgültiges Ziel hat –, sich selbst zu definieren, sich Fragen zu stellen und sich mit den eigenen Ängsten auseinanderzusetzen, macht uns in gewisser Weise zu Individuen. Wir tun dies, um dem anderen wirklich begegnen zu können.
Diese Ausstellung wurde speziell für die Villa Marigola und den Golf der Dichter konzipiert. Inwiefern hat der Dialog mit diesem Ort die Werke und den Ausstellungsparcours beeinflusst?
Ja, es war das erste Mal, dass das Festival direkt eine Reihe von Werken hervorgebracht hat. Ich bin von dem Raum ausgegangen, der eine extrem starke Identität besitzt und eine sehr intensive Seele hat: Er strahlt Gastfreundschaft und Schönheit aus, ist voller Zeichen, ist aber auch ein Wachposten. Es ist ein Ort, der auf den Golf der Dichter blickt, der aber, wie wir wissen, seit jeher auch befestigt war, denn das Meer war zugleich ein Weg der Gastfreundschaft und eine mögliche Bedrohung. Er hat diese doppelte Natur: Gastfreundschaft und Wachsamkeit, Offenheit und Verteidigung. Ausgehend von diesen Beobachtungen habe ich fünf Werke entwickelt, die speziell für dieses Projekt entstanden sind und Teil eines Parcours sind, der fünfzehn Jahre meiner Forschung zusammenfasst. Es gibt zwei Bunker, zwei Bilder, die ich in Punta Bianca aufgenommen habe, und weitere in Portovenere. Anstatt dem Raum etwas aufzuzwingen, habe ich versucht, ihm zuzuhören und ihn selbst die Form der Ausstellung vorschlagen zu lassen. Ich habe eine Art Organismus geschaffen, in dem ein Raum Tageslicht und der andere künstliches Licht hat. Das ist der erste Unterschied, doch beide sind durch einen Körper vereint, der aus jedem einzelnen Werk besteht. Jedes einzelne Werk ist in der Grammatik der Ausstellung ein Wort, das dazu beiträgt, einen Diskurs aufzubauen, fast wie ein Gedicht. Jedes Werk hat seinen eigenen Grund, unabhängig zu existieren, aber wenn es mit den anderen zusammenkommt, erzählt es etwas mehr, genau wie wir es tun, wenn wir zusammen sind. Auch diese Ausstellung ist ein Beispiel dafür, wie das Handeln des Einzelnen eine größere Bedeutung erhält, wenn es auf das Handeln der anderen trifft. Dieses Projekt entstand aus der Zusammenarbeit von Margherita Amirkhanian, Carlo Orsini und der Galleria Continua, und wir teilten von Anfang an den Wunsch, gemeinsam eine einheitliche Richtung einzuschlagen.
In den ausgestellten Werken taucht das Meer oft als zentrales Element auf, sei es als Blick auf den Horizont oder als Bestandteil der Installationen (zum Beispiel in den auf dem Boden platzierten Schiffsglocken oder in der großen Bodeninstallation, oder auch in der Videoarbeit „Sin Tiempo“, in der sich ein Mann in einer alten, auf den Kanarischen Inseln beheimateten Pfeifsprache, dem Silbo Gomero, an das Meer wendet). Was bedeutet das Meer für dich? Ich glaube, es ist für dich nicht nur eine Landschaft, sondern hat eine viel tiefere Bedeutung.
Ja, du erkennst die Präsenz des Meeres in allen Werken sehr gut. Es liegt auf der Hand, dass es unterschiedliche Bedeutungen annimmt. Bei den geografischen Karten interessiert mich zum Beispiel weniger das Meer als vielmehr die Idee des Horizonts, dieses Ortes, den wir nicht erreichen können und der sich ständig verschiebt. In der zentralen Arbeit hingegen ist das Meer jener unermessliche Raum, den Generationen von Menschen durchquert haben, die versucht haben, die Grenze des Unbekannten immer weiter hinauszuschieben. Auch in der von dir erwähnten Videoarbeit gibt es diese Verbindung zu den Kanarischen Inseln, auf denen ich mittlerweile seit vielen Jahren lebe. Dort hat diese Sprache ihren Ursprung, die seit 2009 von der UNESCO anerkannt ist. Das Meer, den Ozean, nennen sie dort „den Vater“. Ich finde es faszinierend, dass dieselbe Wasserfläche je nach unserer Herangehensweise ihre Bedeutung ändert. Dann ist da noch die Idee der Welle, die auch mit dem Thema des Festivals in Dialog stand. Ich glaube, in all meinen Werken gibt es immer eine fast wellenartige Bewegung: ein ständiges Vor- und Zurückweichen. Genau in dieser Bewegung entsteht meiner Meinung nach das Werk. Es gibt immer eine Bekräftigung – in der Arbeit mit den Glocken, in der Arbeit am Boden oder im Video – der eigenen Position: „Ich bin hier. Das ist meine Geschichte. Das sind meine Narben. Das ist der Raum, den ich bewohne.“ Und gleichzeitig gibt es die Ausrichtung auf etwas Größeres, wo der Einzelne begreift, dass er niemals wirklich allein ist. Das Werk entsteht gerade in diesem ständigen Wechselspiel zwischen diesen beiden Zuständen: der Selbstbehauptung und der Offenheit gegenüber dem, was uns übersteigt.
Die Ausstellung beginnt mit einer ortsspezifischen Fotografie, die man bereits vor dem Betreten des ersten Saals sieht: ein Bunker, von dem aus man das Meer sehen kann und der Spuren der Verwahrlosung sowie Graffiti-Schriftzüge aufweist. Was suchst du in diesen ungewöhnlichen Räumen und Kontexten?
Für mich verkörpern diese Orte eine ursprüngliche Intuition. Ich habe mich schon immer stark zu diesen Räumen hingezogen gefühlt und im Laufe der Jahre versucht zu verstehen, warum diese Bilder für mich so kraftvoll sind. Eine wichtige Erkenntnis kam mir durch Antony Gormley, der zu mir sagte: „Giovanni, deine Bilder zu erleben ist, als befände man sich in einem Schädel“. Diese Schlitze, diese Öffnungen sind wie Augen. Wenn man das Bild tatsächlich so interpretiert, werden all diese Zeichen – der verlassene, zerbrochene, zerkratzte Ort mit den Sprühfarben-Schriftzügen – zu unseren Erinnerungen, unseren Erlebnissen, unseren Erfahrungen, unseren Falten, unseren Narben. Es ist ein Ort, aus dem man gewissermaßen auch fliehen möchte: Man könnte dort ohne dieses Fenster nicht überleben, ohne diese Möglichkeit, die der Andere ist, die der Horizont ist, die die Landschaft ist, die das ist, was jenseits von uns selbst existiert. Doch gleichzeitig führt dich dieser Blick auf etwas Größeres in eine Dimension, in der dein Ich sich aufzulösen scheint. Das ist erlösend, denn du schaffst es, all diesen Zeichen zu entkommen, doch im selben Moment riskierst du, die Wahrnehmung deiner Individualität zu verlieren. Dann die Rückkehr zum Bild – deshalb habe ich von der Welle gesprochen –, diese Rückkehr an den verlassenen Ort, voller Zeichen, der dich in gewisser Weise schützt und dich ausmacht, dir einen Körper verleiht. Die Antwort liegt weder im einen noch im anderen. Gerade in der ständigen Bewegung zwischen diesen beiden Zuständen nimmt das Werk für mich Gestalt an.
Wie entstehen deine fotografischen Arbeiten? Findest du die Inspiration zufällig bei deinen Spaziergängen, oder geht der Fotografie immer eine Vorarbeit voraus?
Das kommt darauf an. Im Laufe der Jahre hat sich meine Herangehensweise stark verändert, denn heute ist es oft die Arbeit selbst, die mir den Weg weist. Oft sind es Menschen, die mir durch ihre Arbeit Orte vorschlagen, von denen sie glauben, dass sie zu meiner Suche passen. Zum Beispiel erzählten mir die Leute schon seit Jahren, dass es in Ligurien Orte gäbe, die mich interessieren könnten, aber ich war noch nie dort gewesen. Dann bat mich Margherita, diese Ausstellung zu realisieren, und plötzlich ergaben all diese im Laufe der Jahre gesammelten Vorschläge einen Sinn. Selten mache ich mich mit der Vorstellung auf den Weg, ein bestimmtes Bild zu suchen. Manchmal kommt es vor. Ein befreundeter Sammler wollte mich zum Beispiel nach Namibia mitnehmen, um mir einige verlassene Städte zu zeigen. Wir sind von Südafrika aus aufgebrochen und bis nach Namibia gereist, nur um diese Orte zu sehen. Ich stelle mir gerne vor, dass die Bilder immer durch Beziehungen entstehen. Bei Videos ist das anders. Es ist nicht so, dass es in der Fotografie keine Absicht gäbe, aber wenn ich ein Video drehe, geht dem eine viel gründlichere Vorbereitung voraus. Auch wenn sich dann zwangsläufig alles ändert. Es ist ein bisschen wie beim Schreiben eines Buches: Man kann eine ganz konkrete Vorstellung haben, einen Wunsch, an dem man festhält, und versuchen, alles in diese Richtung zu lenken. Doch dann verwandeln die Realität, die Begegnungen und die Unvorhergesehenen dieses Projekt in etwas, das nie ganz mit dem übereinstimmt, was man sich vorgestellt hatte.
Der Ausstellungsparcours in der Villa Marigola umfasst Fotografie, Installation und Video. Gibt es eine Ausdrucksform, mit der du dich freier ausdrücken kannst?
Nein. Ich bin neugierig auf alle Ausdrucksformen, die einer Intuition die richtige Gestalt verleihen können. Daran glaube ich fest. Das Werk entsteht in einem Moment der Intuition, der Klarheit, und dann suche ich mit allen Mitteln nach der passendsten Form, um ihm Gestalt zu verleihen. Ich denke in Bildern. Das Bild kommt zuerst; das Ausdrucksmittel folgt erst danach. Es ist immer das Bild, das die Entstehung des Werks bestimmt.
Wiederkehrende Elemente in deiner künstlerischen Arbeit sind der Raum, die Beziehung zwischen Mensch und Raum sowie das Licht, auch in der Dunkelheit. Ich denke zum Beispiel an die Installation, die du zur letzten Quadriennale mitgebracht hast, bei der sich der Besucher plötzlich unter einem Sternenhimmel wiederfand, der in gewisser Weise ebenso wie deine Horizonte die Vorstellung von Unendlichkeit vermittelt. Wie wichtig ist es für dich, diese Elemente immer wieder zu hinterfragen, ohne jemals aufzuhören, sie in Frage zu stellen?
Genau das ist meine Idee: mein Unbekanntes und letztlich meine eigene Geschichte zu kartografieren. Das gehört zu meiner Lebensweise. In dem von dir erwähnten Werk auf der Quadriennale gab es ein astronomisches Bild, das vom Himmel über dem Teide aufgenommen wurde, einem der drei Orte auf der Erde, an denen man das tiefe Universum am besten beobachten kann. Es gibt immer diese Haltung des Betrachtens, diese Grundhaltung: das Bewusstsein, zu etwas zu gehören, das unendlich viel größer ist als wir selbst. Wenn man das erlebt, findet auch die Rolle des Einzelnen wieder ihr richtiges Maß. Diese Arbeit entstand auch aus meiner Leidenschaft für Beato Angelico und insbesondere fürdie Verkündigung in Zelle Nummer drei. Es ist eine Verkündigung, die sich von der unterscheidet, die wir uns normalerweise vorstellen, denn sie hat keine Details, keine Faltenwürfe, keine Farben. Kaplan sagte, es sei der erste Versuch der Menschheit gewesen, das Unsichtbare darzustellen. Da ist dieses überaus kraftvolle Licht, das den architektonischen Raum vollständig durchflutet, mit einer äußerst klassischen Anordnung, genau wie ich es auch bei der Quadriennale versucht hatte. Das Licht durchdringt alles: die Architektur, den Raum und sogar den Körper Marias. Mich fasziniert diese Vorstellung von einer einzigen Substanz, die alles zusammenhält. Eine weitere Sache, an die ich gerne denke, ist ein Satz von Leonardo. Leonardo schreibt, dass der Schatten ein Licht ist, das das Auge nicht wahrnimmt. Auch hier kehrt die Idee des Ganzen zurück. Es ist nicht so, dass das Licht verschwindet: Wir sind es, die nicht in der Lage sind, sein gesamtes Spektrum wahrzunehmen. Das ist ein Gedanke, den ich äußerst faszinierend finde. Leonardo stellte sich vor, dass das Licht des Objekts und das des Auges derselben Materie angehörten, fast so, als wolle er andeuten, dass das Sehen kein passiver Vorgang, sondern eine Beziehung sei. Ich bin Autodidakt, aber ich stoße ständig auf Gedanken, die mir riesige Fenster öffnen und mir helfen, die Welt mit anderen Augen zu sehen.
Du lebst und arbeitest auf den Kanarischen Inseln. Was hat dich dazu bewogen, Italien zu verlassen, und inwieweit hat diese Entscheidung deine künstlerische Arbeit beeinflusst?
Es war kein Projekt. Es war wieder einmal die Arbeit, die mich dorthin geführt hat. Zwei Jahre lang habe ich die Reisen der großen Entdecker zusammengetragen, die sich im Laufe der Geschichte dem Unbekannten gestellt haben. Bei dieser Recherche habe ich entdeckt, dass die Kanarischen Inseln während der letzten großen Entdeckungsreisen den letzten bekannten Ort vor dem darstellten, was als „der große Sprung“ bezeichnet wurde. Man kam auf die Kanarischen Inseln und brach dann ins Unbekannte auf. Die wahren Säulen des Herkules waren für die Römer nicht Gibraltar, sondern die Kanarischen Inseln. Das ist eine Vereinfachung, die uns oft beigebracht wird, aber die Römer kannten bereits Länder jenseits von Gibraltar. Die wahren Säulen des Herkules waren der Teide und der Pico de las Nieves, zwei Berge, die aus dem Ozean ragen und eine Art Tor zu dem bilden, was damals noch unbekannt war. Als wir 2013–2014 dorthin reisten, um zu forschen, blieben wir zunächst drei Wochen, dann einen Monat, dann drei Monate. Es ist wirklich das Gegenteil von Florenz: Florenz ist eine von Menschenhand erbaute Stadt; die Kanarischen Inseln sind eine Landschaft, die noch immer eine außergewöhnliche Freiheit gegenüber menschlichem Eingriff bewahrt. Ich bin im Zentrum von Florenz geboren. Dort bewegt man sich ständig in einem Raum, der von jemandem gestaltet wurde. Selbst die toskanische Landschaft, die alle als Natur betrachten, ist in Wirklichkeit das Ergebnis menschlicher Arbeit. Sie ist wunderschön, aber es ist eine konstruierte Natur. Die Kanarischen Inseln hingegen bewahren eine viel freiere Dimension, in der die Landschaft weiterhin eine ursprüngliche Kraft besitzt. Ich glaube, dass dies meine Sicht auf die Welt und folglich auch meine Arbeit tiefgreifend verändert hat.
Wie bist du zur Welt der Kunst gekommen und wann entstand in dir der Wunsch, Künstler zu werden? Deine ersten Werke – Fotografien in häuslichen Umgebungen, die sich hauptsächlich auf das Licht konzentrierten – stammen bereits aus dem Jahr 1999, als du erst 16 oder 17 Jahre alt warst, und du hattest bereits in diesem Alter die Gelegenheit, sie auszustellen. Kannst du mir erzählen, wie das ablief?
Ich bin sehr früh von zu Hause ausgezogen und habe in London als Fotoassistent gearbeitet. Ich hatte eine kleine Schachtel mit einigen meiner Bilder dabei. Ich hätte nie gedacht, dass sie überhaupt gesehen werden sollten. In London traf ich jemanden, der mir sagte, ich sei sehr egoistisch, sie für mich zu behalten. Für mich waren es noch Bilder ohne Substanz. Als ich nach Italien zurückkehrte, lernte ich dank dieser Person Pier Luigi Tazzi kennen. Ich zeigte ihm diese Fotos. Er sah etwas, das ich in jenem Moment noch nicht erkennen konnte. Nach einigen Monaten schrieb er mir einen Text, der mit einem Satz begann, an den ich mich noch heute erinnere: „Über das Alter von X und Y sollte man besser nicht sprechen.“ Ich war so jung, dass er sich nicht einmal an meinen Namen erinnerte. Er schenkte mir einen wunderschönen Text, den ich kürzlich auch in meiner Monografie „Atlas“ veröffentlicht habe, die im Rahmen eines Projekts von Archivorum beim Verlag Quodlibet erschienen ist. Von diesem Moment an begann sich der Weg fast wie von selbst zu entfalten. Eine Ausstellung folgte der nächsten, bis hin zu der in Lerici. Ich bin einfach dem Weg gefolgt, der sich nach und nach vor mir auftat.
Abschließend: Wie schätzt du die Situation der zeitgenössischen Kunst in Italien und auch im Ausland ein, da du im Ausland lebst und diesen doppelten Vergleich anstellen kannst?
Kunst und Symbole sind für mich untrennbar miteinander verbunden. Es sind Elemente, die uns tief im Innersten berühren. Wir denken in Bildern; das Zeichen selbst ist in uns. Wenn Kunst authentisch ist, sprechen Symbole verschiedene Kulturen auf unterschiedliche Weise an, behalten aber ihre Kraft. Mir passiert das oft: Wenn ich ein Werk in Europa ausstelle und es dann nach Asien bringe, erhalte ich völlig unterschiedliche Interpretationen. Das ist eine Erfahrung, die meine Arbeit zutiefst bereichert, denn sie erinnert mich daran, dass ein Symbol niemals nur einer einzigen Kultur gehört. Es gibt auch viel Kunst, die etwas anderes ist: Unterhaltung, Erzählung, Dekoration. Und ich sage das nicht als Werturteil, sondern als Feststellung: Es sind unterschiedliche Bedürfnisse, die alle legitim sind. Es gibt Werke, die tiefgründige Fragen aufwerfen, andere, die vor allem nach Schönheit streben, und wieder andere, die einem Bedürfnis nach Unterhaltung oder nach einer Beziehung zum Raum entsprechen. Ich glaube, es gibt viele Formen, die wir brauchen, und dass jede eine andere Rolle in unserer Art spielt, die Welt zu bewohnen. Jedes Mal, wenn ich das Wort „Kunst“ ausspreche, schreibe ich es mit großem „K“. Für mich steht es für etwas, dem ich sehr viel zu verdanken habe. Es hat meine Art, die Welt zu betrachten und zu leben, geprägt; deshalb nehme ich es sehr ernst. In den letzten Jahren versuche ich zudem, noch einen Schritt weiter zu gehen: meinen Blick auf das zu richten, was aufbaut, was Möglichkeiten eröffnet, auf Menschen und Gedanken, die etwas Positives bewirken können. Das ist die Art und Weise, wie ich versuche, in der Welt zu stehen, und vielleicht auch die Art und Weise, wie ich versuche, Kunst zu schaffen.
Der Autor dieses Artikels: Ilaria Baratta
Giornalista, è co-fondatrice di Finestre sull'Arte con Federico Giannini. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa. È responsabile della redazione di Finestre sull'Arte.
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