Sechs Jahrhunderte Kunst in der Festung: Reportage von der Antiquitätenmesse in Sarzana (mit Preisen)

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Seit fünf Jahren findet der Sommer-Antiquitätenmarkt nun schon in Sarzana statt, wo die Stadtverwaltung im Jahr 2023 beschloss, ihre Nationale Antiquitätenausstellung, die in der Festung Firmafede stattfindet, nach zehnjähriger Pause wieder aus der Schublade zu holen: Das Experiment hatte funktioniert (zum einen, weil Sarzana mitten im August eine sehr gut besuchte Stadt ist, zum anderen, weil die Öffnungszeiten von 18 Uhr bis Mitternacht die Käufer viel stärker zur Teilnahme animieren, und zum dritten wegen des Konzepts, das erfahrene Antiquitätenhändler, Neulinge sowie eine Reihe lokaler Händler vereint), und wurde daher immer wieder mit einigem Erfolg wiederholt. In diesem Jahr findet die Ausstellung, die wie üblich von Elisabetta Sacconi kuratiert und wie immer vom Verein „Associazione Sarzana Antiquaria“ gemeinsam mit Confcommercio La Spezia und der Gemeinde Sarzana organisiert wird, vom 14. bis 23. August statt. Das Konzept bleibt auch für diese 38. Ausgabe der Nationalen Antiquitätenmesse das einer Messe, die auf einer großen Vielfalt an Epochen, Schulen und Stilrichtungen basiert, die von den Ausstellern vertreten werden (die Spanne reicht vom 14. bis weit ins 20. Jahrhundert, von Malerei und Skulptur bis zum Design, von Möbeln bis zu den angewandten Künsten).

Und nicht zu vergessen ist, dass auch der Rahmen wesentlich zum Erscheinungsbild der Veranstaltung beiträgt: Die Festung Firmafede, erbaut nach Vorbildern der florentinischen Architektur der Renaissance, bietet ein unverwechselbares Ambiente, wobei die Stände der Antiquitätenhändler und die Kunstwerke auf die alten Zellen auf den beiden Ebenen des Komplexes sowie in die Galerie im zweiten Stock verteilt sind, die nach Fiorella Carelli Carozzi benannt ist, einer bedeutenden Persönlichkeit der Antiquitätentradition von Sarzana. Daraus ergibt sich somit ein intimes Ambiente, bestehend aus Räumen von überschaubarer Größe und Durchgängen, die es ermöglichen, sich den Werken auf eine andere Art und Weise zu nähern als auf einer großen Messe: entspannter, ruhiger, aufmerksamer.

Der Rundgang beginnt in den kleinen Ausstellungsräumen im Erdgeschoss und eröffnet sich sofort mit einem der Höhepunkte dieser Ausgabe: Die Mailänder Galerie Sine Tempore, die zu den Stammgästen der Nationalen Antiquitätenmesse zählt, präsentiert zwei Gemälde von Domenico Fiasella (Sarzana, 1589 – Genua, 1669), einer der zentralen Persönlichkeiten der ligurischen Malerei des 17. Jahrhunderts. Die beiden Gemälde, ein Paar, „Abraham vertreibt Hagar“ und „Rebekka und Elieser“, die zusammen für 120.000 Euro angeboten werden, stammen aus der Reifezeit des Malers und behandeln Episoden aus der biblischen Überlieferung. Es handelt sich um zwei Werke, die 1974 von Piero Donati, der führenden Autorität zu Fiasella, veröffentlicht wurden und in der jüngeren Vergangenheit Teil einer bedeutenden genuesischen Sammlung waren: Die erste Komposition wird mit der Szene identifiziert, in der Abraham Hagar und Ismael fortschickt (auch wenn anlässlich der Fiasella-Ausstellung, die 2021 im Diözesanmuseum von Sarzana stattfand, vorgeschlagen wurde, das Gemälde einer anderen Episode aus der Genesis zuzuordnen: Rahel, die die Götzenbilder versteckt, die sie ihrem Vater Laban während der Flucht zusammen mit Jakob entwendet hat). Fiasella nutzt das Licht, um die Figuren hervorzuheben und den Blick des Betrachters zu lenken, wobei er beleuchtete Bereiche mit im Schatten liegenden Teilen abwechselt. Besonders sorgfältig ist die Darstellung des Schals, der Rahel umhüllt – ein Element, in dem der Maler einen wesentlichen Teil seiner Auseinandersetzung mit Lichtverläufen und Stoffoberflächen konzentriert. Das zweite Gemälde ist hingegen der Begegnung zwischen Rebekka und Eleazar gewidmet: Abrahams Diener, der den Auftrag hat, eine Frau für Isaak zu finden, erreicht einen Brunnen und trifft dort auf die junge Frau, deren Bereitschaft, auch den Kamelen des Mannes Wasser zu geben, als Zeichen ihrer Tugenden und des Schicksals, das sie erwartet, gedeutet wird. Auch in diesem Fall baut Fiasella die Szene in aufeinanderfolgenden Ebenen auf und verleiht dem Bild durch die Anordnung der Figuren Tiefe. Die Gewänder, Stoffe und dekorativen Details tragen zur Gestaltung des Schauplatzes bei, wobei den Spitzen, die Rebekkas Kleidung zieren, besondere Aufmerksamkeit gilt. Hervorzuheben ist, dass Donati selbst kürzlich festgestellt hat, dass im Gegensatz zu dem Gemälde mit Abraham und Hagar, das vollständig eigenhändig gemalt ist (es handelt sich um ein Werk aus dem Spätwerk des Meisters, als der mittlerweile betagte Fiasella dem Charme seines jüngeren Kollegen Andrea De Ferrari erlag), das Gemälde mit Rebekka und Elieser möglicherweise unter Mitwirkung der Werkstatt entstanden sein könnte (dem Wissenschaftler zufolge ist in diesem Fall die Figur des Elieser vollständig eigenhändig gemalt, während der Rest des Gemäldes von jungen Mitarbeitern unter der Aufsicht des Meisters ausgeführt worden sein könnte, und zu jener Zeit waren namhafte Künstler wie Valerio Castello oder Gregorio De Ferrari in Fiasellas Atelier tätig).

Ebenfalls am Stand von Sine Tempore befindet sich ein Stillleben, das dem „Maestro dei vasi a grottesca“ zugeschrieben wird, einem anonymen Maler, der in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts in Italien tätig war, vor allem in Rom und in Mittel- und Süditalien. Das für sein Schaffen charakteristische Motiv dreht sich um eine mit antiken Motiven und Groteskenverzierungen geschmückte Vase, die in ein Blumenarrangement eingebettet ist. Der Preis beträgt 22. 000 Euro.

Die Bildhauerkunst ist unter anderem durch die Galerie T. De Rizzoli Johnson aus Lucca vertreten, wo das älteste Exponat der Ausstellung zu bewundern ist: ein Paar Löwenjungen aus Marmor venetischer Herkunft, datiert zwischen dem 14. und 15. Jahrhundert (Verhandlungsbasis). Daneben, am Stand von Ad Res (La Spezia), wird der Region mit einigen Werken von Giuseppe Caselli (Luzzara, 1893 – La Spezia, 1976) Tribut gezollt, der besonders mit der ligurischen Landschaft und der Region um La Spezia verbunden war. Zu den Gemälden gehört eine „Marina alle Cinque Terre“ aus den 1930er Jahren, eines der interessantesten Werke seines Schaffens, das im Archiv des Künstlers verzeichnet ist und bereits anlässlich der 2022 im Spazio Startè in La Spezia organisierten Ausstellung zu Casellis Werken präsentiert wurde (Verhandlungen vertraulich). Ebenfalls vertreten ist ein „Nachtbild in Portovenere“, das bereits verkauft wurde und in der Vergangenheit in der monografischen Ausstellung über die Beziehung zwischen Caselli und Portovenere zu sehen war, die 2016 anlässlich des 40. Todestages des Künstlers organisiert wurde.

Ebenfalls im Erdgeschoss präsentiert „Tempi Antichi“ von Ivan Rinaldi (Rimini) zwei Werke, die aufgrund ihrer Qualität und Größe von besonderem Interesse sind. Das erste, wahrscheinlich teuerste Werk der Messe, ist eine große Leinwand von Lionello Spada (Bologna, 1576 – Parma, 1622), die Josef und die Frau des Potifar darstellt; Preisvorstellung: 130.000 Euro. Das Motiv stammt aus der Genesis und erzählt vom Versuch der Frau des Potifar, Josef zu verführen, der darauf reagiert, indem er versucht, sich der Frau zu entziehen. Die Komposition des Gemäldes wird vom Kontrast zwischen dem dunklen Hintergrund und dem Licht, das auf die Protagonisten fällt, dominiert. Der stehende Josef versucht, sich aus dem Griff der Frau zu befreien; sie sitzt auf dem Bett und hält ihn am Handgelenk fest. Die Farben der Kleidung, der Schmuck, der Turban und die Details der Gewänder verdeutlichen den Rangunterschied zwischen den Figuren, während die Darstellung der Stoffe und die anatomische Wiedergabe zur Spannung der Szene beitragen. Spadas Malerei ist von der Lehre Caravaggios geprägt, die der Künstler im Laufe seiner künstlerischen Entwicklung verinnerlicht und mit einer emilianischen Sensibilität neu interpretiert hat (nicht umsonst hat die Kritik den Maler mit Merisi in Verbindung gebracht). Das in Sarzana ausgestellte Gemälde lässt sich zudem mit einer anderen Version desselben Motivs vergleichen, die im Palais des Beaux-Arts in Lille aufbewahrt wird: Das Vorhandensein von Varianten und Nachbildungen erfolgreicher Motive war im Übrigen eine in der Malerei des 17. Jahrhunderts belegte Praxis und ermöglicht es, das Werk auch im Rahmen des Werkstattlebens jener Zeit zu betrachten.

Derselbe Antiquitätenhändler präsentiert einen „Triumph der Galatea“ von Hans von Aachen (Köln, 1552 – Prag, 1615), der für 20.000 Euro angeboten wird. Das Gemälde entführt den Besucher in eine völlig andere Welt: Im Zentrum der Komposition fährt die Nymphe auf einem Meereswagen vorwärts, umgeben von Nymphen, Satyrn, Putten und Figuren, die sich dem Tanz und der Musik hingeben. Die Komposition, die zwar überfüllt ist, aber nach einem präzisen dekorativen Gleichgewicht aufgebaut ist, gehört zum mythologischen und sinnlichen Repertoire, das mit der Kultur der europäischen Höfe zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert verbunden ist. Der Eichenholzträger verweist das Werk zudem auf die nordische und deutsche Tradition, der der Maler angehörte. Hans von Aachen war in der Tat eine der herausragenden Persönlichkeiten der sogenannten Prager Schule, die mit dem Hof Rudolfs II. verbunden war: Seine Malerei zeichnet sich durch langgestreckte Figuren, raffinierte Bewegungen, edle Farbgebung und mythologische Sujets aus.

Im ersten Stock befindet sich der gemeinsam von Sofia Fine Art (Mailand) und Odisseus Antiques ( Naeka, Schweden) betreute Stand, an dem das Publikum auf einen kuriosen „Bären-Tanz“ von Giacomo Cipper und eine „Wasserträgerin“ des Spaniers Francisco Díaz Carreño (Sevilla, 1836 – Madrid, 1903), datiert auf 1862 und angeboten für 6.000 Euro: Das Gemälde lenkt den Ausstellungsrundgang in Richtung der Malerei des 19. Jahrhunderts und führt ein Motiv ein, das mit der Darstellung des Alltagslebens verbunden ist (weitere davon finden sich im weiteren Verlauf des Rundgangs). Interessant ist auch eine „Madonna mit Kind“ aus dem Umkreis von Callisto Piazza (Preisvorstellung 8.000 Euro): Das Gemälde reiht sich in die Tradition der lombardischen Malerei des 16. Jahrhunderts ein.

Der abschließende Teil des Rundgangs beginnt in der Galleria Fiorella Carelli Carozzi, wo die Auswahl der Aussteller auch die Kontinuität zwischen historischer Antiquität und moderner Kunst hervorhebt. Zum ersten Mal nimmt eines der Schwergewichte des italienischen Kunsthandels an der Ausstellung teil: die Florentiner Galerie Tornabuoni Arte, die für ihre erste Teilnahme an diesem neuen Kurs der Nationalen Antiquitätenausstellung ein minimalistisches Konzept gewählt hat: ein einziges Werk, ein Stillleben von Renato Guttuso (Bagheria, 1911 – Rom, 1987) aus dem Jahr 1968. Das Werk ist signiert und wurde 2014 vom Guttuso-Archiv authentifiziert: Wie üblich hat Tornabuoni beschlossen, die Preise der Werke nicht zu veröffentlichen, aber wir werden daran arbeiten, die Galerie früher oder später davon abzubringen. Am benachbarten Stand präsentiert das Auktionshaus Sammarinese (Dogana, San Marino) unter anderem (vorwiegend Gemälde aus dem 17. und 18. Jahrhundert) eine Mailänder Kommode aus der Zeit um 1780, die für 3.500 Euro angeboten wird. Dieses Möbelstück eröffnet eine weitere Sammlerkategorie, nämlich die der historischen Möbel, und unterstreicht die Vielfalt des Angebots der Veranstaltung, bei der die Malerei bekanntlich nicht den einzigen Schwerpunkt darstellt.

Weiter entlang des Rundgangs präsentiert Ars Antiqua (Mailand) eine Gruppe von Werken, die verschiedene Epochen der Malereigeschichte abdeckt. Besonders hervorzuheben ist, dass es sich um den einzigen Antiquitätenhändler der Veranstaltung handelt, der in den Bildunterschriften die Preise der Werke angibt. Darunter befinden sich zwei „Kavallerie-Schlachten“, die Francesco Graziani, genannt Ciccio Napoletano (tätig in Neapel und Rom, zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts), zugeschrieben werden – einem Künstler mit einer komplexen kritischen Geschichte, auch aufgrund der Tatsache, dass in den Quellen mehrere Maler aufgeführt sind, die derselben Familie zugeordnet werden können: Die beiden kleinen Gemälde, die in dem von Patrizia Conigli Valente herausgegebenen Band über die Schlachtmalerei des 17. und 18. Jahrhunderts abgebildet sind, werden für 4.400 Euro angeboten. Die Kompositionen gehören zu jener Strömung der Schlachtenmalerei, in der die Action, die Schnelligkeit der Bewegung und die Dichte der Figuren zu grundlegenden Elementen werden. Ebenfalls bei Ars Antiqua ist eine „Ländliche Landschaft mit Figuren“ des sogenannten „Maestro dell’Accademia Ligustica“ zu sehen, die für 6.000 Euro angeboten wird. Die Zuschreibung stützt sich auf die Studien von Camillo Manzitti, der eine noch kleine Gruppe von Gemälden identifiziert hat, die gemeinsame stilistische und farbliche Merkmale aufweisen. Das Gemälde zeigt eine offene Landschaft mit einem Gewässer, Bäumen, einem verfallenen Turm und einem ländlichen Gebäude im Hintergrund. Im Vordergrund nehmen einige Figuren an einer Gruppenszene teil, die auf ein Fest anzuspielen scheint, während weitere Figuren die Landschaft beleben. Die Identität des Meisters der Accademia Ligustica bleibt unbekannt, doch Vergleiche haben es ermöglicht, ihn in das genuesische Kunstmilieu einzuordnen, das in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts durch die Anwesenheit der flämischen Gemeinschaft geprägt war. Besonders bedeutsam sind die stilistischen Bezüge zu Cornelis de Wael und Jan Wildens, den Protagonisten eines künstlerischen Netzwerks, das Genua, Rom und die wichtigsten europäischen Zentren miteinander verband. Die Werkstatt der Brüder de Wael war einer der Anlaufpunkte für flämische Künstler, die die Halbinsel durchquerten; gerade in diesem Umfeld entstanden oder wurden einige der Strömungen geprägt, die zur Wandlung der Landschaftsmalerei beitragen sollten. Das in Sarzana ausgestellte Gemälde weist Elemente auf, die auf diesen Kontext zurückzuführen sind: das im Hintergrund platzierte Wohnhaus, die Darstellung von Figuren bei alltäglichen Tätigkeiten und die lichtdurchflutete Gestaltung der Landschaft. Diese Merkmale ermöglichen es, das Werk nicht nur als Beispiel der Genremalerei zu betrachten, sondern auch als Zeugnis der Beziehungen zwischen der nordischen und der ligurischen Bildkultur.

Die Landschaftsmalerei kehrt mit „La Mareggiata“ von Francesco Bosso (Vercelli, 1864 – Turin, 1933), datiert auf das Jahr 1925 und mit einem Preis von 3.800 Euro angeboten, ein Werk aus der reifen Schaffensphase des Künstlers, in der die Natur zum zentralen erzählerischen Element wird (die Meeresoberfläche, die Klippen und der von Wolken durchzogene Himmel werden in einem freieren Malstil dargestellt als in den dekorativen Anfängen des Künstlers), und die Landschaft erhält eine ausgeprägtere atmosphärische Dimension; ebenso wie bei der „Marina“ von Auguste Pernot (tätig im 19. Jahrhundert) aus dem Jahr 1846, angeboten für 2.800 Euro, ein Gemälde, das sich in den langen Wandel der europäischen Landschaft zwischen dem 18. und 19. Jahrhundert einreiht, als die Natur nach und nach aufhörte, nur noch den Hintergrund der Szene zu bilden, und eine eigene Autonomie erlangte.

Wer Werke aus dem späten 19. Jahrhundert zu attraktiven Preisen erwerben möchte, wird am Stand von Campopiano ( Treviso) sicherlich fündig, der eine besonders vielfältige Auswahl italienischer Malerei aus dem Umfeld der Macchiaioli und darüber hinaus präsentiert. Zu den Werken gehören eine „Figur in mittelalterlicher Kleidung“ von Raffaello Sorbi ( Florenz, 1844 – 1931), angeboten für 1.500 Euro, sowie eine Skizze (5.000 Euro) von Cristiano Banti (Santa Croce sull’Arno, 1824 – Montemurlo, 1904), der zu den ersten Revolutionären der Macchia-Bewegung gehörte und als einer der Väter der Macchiaioli-Malerei gilt, sowie eine kleine, aber reizvolle „Landschaft“ von Telemaco Signorini (Florenz, 1835 – 1901), für den 6.000 Euro verlangt werden, sowie ein schönes „Rückkehr zur Schafherde“ von Alceste Campriani (Terni, 1848 – Lucca, 1933) für 7.000 Euro. Zum Kernstück der Campopiano-Sammlung gehört auch eine „Ansicht des Markusplatzes“ von Carlo Grubacs ( Venedig, 1802 – 1870), das bedeutendste Werk am Stand (30.000 Euro). Der Name des aus Ungarn stammenden Künstlers ist eng mit der Tradition der venezianischen Stadtansicht verbunden, einem Genre, in dem architektonische Präzision und die Aufmerksamkeit für die städtische Darstellung – die jedoch durch starke atmosphärische Effekte verklärt wird – zu Mitteln werden, um das Bild der Stadt und ihrer bekanntesten Orte wiederzugeben.

Den Abschluss der Auswahl bildet Bonanomi Antiquariato (Moncalvo, Asti) mit einer Gruppe, die Malerei, dekorative Künste und Objekte orientalischer Herkunft vereint. Als Hommage an die Region kann man mit dem Ligurer Giovanni Podestà (Genua, 1608 – ca. 1673) beginnen, der ein in der Malerei des 17. und 18. Jahrhunderts recht häufiges Motiv zeigt, nämlich den Putto, der mit einem Vögelchen spielt (wir sehen ihn an einer Schnur befestigt: in Kompositionen dieser Art spielt dies auf Themen wie die Zerbrechlichkeit der Jugend oder die Vergänglichkeit des Lebens an), das für 3.500 Euro angeboten wird, um dann den Blick auf die nahegelegene „Heilige Konversation“ zu richten, die dem Umfeld von Bernardino Licinio zuzuordnen ist und für 25.000 Euro angeboten wird: ein großformatiges Gemälde, auf dem die Jungfrau Maria, die das nackte Jesuskind mit der rechten Hand stützt, während sie vom kleinen Heiligen Johannes eine Rosenkrone entgegennimmt, von der Heiligen Katharina von Alexandrien, dem Heiligen Petrus und der Heiligen Maria Magdalena vor dem Hintergrund einer Berglandschaft begleitet wird. Sehenswert ist auch die „Poutiche“ ( eine große Ziervase mit Deckel) aus edlem Imari-Porzellan, die Mitte des 19. Jahrhunderts in Japan hergestellt wurde (Preisvorstellung: 3.900 Euro).

Einige abschließende Überlegungen, beginnend mit den positiven Aspekten. Erstens die wirtschaftliche Dimension, die ein recht aussagekräftiges Bild davon vermittelt, an welche Sammler die Messe in Sarzana sich richtet: Neben einigen Werken von gutem Niveau und höheren Preisangaben sind vor allem erschwingliche Arbeiten zu niedrigen Preisen zu finden, die einen schrittweisen Einstieg in den Antiquitätenmarkt ermöglichen. Die Ausstellung in Sarzana präsentiert sich wie immer als besonders geeigneter Rahmen für Einsteiger in die Sammlerwelt , die in der Fortezza Firmafede sozusagen einen „geschützten“ Raum vorfinden, in dem sie sich sicher an diese faszinierende Welt herantasten können – und dabei sogar die Möglichkeit haben, einige sehr zufriedenstellende Erwerbungen zu erschwinglichen Preisen mit nach Hause zu nehmen. Genau diese Kombination, die ein Angebot für langjährige und anspruchsvolle Sammler mit einem Angebot verbindet, das sich hingegen an ein potenziell neues Publikum richtet, ist vielleicht eines der charakteristischsten Merkmale der Ausstellung, das es sicherlich zu stärken und hervorzuheben gilt. Zweitens: Die Gestaltung der Stände hat sich im Vergleich zu früheren Ausgaben deutlich verbessert. Immer weniger Stände sind wie Trödelmärkte organisiert, immer mehr Aussteller bieten dem Publikum eine klare und strenge Auswahl, sodass der Besucher die Möglichkeit hat, sich mit der gebührenden Aufmerksamkeit auf die Werke zu konzentrieren. Drittens: der Veranstaltungsort natürlich, der einen nicht zu unterschätzenden Mehrwert darstellt. Die Architektur der Renaissance, die kleinen Nischen und die Räume der Abschlussgalerie tragen dazu bei, eine Messe zu schaffen, die man wie eine Ausstellung besucht und bei der der Abstand zwischen Betrachter und Werk im Allgemeinen gering bleibt. Diese Ausstellungsform steht im Einklang mit einer Tätigkeit, die auf der direkten Beziehung zu den Objekten, ihrer Herkunft, der Qualität der Konservierung und der Forschungsarbeit basiert, die jeder Zuschreibung zugrunde liegt.

Es gibt jedoch auch Aspekte, die überdacht werden könnten. Zum einen hat diese Ausgabe im Vergleich zu früheren Ausgaben etwas an nationaler Reichweite eingebüßt, und die Beteiligung lokaler Antiquitätenhändler hat zugenommen, auch wenn das Angebot nicht immer in der Lage war, die Ausfälle der Händler aus anderen Regionen angemessen zu ersetzen. Einige der lokalen Antiquitätenhändler waren zudem nicht anzutreffen, als wir die Ausstellung besuchten, um diesen Bericht zu verfassen ( gestern zwischen 19 und 20:30 Uhr, also mitten in den Öffnungszeiten, die, wie wir erinnern möchten, von 18 bis 24 Uhr dauern: na ja, vielleicht wäre es gut, wenn die Stände so ausgestattet wären, dass eine durchgehende Präsenz gewährleistet ist). Ein weiterer fragwürdiger Punkt: Nur wenige Antiquitätenhändler stellen Beschriftungen zu den Exponaten aus. Wir beziehen uns dabei nicht auf diejenigen, die sich dafür entscheiden, Preise anzugeben (der einzige, wie bereits erwähnt, ist Ars Antiqua), sondern gerade auf jene Antiquitätenhändler, die am vierten Ausstellungstag ihre Werke noch immer nicht mit auch nur der geringsten Angabe versehen hatten, sei es auch nur das Motiv eines Gemäldes. Sicher: Das Fehlen jeglicher Beschriftung fördert die Begegnung zwischen Händler und Käufer, da dieser zwangsläufig nachfragen muss, wenn er Informationen wünscht; andererseits kann es jedoch den zurückhaltenderen potenziellen Kunden abschrecken oder den Neuling verwirren – oder diejenigen, die einfach der Meinung sind, dass eine Antiquitätenmessenicht nur ein Handel mit Kunstwerken, sondern auch ein kulturelles Ereignis ist und dass es daher über die Dimension des Kaufs und Verkaufs hinaus (die natürlich die Hauptdimension ist und bleiben muss) auch eine Dimension des Wissens gibt, die, wenn schon nicht gefördert, so doch zumindest unterstützt und vorangetrieben werden sollte. Dies ist im Übrigen die Richtung, in die sich die großen internationalen Messen bewegen, die Richtung, die viele Antiquitätenhändler einschlagen, da ein umfassender Überblick darüber, was Händler auf einer Messe verkaufen, interessant ist, um den Markt, die Wahrnehmung des Kunstwerks und die Funktionsweise des Sammlerwesens zu verstehen: Es handelt sich schlichtweg um eine zeitgemäßere Kultur der Marktinformation, die sich zunehmend an einem Kontext aus Wissen, Transparenz und Zugänglichkeit orientiert.

Abschließend noch eine Anmerkung zu den Begleitausstellungen: Seit mindestens zwei Ausgaben wird die Nationale Antiquitätenmesse nämlich von einer Ausstellung zeitgenössischer Kunst im Untergeschoss der Fortezza Firmafede begleitet. Wir hatten keine Zeit, die diesjährige Ausstellung zu besuchen, weshalb es weder möglich noch angemessen wäre, eine Bewertung des aktuellen Angebots abzugeben. Man kann jedoch auf den Eindruck zurückgreifen, den die letztjährige Ausgabe hinterlassen hat, als der zeitgenössische Ausstellungsparcours sowohl hinsichtlich der Qualität des Angebots als auch der Kohärenz des Parcours deutlich weniger überzeugend und ausgewogen erschien als der Antiquitätenbereich, insbesondere im Vergleich zur größeren Solidität der kommerziellen Ausstellung. Es handelt sich natürlich um eine Betrachtung, die sich auf die vergangene Ausgabe bezieht und die keinesfalls automatisch auf die aktuelle Ausstellung übertragen werden kann. Ein zentraler Aspekt bleibt jedoch bestehen: Die Öffnung für zeitgenössische Kunst kann sicherlich eine Gelegenheit darstellen, das Publikum zu erweitern und einen Pas de deux zwischen unterschiedlichen, zeitlich weit voneinander entfernten künstlerischen Sensibilitäten zu inszenieren; doch damit die Gegenüberstellung wirkungsvoll ist, muss die zeitgenössische Kunst dem antiken Niveau gerecht werden. Es wird also vor allem die Entwicklung des Angebots im Laufe der Zeit sein, die uns zeigen wird, ob die Begleitausstellung neben der Antiquitätenausstellung eine klarere Identität finden wird oder ob man im Gegenteil darauf verzichten kann.

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