Eine leichenhafte Renaissance! So sieht die Renaissance-Ausstellung im Museion in Bozen aus

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Die Ausstellung Reinassance im Museion in Bozen präsentiert fünfzehn Künstler unter 35 Jahren, die in Norditalien arbeiten. Anlass für die Ausstellung ist ein mit 60.000 Schweizer Franken dotiertes Stipendium, das die Stiftung Vordemberge-Gildewart jedes Jahr in Zusammenarbeit mit einer europäischen Ausstellungsinstitution - für 2024 wurde das Museion ausgewählt - an einen Künstler oder eine Künstlerin unter 35 Jahren aus der ausgewählten Region vergibt. In der Ausstellung ist jedoch kein Gefühl der “Wiedergeburt” zu spüren, sondern eher eine leichenhafte Atmosphäre, in der die formalen und konzeptionellen Codes des letzten Jahrhunderts von den Künstlern auf vorhersehbare Weise überarbeitet werden, was eher einer Art “Nekrophilie der Kunst” als einem Gefühl der Geburt und Wiedergeburt entspricht.

Diese ernste und düstere Atmosphäre wird durch einige große schwarze Vorhänge verstärkt, die den Ausstellungsraum des Museums unterteilen, der normalerweise einem großen weißen Würfel ähnelt. Die Überarbeitung des Ready-made und des gefundenen Objekts stellt eine Verbindung zu den Atmosphären des Nouveau Réalisme der 1950er Jahre und zu den vorhersehbareren Formen der Überarbeitung von Duchamp her (Isabella Costabile, Davide Stucchi und Raphael Pohl sind ausgestellt). In der Ausstellung geht es weiter mit plötzlichen Wendungen hin zu malerischen (Giorgia Garzilli) und fotografischen (Jim C. Nedd) Formen, die immer noch vorhersehbar und domestiziert sind und daher nicht in der Lage sind, den Betrachter mit seiner Zeitgenossenschaft zu konfrontieren und einen Dialog mit ihm zu führen.

In den gezeigten Werken ist die kontinuierliche Aufarbeitung der Vergangenheit so etwas wie ein Selbstzweck, unfähig, eine Brücke zu unserer Gegenwart zu schlagen. Die allzu didaktischen und vorhersehbaren Verweise auf “Gender-Fluidität” (Luca Piscopo) und “Umweltfragen” (Tobias Tavella) sind nicht genug: In diesen Fällen behandelt der Opernapparat diese sicherlich interessanten Themen auf eine übereilte Art und Weise, die nicht in der Lage ist, mit einer viel komplexeren Gegenwart zu konkurrieren, in der die schlichte Realität weitaus schwerer wiegt als alles, was auf den Sockel der Repräsentation steigen kann.

Das zweifellos bedeutendste Werk der Ausstellung stammt von der in Marokko geborenen italienischen Künstlerin Monia Ben Hamouda, die auch mit dem Stiftungspreis ausgezeichnet wurde. Eine Reihe von Pulvern und Gewürzen, die mit bildhaftem Sinn auf den Boden gelegt werden, bilden einen Teppich, der als schwebende Skulptur auf arabische Schrift und Bilder verweist. Der Geruch von Gewürzen sollte uns nicht überraschen: Es handelt sich um eine Idee, die der brasilianische Künstler Ernesto Neto bereits in den 1990er Jahren entwickelt hat. Abgesehen davon scheint das Werk ein exotisches Juwel zu sein, das den westlichen Betrachter verblüfft und überrascht, der offensichtlich nichts von den Inschriften des Werks verstehen kann, sich aber an seiner leichten Exotik erfreut. Der marokkanische Künstler, wie auch eine andere Künstlerin in der Ausstellung, Binta Diaw, laufen jedoch Gefahr, zum Objekt eines neuen westlichen Kolonialismus zu werden, der bestimmte künstlerische Lösungen als Formen eines gefälligen exotischen Dekorativismus belohnt und wertschätzt.

Renaissance ist ein Lackmustest für eine Generation unter 35 Jahren, die weit über Norditalien hinausgeht und die gesamte internationale Kunstproduktion beeinflusst, die wir im Bereich der zeitgenössischen Kunst zählen können. Eine verlorene Generation, die nicht in der Lage ist, sich mit ihrer Gegenwart auseinanderzusetzen, ist gezwungen, die von ihren Vätern und Großvätern geerbten Codes der Vergangenheit weiterzuentwickeln. Die Unfähigkeit des zeitgenössischen Künstlers, sich selbst im Hinblick auf eine allzu vielfältige und komplexe Zeitgenossenschaft zu überdenken. Die Ausstellung drückt kein Gefühl der Wiedergeburt aus, sondern im Gegenteil ein Gefühl der Krise und des Todes, das wahrscheinlich beabsichtigt ist und dessen Kuratoren und Museumsdirektoren nur Zuschauer und passive Zeugen sein können.

Der Autor dieses Artikels: Luca Rossi

“Luca Rossi" è un nome di fantasia in cui idealmente convergono tutti i ruoli del sistema dell'arte: artista, critico, curatore, blogger e osservatore indipendente. È stato definito da Fabio Cavallucci “la personalità artistica più interessante d'Italia”. Dal 2009, “Luca Rossi”, collettivo aperto e figura controversa nel sistema artistico, cerca di stimolare quotidianamente un dibattito più critico nell'ambito dell'arte contemporanea, intesa come materia capace di rivestire un ruolo fondamentale nel nostro presente. Dalle sue riflessioni critiche, ampiamente diffuse, sue le definizioni di “Ikea evoluta”, “Sindrome del Giovane Indiana Jones” e “Nonni Genitori Foundation”, è nato un progetto artistico non convenzionale, che comprende anche attività di divulgazione e formazione, culminate nel 2016 con la creazione della Luca Rossi Art Academy & Coaching (documenta.live). Nel febbraio 2026, un Hidden Work di Luca Rossi è entrato nel nuovo percorso espositivo di Osteria Francescana di Massimo Bottura, segnando un ulteriore sviluppo del progetto e della ricerca intorno agli Hidden Works. Nel 2014 Giacinto Di Pietrantonio, in un’intervista, definì Luca Rossi la promessa futura dell'arte contemporanea, paragonandolo a ciò che Vanessa Beecroft avrebbe potuto essere negli anni Novanta. Alcuni “nodi critici” sviluppati nel corso degli anni da Luca Rossi sono entrati a far parte del linguaggio dell'arte italiana e hanno contribuito a cambiare la prospettiva e la visione di molte persone, dentro e fuori il settore. Nel 2014, la celebre critica d'arte Angela Vettese dichiarò che, dopo aver letto i testi di Luca Rossi, aveva deciso di non dedicarsi più alla pratica artistica, ma esclusivamente alla teoria.

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