Giovanni Boldini jenseits der Porträts: Ausstellung in Lucca entdeckt einen Maler wieder

Die berühmtesten Arien von Giacomo Puccini lassen uns sofort in die Atmosphäre der Belle Époque eintauchen, dieselbe Atmosphäre, die auch Giovanni Boldini, der Maler der eleganten und verführerischen Frauen, die in der faszinierenden und lebendigen Zeit zwischen dem späten 19. und frühen 20. Zwei Meister, der eine in der Musik, der andere in der Malerei, die den Geist dieser Epoche am besten verkörpern. Aus diesem Grund wurde beschlossen, den Eintritt in die Ausstellung Giovanni Boldini mit der Musik von Puccini zu untermalen . Die Verführung durch die Malerei, die bis zum 2. Juni 2026 in den Räumen des Cavallerizza in Lucca zu sehen ist, stört oder lenkt nicht ab, sondern schafft im Gegenteil eine ideale Parallele zu einem der größten italienischen Komponisten, dessen Geburtsstadt Lucca war, und lässt uns auf poetische Weise in eine Vergangenheit eintauchen, die, wenn man darüber nachdenkt, gar nicht so weit von uns entfernt ist (natürlich nur aus zeitlicher Sicht, denn der Fortschritt, dessen wir uns heute rühmen, stand erst kurz bevor). Eine Ausstellung über Giovanni Boldini ist sicherlich nichts Neues, so dass der abschließende Essay von Nicoletta Colombo im Katalog zur Ausstellung den Ausstellungen und Kritiken der letzten fünfzig Jahre gewidmet ist, die sich mit dem Ferrareser Künstler befassten, aber wenn unser lieber Maler bei vielen Gelegenheiten fast ausschließlich aufgrund seiner lebendigen und Die aktuelle Ausstellung in Lucca, die von Tiziano Panconi kuratiert wurde, hat das Verdienst, dem Publikum vor Augen zu führen, dass Boldini nicht nur das ist, sondern dass es sich um ein lebendiges und extravagantes Frauenporträt handelt, das dank der großen Porträtkunst des Künstlers eine große Anziehungskraft ausübt und tief in das bürgerliche Umfeld der Belle Époque eingebettet ist. Vor den berühmtesten “Pariser” Porträts (wir sollten nicht vergessen, dass Boldini (vergessen wir nicht, dass Boldini zusammen mit Giuseppe De Nittis und Federico Zandomeneghi als einer der drei wichtigsten "Italiener von Paris " gilt), hat er während seines langen Aufenthalts in Florenz ab 1864 dank der fruchtbaren Dialoge mit einigen ihrer Vertreter, darunter Telemaco Signorini und Cristiano Banti, und der gegenseitigen Beeinflussung mit Giovanni Fattori sowie der dekorativen Effekte von Michele Gordigiani, dem Porträtmaler des letzten Großherzogs von Florenz, der die ersten Porträts von Boldini anfertigte, alle innovativen Möglichkeiten der Macchiaioli voll ausgeschöpft, insbesondere in Bezug auf das Licht.letzten großherzoglichen Florenz, der Boldini in seinem Florentiner Atelier aufnahm. Aber der Ferrarese war auch ein guter Landschaftsmaler: Seine bedeutendsten Werke auf diesem Gebiet sind, wie Stefano Bosi in seinem Essay über den Landschaftsmaler Boldini feststellt, diejenigen, in denen “die Kraft der wilden Natur und die Vitalität der volkstümlichen Welt, die aus Arbeit, täglichen Gesten und familiären Werten besteht”, zum Vorschein kommen; Er war auch einer der Künstler der Maison Goupil, für die, wie Panconi erklärt, “Boldinis Stil dank der Verwendung von kleinen Pinseln mit akribischen Details angereichert wurde, die in den fertigen Tafeln im flämischen Stil, die von Goupil im Stil von Fortuny in Auftrag gegeben wurden und die das Publikum in der ganzen Welt verzauberten, einzigartig sind. Die Sujets, die das natürliche Licht zwischen Florenz und Castiglioncello und den Bezug zur Realität beibehalten, schöpfen ihre Inspiration vor allem aus imaginären Anekdoten aus dem Leben des 18. Jahrhunderts, die vom Hof Ludwigs XIV. inspiriert und mit Modellen in Kostümen, in Adelspalästen oder im Park von Versailles rekonstruiert wurden”, aber er war auch ein geschickter Graveur und Zeichner (Tiziano Panconi bezeichnet ihn als “Schwertkämpfer der Zeichen”).

Diese ganze Vielseitigkeit, die also über die berühmtesten Porträts von gut gekleideten und frisierten Damen hinausgeht, kommt in der gesamten Ausstellung zum Ausdruck, die chronologisch in sechs Abschnitte unterteilt ist, oder besser gesagt in vier chronologische Abschnitte, die die Entwicklung der Malerei Boldinis veranschaulichen, zu denen ein Abschnitt hinzukommt, der Vincenzo Giustiniani gewidmet ist, einem in Ferrara ansässigen und den Macchiaioli nahestehenden Sammler, und ein weiterer, der einer Auswahl von Arbeiten auf Papier gewidmet ist. Hervorzuheben ist auch die Entscheidung des Kurators, die Gemälde und Zeichnungen Boldinis aus wichtigen Museen, darunter die Uffizien und das Museum Giovanni Boldini in Ferrara, sowie aus Privatsammlungen mit einem reichen Fundus an Werken von Künstlern seiner Zeit wie Signorini, Zandomeneghi, De Nittis, Antonio Mancini und Vittorio Matteo Corcos zu ergänzen, was für die Einordnung seiner Kunst in den Kontext der damaligen Kunstszene nützlich ist.

Die Ausstellung beginnt mit dem Selbstporträt von Giovanni Boldini im Alter von 69 Jahren (1911), auf dem der Ferrareser Künstler dem Betrachter direkt in die Augen schaut. Dieses Porträt unterscheidet sich deutlich von dem, das er 1865 für Leopoldo Pisani malte, einen Eisenbahningenieur und Freund von Diego Martelli, dem Kritiker, der mit den Macchiaioli und dem Caffè Michelangelo verbunden war und dessen Gast Boldini auf dem Landgut Castiglioncello war: Es handelt sich nämlich um ein kleines Porträt eines Subjekts aus dem Kreis der Macchiaioli, in dem der Maler Farbflecken und starke Hell-Dunkel-Kontraste verwendet, eine Technik, die seine frühe Nähe zu den Macchiaioli während seines Aufenthalts in Florenz zum Ausdruck bringt. Diese Technik kommt zum Beispiel in L’Ardenza (Albereta a Antignano) von Telemaco Signorini viel stärker zur Geltung. Es gibt auch eine Vorliebe für Interieurs im holländischen Stil , die es erlaubt, sich sowohl mit Porträts als auch mit Lichteffekten, insbesondere Schattierungen, zu befassen, wie zum Beispiel in Boldinis Der Maler Luigi Bechi und Odoardo Borranis Dame am Klavier, in der Art des flämischen Malers Gustave Leonard De Jonghe, dessen Spiel mit einer Katze von etwa 1865 hier ausgestellt ist. Oder das Interesse an den Innenräumen von Künstlerateliers, wie dem detaillierten Intendanten im Künstleratelier, in dem bereits Boldinis große Leidenschaft für Kleidung, die Wiedergabe von Stoffen und die Lichtblitze auf ihnen zu erkennen ist. Die gleiche Aufmerksamkeit für das Licht zeigt sich auch in den Außenbereichen, auf von der Sonne beleuchteten Gebäuden oder auf dem Gras in einem Park (Beispiele von Borrani und Banti, aber nicht von Boldini). In dieser ersten Sektion, die dem Aufenthalt der Macchiaioli in der Toskana (1864-1869/1870) gewidmet ist, ist der unveröffentlichte Rest von Cesare Bartolena, einem der Macchiaioli-Gruppe nahestehenden Maler aus Leghorn, besonders interessant.

Die Ausstellung setzt mit der Goupil-Periode (1871-1878) fort, an der Boldini teilnahm, indem er, wie der Kurator schreibt, “aufregende Bildgewebe” entwickelte, die in der Lage waren, den Sujets eine bis dahin unbekannte Vitalität und Dynamik zu verleihen“, und ”kleine Szenen schuf, die sich hauptsächlich durch die Kulissen des 18. Jahrhunderts oder des Empire auszeichneten, die er “sehr leicht” zu machen verstand, indem er sie mit dunstigen Effekten vermischte". Hier sticht À la campagne (Der Frühling) hervor: ein Fragment des Landlebens, in dem die Mutter ein lächelndes Neugeborenes hält, der älteste Sohn im Gras nascht und sein weißer Pudel ihn aufmerksam beobachtet, während der Vater im Gemüsegarten arbeitet. Der Pudel taucht auch in dem Gemälde Im Garten auf, wo er mit etwas im Maul auf eine junge Frau (mit ziemlicher Sicherheit das Modell und die Begleiterin Berthe) zuläuft, die in der Mitte der Szene sitzt; eine Mutter mit ihrem kleinen Sohn auf dem Arm geht ebenfalls auf sie zu. Dahinter, unter dem Blattwerk, eine Kutsche, während im Vordergrund auf einer Stange ein schöner Papagei sitzt, der den Betrachter anspricht. Zwei Papageien sind auch das Objekt der Neugierde für das Paar in spanischer Kleidung in Der Matador. Die oben erwähntediffuse und nuancierte Wirkung ist also sowohl in den Landschaften als auch in den Innenräumen zu beobachten, mit Licht- und Farbeffekten, die durch Pinselstriche erzeugt werden, wie auch in den Porträts des Cellisten und der lesenden Dame, in denen beide Personen in einer sehr ähnlichen Komposition in der Mitte sitzend ihrer Tätigkeit nachgehen. Der Vergleich mit Leontine in einem Schlauchboot von Giuseppe De Nittis liegt auf der Hand, denn hier ist der Pinselstrich viel impressionistischer. Die Anwesenheit von Antonio Mancini und Vincenzo Gemito als Künstler, die mit dem Maison Goupil verbunden sind, ist hingegen auf den Einfluss des katalanischen Malers Mariano Fortuny Y Marsal zurückzuführen, dessen Aufenthalt in Portici 1874 die junge südliche Malerei inspirierte (siehe den Aufsatz von Isabella Valente im Katalog). Bemerkenswert ist das selten ausgestellte Gemälde Im Gespräch, auf dem der Maler im Café de la Nouvelle Athènes, einem berühmten Treffpunkt der Impressionisten, seine Begleiterin Berthe zusammen mit seiner Geliebten, der Gräfin Gabrielle de Rasty, porträtiert.

Der nächste Schritt in der malerischen Entwicklung des Künstlers, der sich nun voll und ganz in das Pariser Milieu eingefügt hat, entspricht dem dritten Abschnitt(Die Sinnlichkeit und die Dynamik der Formen 1879-1891) und bringt eine größere stilistische Freiheit mit sich, vor allem aber die Fähigkeit, “den flüchtigen Moment auf der Leinwand festzuhalten, der mit der Intensität aufgeladen ist, die auf eine vergangene Handlung folgt und das Werden der nächsten ankündigt”. Es handelt sich um dynamische Bilder wie Die Bar der Folies Bergè ;re, Venedig, San Giorgio Maggiore von der Stadt aus gesehen oder Schiffe in Venedig, oder Porträts von sinnlichen und manchmal halbnackten Frauen , die dennoch eine natürliche gestische Ausdruckskraft zum Ausdruck bringen, eingefangen in Momenten des Alltagslebens. Dazu gehören Nach dem Baden, das Porträt der Schauspielerin Alice Regnault oder die sitzende Gräfin Berthier de Leusse, die hier in Beziehung zu den weiblichen Porträts von Edoardo Gelli und Vittorio Matteo Corcos gesetzt werden, in Nahaufnahme, natürlich und manchmal sehr verführerisch, wie im Fall der Dame mit kleinem Hund. Während Boldini sich durch die fast wirbelnde Dynamik der Formen und Züge auszeichnet, konzentriert sich Corcos auf das Detail, die Beschreibungsfähigkeit und die psychologische Tiefe: die Zartheit des rosa Kleides, der Tüll, die unbedeckte Brust, der kleine Hund in der Nähe des Gesichts werden zu Gelegenheiten, die Weiblichkeit zu erkunden, und die Blumenmotive im Hintergrund nehmen den Jugendstil vorweg, der sich gegen Ende des Jahrhunderts entwickeln sollte.

Eher aristokratisch, als Erbe der Porträtmalerei des 16. Jahrhunderts, ist das monumentale Porträt einer Dame mit einem großen schwarzen Federfächer, ein Pastell auf Leinwand, das im nächsten Saal hervorsticht, in dem auch eine bedeutende Auswahl von Papierarbeiten Giovanni Boldinis, darunter Stiche und Zeichnungen, versammelt ist. Die andere Seite der Malerei Boldinis, schreibt Panconi, sind “Essays von ungeheurem Talent, Geschick und Einfallsreichtum, die in der Lage sind, ohne die Möglichkeit des Missverständnisses - und frei von den Kompromissen des bildlichen Amalgams mit seinen Dichten und Chromatiken - die Essenz des höchsten Lehramtes offenzulegen [....] Ein Fechter des Zeichens, der auf dem Druck skizziert, instinktiv und doch kontrolliert, geht er das Blatt Papier wie mit einer Folie an, indem er mit dem Stichel oder dem Bleistift, mal leicht, mal entschieden, Fragmente einer vergänglichen Wirklichkeit beschreibt”.

Das Porträt einer Dame in weißem Kleid und schwarzem Federfächer bildet auch den Auftakt zu den lebensgroßen Frauenporträts , die (auch dank der sorgfältig gestalteten Kontemplation) die nächsten beiden Räume szenografisch dominieren, zu denen die Gemälde im Stil des Fin de Siècle (1892-1924) gehören: zunächst Gräfin Speranza (1899), dann Mademoiselle De Nemidoff (1908). Ab den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts entwickelte Giovanni Boldini einen sehr persönlichen Porträtstil: Seine energischen und lebhaften Pinselstriche, die einem “Säbelrasseln” ähneln, verleihen seinen Porträtierten, insbesondere den Frauen der High Society, ein elegantes, dynamisches und fast theatralisches Aussehen, das über den traditionellen Kanon der offiziellen Porträts hinausgeht. Die großen, ganzfigurigen Porträts, denen der Künstler aus Ferrara seine Berühmtheit verdankt, spiegeln den raffinierten und modernen Geschmack der Gesellschaft des Fin de Siècle wider: Die Frauen, die für ihn posierten (denen er den Spitznamen “göttlich” gab: Paola Gorettis Essay berichtet darüber), gehörten zur internationalen Elite. Es waren Adelige, Schauspielerinnen und berühmte Persönlichkeiten der Zeit, deren äußere Erscheinung der Maler darstellte, aber er versuchte auch, ihre Persönlichkeiten und die zerbrechlicheren, sinnlichen oder ruhelosen Seiten hinter ihrer scheinbaren sozialen Sicherheit einzufangen. Es gibt Porträts von Madame Veil-Picard, neben dem sehr eleganten René Cole (die männlichen Porträts sind seltener, aber in seinen Belle-Époque-Porträts vorhanden), Madame Roger Jourdain, Madame X mit Perlenhalsband (das gleiche wie in Sargents berühmtem Gemälde), Prinzessin Eulalia von Spanien und die Blonde Dame im Abendkleid , die, wie das vorherige Damenporträt, einen großen schwarzen Federfächer trägt. Die Belle Époque verbreitete sich jedoch nicht nur in den Pariser Salons, sondern, wie die hier ausgestellten Werke von Edoardo Gelli und Luigi De Servi bezeugen, auch in den Salons der Provinz Lucca. In den Porträts von Ida Marchesini, von denen eines bisher unveröffentlicht ist, konzentriert sich Gelli auf kontrollierte Raffinesse und intime Porträts, die die ästhetische Kultur der lucchesischen Bourgeoisie hervorheben. Luigi De Servi hingegen konzentriert sich in L’Incontro (Die Begegnung) auf Bewegung und Leuchtkraft: die junge Frau geht zügig in Begleitung des großen Hundes an der Leine, in einer Komposition, die an einen gegen das Licht gedrehten Film erinnert. Besonders erwähnenswert ist auch La fille de Théodora (1893), ein sehr seltenes Werk der Malerin Juana Romani (Gabriele Romani bespricht es in seinem Essay).

Der letzte Saal und die letzte Abteilung sind dem Sammler und Mäzen Vincenzo Giustiniani gewidmet, einem in Ferrara geborenen und von den Macchiaioli faszinierten Künstler, der in Lucca lebte und dessen Sammlung im vergangenen Jahr dank der Schenkung seiner Nichte Diamantina Scola Camerini in den Besitz der Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca überging. Zu den ausgestellten Werken gehören Leopolda Banti am Spinett von Giovanni Boldini, die Porträts des Grafen Vincenzo Giustiniani und von Luisa Giustiniani von Alberto Pisa und vor allem die großen Fischerboote vor Anker von Giovanni Fattori.

Die Ausstellung schließt mit der Büste einer liegenden jungen Frau aus der Ca’ la Ghironda - Museum für Moderne Kunst und vervollständigt so die Reise durch die Entwicklung der Malerei Boldinis, eines Künstlers, der es verstand, die Schönheit zu einer Form des Geschichtenerzählens zu machen, dynamisch, lebendig, aristokratisch, und dabei den ganzen Charme der Belle Époque zu bewahren.

Der Autor dieses Artikels: Ilaria Baratta

Giornalista, è co-fondatrice di Finestre sull'Arte con Federico Giannini. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa. È responsabile della redazione di Finestre sull'Arte.

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