詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒：游走于唯美主义与日本主义之间的绅士。泰特英国美术馆的展览究竟如何？

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詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒于1834年出生于新英格兰，年少时便移居欧洲，他不仅是后印象派时期欧洲绘画界的关键人物，更是一位戏剧性、 机智且放肆的个性，一位善争论的檄文作家，一位沉浸于伦敦社交生活热潮中的绅士，更重要的是，他还是“为艺术而艺术”这一理念的坚定捍卫者。 伦敦泰特英国美术馆举办的这场个人作品展，随后将巡展至阿姆斯特丹和海牙，是继1995年伦敦、巴黎和华盛顿的展览之后，为他举办的最为杰出的专题展览之一。 在意大利，与他的法国同行们不同，惠斯勒仅享有相对有限的知名度，因此很难一睹其作品真容，这无疑极大地激发了艺术爱好者们踏上旅程的热情。 得益于英国各大机构收藏了其大量作品（包括泰特英国美术馆本身，以及曾受益于艺术家慷慨遗赠的格拉斯哥大学）， 本次展览勾勒出其艺术创作相当丰富且无疑多姿多彩的全景图——尽管面临着某些藏品（例如华盛顿史密森尼学会弗里尔艺术馆 ，该馆收藏了这位大师逾千件作品）因章程规定禁止对外借展而构成的不可逾越的障碍。

作为一名工程师的儿子，惠斯勒随家人迁居圣彼得堡时，年仅十五岁的他已下定决心要成为一名艺术家。 父亲去世后，他不得不返回美国，在那里，他被强行引导走上军旅生涯，对此深感厌恶；但在1855年，年仅二十出头的他决定移居法国，下定决心投身艺术学习。 这不仅仅是一次简单的搬迁，而是他人生的转折点。 在巴黎，他开始过着波西米亚式的生活，将波德莱尔的教诲化为己用；他进入查尔斯·格莱尔的画室，并与库尔贝、凡坦-拉图尔建立了联系，同时对老大师们，尤其是伦勃朗，产生了浓厚的兴趣。 本次展览生动地记录了惠斯勒艺术生涯的起步阶段，这一时期他的创作主要集中在版画领域，深受这位荷兰画家的至高艺术造诣影响；事实上，惠斯勒正是凭借版画作品首次亮相沙龙。展出的两幅画作极具代表性，展现了他在巴黎的艺术形成过程：《楼上》（ 辛辛那提，塔夫特艺术博物馆），该作品曾被1859年的沙龙拒绝，描绘了一幅室内场景，其视角与他的导师们及马奈相似，但已开始向印象派的视角转变；《布列塔尼海岸》（哈特福德，瓦兹沃斯雅典娜美术馆）则明显受到库尔贝的影响。后者创作于1861年。 两年前，惠斯勒定居伦敦，除少数几次旅行外，他始终未与巴黎艺术圈断绝联系，并在此居住直至去世。

正是在这里，他完成了向我们所熟知的精致风格的决定性转变；正是在这里，这位画家踏上了充满通透而空灵之美、与音乐体裁相呼应的形式主义之路： 交响曲、夜曲、编曲、和谐——从此刻起，这些将成为他作品最钟爱的标题，旨在唤起惠斯勒绘画中那细腻的色彩和声。此时，只需将《布列塔尼海岸》 与1864年的《冰封切尔西》 （沃特维尔，科尔比学院艺术博物馆）进行对比，便不难发现，那变幻莫测的调色板如何被简化为近乎单色的丝绒般灰色调，以此传达出伦敦那朦胧的雾气——这与布列塔尼光线下产生的鲜明对比相去甚远。 在英国首都，惠斯勒找到了最肥沃的土壤来耕耘自己的艺术，并让其那张扬而难以驾驭的个性臻于成熟：他与拉斐尔前派绘画对话，却未受其束缚， 与奥斯卡·王尔德共同倡导一种摆脱维多利亚时代人所珍视的社会与道德目标的艺术理念，将他在切尔西的“白屋”打造成社交生活的中心，同时也作为他作为“绅士”这一第二职业的舞台，并沉醉于当时盛行的日本风潮之中。 后一种影响对惠斯勒成熟风格的形成起到了决定性作用：对于广重及其同胞的版画——展览中展出了其中的一幅代表作——这位画家欣赏其简约的构图，这些构图倾向于二维和平面化， 以及那些在海景或花卉背景中凸显的、优雅的小人像与风格化造型，还有那种凌驾于主题之上的朦胧抒情性。

与此同时，惠斯勒开始收藏瓷器，尤其是中国瓷器（他收藏了三百多件）， 并将它们融入自己的画作中；他还借鉴东方陶瓷上的印记，设计了那只蝴蝶图案（形似字母J和W），将其作为自己作品的标志。 由此诞生了《紫与绿的变奏》（巴黎，奥赛博物馆）、《肉色与红色的和谐》（波士顿，美术博物馆）以及《画室中的艺术家》（芝加哥艺术学院）等作品，后者以一种富有计划性且引人入胜的方式拉开了本次展览的序幕。 画中出现了由无形物质构成的苍白剪影，年轻女子身披宽大的彩色和服和华丽的睡袍。 《白色交响曲，肖像第2号》（伦敦，国家美术馆）——这幅作品曾启发斯温伯恩创作了诗作《镜前》——完美地诠释了远东魅力与拉斐尔前派美学的融合。 然而，令人遗憾的是，在这个专门展示“日本主义”影响的展厅里，墙壁中央的显眼位置却被一幅复制品（《紫罗兰与玫瑰：六印兰格·莱岑》；费城艺术博物馆）占据，而非原作或其他作品。

这些以美学表现为主导的画作，弥漫着一种忧郁与慵懒的气息，而惠斯勒在其大部分全身肖像画中却淡化了这种情绪。这些作品源于某些富裕赞助人的时髦品味，却遭到官方机构的隐晦、 不情愿的怀疑态度：怎能忘记《白色交响曲，肖像第1号》（现藏于华盛顿国家美术馆）曾被皇家艺术学院和巴黎沙龙双双拒之门外，最终与马奈的《草地上的早餐》一同成为“落选者沙龙”的明星作品？ 由此便来到了本次展览中最为重要的几件作品，其中尤以《灰绿色的和谐：西西莉·亚历山大小姐》最为突出：在这幅作品中，委拉斯开兹的风格似乎通过马奈的滤镜被吸收，其旁是她妹妹的肖像——梅·亚历山大小姐（ 与泰特英国美术馆收藏的前作同名），其未完成的状态恰恰突显了那种朦胧感与色彩微粒感——这正是惠斯勒画笔所擅长的。 而在 《灰与黑的构图：艺术家母亲肖像》（巴黎，奥赛博物馆）中，标题所指的两种颜色则以宽广而清晰的色块铺陈，宛如一幅日本版画； 它们与白色形成鲜明对比，在墙上悬挂的那幅版画（惠斯勒本人作品的复制品）中得到了呼应。 这种深沉而朦胧的色调选择，暗指了画中人寡居的处境——丈夫去世二十年后，她仍未脱下丧服。 人物轮廓被柔和而起伏的线条勾勒，再次让人联想到东方版画；观众可以将其与前述《在钢琴旁》中女主角的形象进行对比——后者在展览中被巧妙地布置在对面的墙上， 以此凸显其向形式与色彩精妙融合的演进，正是这种演进使这幅《母亲肖像》成为这位美国画家最负盛名的杰作之一。

在抵达展览的另一个核心展区之前，参观者会穿过一间展厅，这里四面墙壁都贴满了 的复制品，以1:1的比例再现了同样著名的“孔雀厅”。 这是弗雷德里克·R·莱兰（Frederick R. Leyland）位于伦敦的宅邸中的餐厅，由建筑师托马斯·杰基尔（Thomas Jeckyll）与惠斯勒（Whistler）共同设计，旨在展示这位富有的船东收藏的中国瓷器。 该房间曾被拆解后迁至华盛顿的弗里尔美术馆（现为国家亚洲艺术博物馆），如今已成为不可移动的艺术品， 其蓝绿色与金色的镶板上，严格遵循象征主义的美学品味与诗学理念，描绘着成对的雄伟孔雀，它们展开的羽毛宛如织有金丝的披风。 由于原作缺席，我们可以欣赏到描绘两只孔雀搏斗场景的素描草图（格拉斯哥，亨特里安艺术画廊）。

继六十至七十年代的肖像画之后，展览的第二个核心部分是专门展示夜景画的展区。 惠斯勒之所以将这些作品定义为“夜景”，并非仅仅因为黑暗——只有微弱而遥远的光芒照亮了被黑暗吞噬的风景——而是因为它们沉浸于一种富有意境的维度之中；这种维度让人联想到肖邦的乐曲，为风景画染上了一层如梦似幻的抒情色彩。 水几乎总是画中的主角；在远处，可以看到岸边点缀着几抹黄色光斑，与近乎单色的蓝色渐变和谐相融。 本展厅展出的这十余幅画作标志着惠斯勒诗意的巅峰，他通过探索那般稀薄的氛围，赢得了法国象征主义画家的赞誉。

有影响力的英国评论家约翰·罗斯金崇尚特纳，喜爱拉斐尔前派，却无法理解惠斯勒。罗斯金对这些杰作提出的“粗鄙潦草”的批评，促使艺术家以诽谤罪将其告上法庭。 虽然他最终胜诉，但沉重的诉讼费用以及莱兰拒绝支付其为“孔雀厅”装饰所应得的报酬，最终导致他破产。就这样，他漫长艺术生涯中在某些方面堪称“黄金时期”的阶段就此落幕。 尽管以首都为固定据点，但在随后的几年里，惠斯勒为了摆脱伦敦带来的失望，踏上了横跨欧洲大陆乃至更远地区的旅程，最远抵达了阿尔及利亚。1879年，他受委托创作十二幅版画，于是前往威尼斯： 他在那里逗留了一年半，返回英格兰时，随身携带了约五十幅版画、一百多幅粉笔画以及多幅油画，其中包括另一幅杰作《夜曲：蓝与金，威尼斯圣马可广场》（卡迪夫，威尔士国家博物馆）。 因此，这段威尼斯时期并非毫无收获。凭借其细腻且近乎抽象的乳光效果，第二组版画（伦敦，大英博物馆）标志着惠斯勒版画艺术的重要成熟。 其题材不仅包括泻湖上的日出与日落，还涵盖了沉浸在寂静中的运河一隅、人迹罕至的小水道，以及布满岁月痕迹的宫殿——普鲁斯特对这些景象如此推崇，甚至在《追忆似水年华》中专门提及。

在随后的旅途中，惠斯勒主要致力于版画创作，偏爱以小幅画纸表现日常生活场景、城市风光和风景画。 《绿与白，迪耶普》（新罕布什尔州，耶鲁大学英国艺术中心），是本次展览中最精美的作品之一，这幅水彩纸本画作让人联想到德加同类题材的粉彩画。

给人一种印象是，除了一些显著的例外——如《切尔西少女》（本顿维尔，水晶桥美国艺术博物馆）——他晚期的肖像画越来越难以重现1880年前作品中所闪耀的光彩。 在一个被认为文化上愚昧的社会中，惠斯勒越来越致力于捍卫他对于艺术家身份的理解——进而捍卫艺术的使命。作为一位始终保持战斗精神的艺术家，他不断发表公开小册子（最著名的是《结怨的温柔艺术》）， 他频频登上舞台，向付费观众传授美学课程（《惠斯勒先生的十点钟》），并预见性地意识到，讽刺与丑闻才是最好的宣传。

这本图录（其中部分作品甚至未被收录）与其说是展览导览或单件作品解读指南，不如说是一部关于这位画家的实用论文集。 因此，我们不妨借此不容错过的良机，更深入地了解这位以蝴蝶为签名的巨匠——他对自身艺术家身份有着如此深刻的认知，以至于当模特们因疲惫不堪的长时间摆姿势而显得不耐烦时， 他仍会请求他们再凝视自己片刻，以便在画中将这凝视永恒留存。

本文作者 : Mauro Minardi

Mauro Minardi è uno storico dell'arte che si occupa in prevalenza di pittura italiana del tardo Medioevo e del Rinascimento, alla quale ha dedicato libri e numerosi saggi. Nutre altresì vari interessi sulla storia della cultura, la storia del collezionismo a cavallo fra Ottocento e Novecento e le relazioni tra arti figurative e letteratura nello stesso periodo, argomento al quale ha dedicato il suo ultimo libro (Come la bestia e il cacciatore. Proust e l'arte dei conoscitori, Officina Libraria, 2022).

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