Quando i graffitisti di New York dipingevano nel Salento: Lecce svela le sue collezioni private

di Redazione 09/11/2026

0 commenti

Seguici su Google DiscoverFonti preferite

Categorie: Mostre / Argomenti: Arte contemporanea - Arte Moderna

Alla Fondazione Biscozzi | Rimbaud di Lecce, la mostra Camera con vista riunisce 27 opere di venti artisti, da Kounellis a Beuys, da Spalletti ad A-One, provenienti da case e studi del Salento. È la prima ricognizione sul collezionismo d’arte contemporanea del territorio.

Pubblicità

Nel giugno 1985, ad Art Basel, un dentista salentino conobbe quattro protagonisti del writing newyorkese: A-One, Rammellzee, Phase Two e Daze. Sei mesi dopo, a dicembre, li ospitò nella sua casa-studio di campagna, nel Salento. Lì gli artisti intervennero sulla facciata e realizzarono nuovi lavori. L’anno seguente le tele di A-One furono esposte a Lecce, al Piccolo Museo. Si chiamava Corrado Lorenzo ed era odontoiatra di professione, ma anche artista, teorico, gallerista ed editore. Come scrive il curatore Lorenzo Madaro, grazie a lui “un linguaggio nato nel writing newyorkese entrava così nel Salento attraverso la presenza degli artisti e il tempo condiviso, non come citazione di una scena lontana”.

Pubblicità

Pubblicità

È uno degli episodi che aiutano a capire Camera con vista. Arte italiana e internazionale nelle collezioni private salentine (1963-2015), la mostra in corso fino al 10 gennaio 2027 alla Fondazione Biscozzi | Rimbaud di Lecce e curata da Paolo Bolpagni e dallo stesso Madaro. È la prima ricognizione dedicata al collezionismo d’arte contemporanea a Lecce, nella sua provincia e nel Salento. L’idea di fondo è che quel collezionismo non sia un fenomeno marginale o occasionale, ma una trama culturale autonoma, con una sua storia. Ne emerge, dice Bolpagni, “un panorama forse per molti insospettabile”.

Pubblicità

Pubblicità

Venti artisti, ventisette opere

Le opere esposte sono 27 e appartengono a venti artisti: Carla Accardi, A-One (Anthony Clark), Stefano Arienti, Massimo Bartolini, Gabriele Basilico, Mirella Bentivoglio, Joseph Beuys, Luigi Ghirri, Peter Halley, Jannis Kounellis, Giuseppe Maraniello, Nunzio, Luigi Ontani, Mimmo Paladino, Pino Pinelli, Mimmo Rotella, Andrea Sala, Mario Schifano, Ettore Spalletti e Franco Vimercati. Sono quasi tutti italiani, le eccezioni sono il tedesco Beuys e i newyorchesi Halley e A-One. Bolpagni considera italiani anche Mirella Bentivoglio, nata a Klagenfurt, e Kounellis, greco di nascita e di formazione ma romano d’adozione.

Pubblicità

Pubblicità

Le date del titolo corrispondono a due opere precise: il 1963 è quello di un Senza titolo su carta di Kounellis, il pezzo più antico della mostra, mentre il 2015 è l’anno della tela di Peter Halley. Il cuore della selezione si colloca però tra la fine degli anni Settanta e i primi anni Duemila, un periodo che Bolpagni chiama “una fin de siècle”. Gli artisti coprono quasi sessant’anni di nascite: dai più anziani, Mimmo Rotella (1918-2006), Beuys (1921-1986), Bentivoglio (1922-2017) e Accardi (1924-2014), fino al più giovane, il comasco Andrea Sala, nato nel 1976.

Dei venti artisti, solo Schifano era già presente nella collezione permanente della Fondazione, con un grande smalto su tela del 1974-1977. L’opera in mostra è quasi coeva e simile nella tecnica, ma diversa nel soggetto. Sono gli anni dei Paesaggi TV, in cui l’artista, nato a Homs nella Libia allora italiana, lavorava con immagini riportate su tela emulsionata. Nel caso analizzato da Bolpagni, le immagini derivano da dettagli di dipinti metafisici di Giorgio de Chirico, probabilmente filtrati dalla televisione. Per lo studioso è una riflessione sulla cultura dei mass media precoce per il contesto italiano.

Dalla casa al museo

Il punto di partenza della mostra è il luogo da cui arrivano le opere: abitazioni, studi, palazzi e masserie del Salento, che le lasciano per qualche mese. Madaro descrive così la vita di un’opera dopo l’acquisto: “Attraversa mattini, assenze, traslochi, mutamenti del gusto; assiste alle conversazioni, viene spostata, talvolta rimane per decenni nello stesso punto”. Portarla in un’istituzione significa farle cambiare contesto e metterla accanto a lavori provenienti da altre raccolte, che offrono nuove possibilità di lettura.

Una collezione privata, osserva Madaro, raramente segue un programma stabilito dall’inizio. Cresce per inclinazioni, ritorni e improvvise deviazioni, e finisce per diventare una sorta di autobiografia indiretta di chi l’ha formata. Il valore sta anche nella sua parzialità: una collezione può trascurare un artista ormai canonizzato e sostenere con ostinazione una figura appartata, acquistare un lavoro prima della consacrazione critica o tornare sullo stesso autore dopo anni. Per Madaro lacune, ricorrenze, fedeltà e scarti compongono “una storiografia implicita, diversa da quella dei manuali e dei musei”.

C’è poi un dettaglio che distingue questa mostra: la maggior parte dei prestatori ha mantenuto una riservatezza assoluta, e questo, secondo Madaro, sottrae il progetto alla celebrazione biografica: le identità dei proprietari passano in secondo piano e in primo piano restano le scelte. Uno dei pochi nomi citati è quello di Salvatore Baldi, dalla cui collezione proviene un Senza titolo del 2007 di Andrea Sala, ad acrilico e pennarello su carta da lucido. Anche il titolo nasce da questa doppia dimensione. “La camera allude all’intimità, alla prossimità quotidiana fra il corpo e il lavoro, alla lenta educazione che nasce dalla convivenza”, scrive Madaro. La vista, invece, apre la stanza verso l’esterno: il paesaggio, la città, la storia dell’arte, la comunità. La mostra si colloca esattamente su questa soglia, nel momento in cui il possesso privato diventa per un periodo un gesto di restituzione.

Per la presidente della Fondazione, Dominique Rimbaud, il contesto è particolarmente adatto: “Con questa mostra la Fondazione Biscozzi | Rimbaud – luogo in cui una collezione privata è già divenuta patrimonio condiviso – rappresenta il contesto ideale per la realizzazione di questo progetto, seppure temporaneo, confermando la propria missione di condivisione e trasmissione della bellezza. Sono lieta di accogliere gli straordinari tesori custoditi dagli amici collezionisti salentini e dai nuovi salentini, persone che hanno scelto di abitare questo territorio riconoscendovi un luogo di vita e uno spazio di responsabilità culturale”.

Un percorso tra le opere

Bolpagni non propone la mostra come un campione rappresentativo dell’arte del periodo, ma come un itinerario personale, “una mappa mentale, forse una promenade”, costruito per analogie e contrasti. Si parte dal Kounellis del 1963. All’inizio degli anni Sessanta l’artista, arrivato a Roma nel 1956 dal Pireo, dipingeva lettere e numeri che fluttuano su un fondo bianco, senza più legami né significati. Secondo Bolpagni aveva acquisito questa tendenza a scomporre i segni grafici e a ridurli alla massima semplicità soprattutto da Cy Twombly.

Di Beuys sono esposte cinque grafiche del 1982, tre delle quali lo ritraggono. Il 1982 è l’anno di Documenta 7 a Kassel, quando l’artista fece accumulare davanti al Fridericianum settemila lastre di basalto. A ognuna era legata una piccola quercia: chi “adottava” una pietra finanziava la piantumazione di un albero in città o nei dintorni. Il progetto è proseguito dopo la morte di Beuys, nel 1986, e continua ancora oggi. Per Bolpagni è il simbolo di un’idea di arte in cui anche le azioni contano come opere.

Su questa scia, l’itinerario del curatore tocca altri artisti. Stefano Arienti lavora su libri già stampati con interventi semplici e ripetuti, come la traforatura, la piegatura o la cancellazione. Il libro non serve più al suo scopo originario, ma acquista una forma e un senso nuovi. Le Aiuole di Massimo Bartolini mostrano persone sdraiate tra le zolle di un giardino costruito apposta, che si tengono per mano e per i piedi. Bartolini costruisce di persona il pavimento, lavora la terra e coltiva l’erba, per “farsi a piedi tutta la strada dell’immaginazione, portare il corpo là dove arriva il pensiero”, come dice lui stesso.

Nunzio usa invece il legno combusto, un materiale naturale e poco convenzionale, per le severe strutture degli anni Novanta. Il titolo dell’opera in mostra, Deneb, richiama forse l’omonima stella, una delle più luminose del cielo notturno. Bolpagni nota il paradosso rispetto alla superficie scurissima della scultura, e ricorda che il nome della stella viene dall’arabo e significa “coda”. Giuseppe Maraniello è presente con uno dei suoi Rebis in bronzo. Il termine viene dall’alchimia, dove indica la pietra filosofale come unione degli opposti, ed è legato al tema del doppio che attraversa le creature ibride dell’artista, come i centauri.

Con Pino Pinelli, esponente della Pittura analitica, si entra nel campo del monocromo, che l’artista frammenta e “dissemina” sulla parete in frammenti di forme diverse, dai moduli rigorosi della fine degli anni Settanta alle scaglie appuntite. Anche Ettore Spalletti lavora sul monocromo, ma in modo molto diverso. Le sue superfici, quasi sempre azzurre ma talvolta anche rosa, verdi o grigie, sembrano bidimensionali, ma in realtà sporgono dalla parete per l’inclinazione del supporto o grazie a staffe nascoste dietro le tavole. Andrea Sala, invece, parte dall’architettura e dalla cultura italiana del progetto. Il suo Senza titolo del 2007 studia i dettagli di una ringhiera da esterno.

Dai manifesti strappati alle griglie di Halley

Un’altra linea del percorso riguarda il rapporto con le immagini della vita quotidiana. Mimmo Rotella, il cui lavoro nasce nell’ambito del Nouveau Réalisme, strappava i manifesti pubblicitari e ne ricomponeva i frammenti sulla tela. Rispetto ad altri protagonisti di quella stagione, come Raymond Hains, Jacques Villeglé o Wolf Vostell, si concentrò sui manifesti cinematografici, sviluppando una sua critica della società dello spettacolo.

A-One, cioè Anthony Clark, si è formato invece nelle subculture urbane degli Stati Uniti della seconda metà degli anni Settanta. Da giovanissimo cominciò a dipingere graffiti sui vagoni della metropolitana e trovò un mentore in Jean-Michel Basquiat. Le sue tele mescolano immagini della strada, calligrafie adolescenziali, simboli, slogan contro un presunto “controllo sociale”, riferimenti allo sport, ai media e alla mitologia afroamericana. A lui viene attribuita l’invenzione di quello che è stato chiamato “aerosol expressionism”.

Bolpagni mette A-One a confronto con il suo concittadino Peter Halley, che definisce “l’opposto – o l’altra faccia” della sua New York. Halley si inserisce nella tradizione dell’astrazione geometrica, da Malevič a Mondrian, da Albers al minimalismo di Frank Stella. I colori saturi ed elettrici possono talvolta ricordare quelli di A-One, ma qui tutto è ordinato in griglie quadrate e rettangolari, che l’artista chiama “celle” o “prigioni”, collegate da forme simili a condotti d’aria. Alcuni vi hanno letto una satira del dominio della tecnologia e della “geometrizzazione” dello spazio sociale. Bolpagni ritiene che possa trattarsi di una sovrainterpretazione, ma osserva che l’assenza di linee curve e di cerchi rende queste opere inquietanti e ossessive.

Una geografia di gallerie e centri di ricerca

Per spiegare come queste opere siano arrivate nelle case salentine, Madaro ricostruisce una storia poco nota, documentata finora in modo frammentario. In assenza di una programmazione pubblica continuativa, nel Salento il contemporaneo è stato portato soprattutto da galleristi, artisti e operatori culturali. Le gallerie avevano un ruolo commerciale, ma anche formativo, perché permettevano di vedere opere che altrimenti si sarebbero conosciute solo attraverso i cataloghi o i viaggi.

Le premesse risalgono alla fine degli anni Sessanta. Nel 1968 Corrado Lorenzo e Sandro Greco fondano a Novoli il C.R.E., Centro Ricerche Estetiche, al quale partecipa anche Toti Carpentieri. Tra il 1971 e il 1980 il Centro organizza tre rassegne dedicate alla Land art e all’Arte concettuale. A Lecce, nel 1970, il gruppo Gramma estende la sperimentazione all’editoria, e nel 1975 Francesco Saverio Dòdaro avvia il Gruppo d’arte genetica. Il Laboratorio di Poesia, fondato da Enzo Miglietta a Novoli nel 1971, intreccia poesia visiva, mail art, libro d’artista, happening e performance.

Nello stesso periodo nascono anche le gallerie. A Lecce sono attivi lo Studio Arte 3A, già nel 1969, L’Elicona, L’Esagono e il Centro d’Arte Telamone. A Nardò apre nel 1971 L’Osanna di Riccardo e Benedetto Leuzzi, che porta nel Salento artisti come Giuseppe Uncini, Eugenio Carmi, Giulio Turcato e Concetto Pozzati. Nel 1979 Corrado Lorenzo inaugura a Lecce la Galleria del Piccolo Museo, uno spazio espositivo, editoriale e documentario. Il nome, scrive Madaro, conteneva già un programma: togliere all’idea di museo la monumentalità e legarla alla qualità delle opere, dei documenti e delle relazioni. I rapporti di Lorenzo con Christo e Jeanne-Claude, Ben Vautier, Dadamaino, Kounellis, Paladino, Boetti, Schifano e Beuys hanno lasciato dediche, lettere e fotografie. Con Beuys il dialogo passò anche per Caro Beuys..., del 1981, e per le edizioni grafiche. Negli anni Duemila arrivano modelli diversi, come Atrium, aperta a Lecce da Giuseppe Terragno nel 2001, e Primo Piano LivinGallery, fondata nel 2004 da Dores e Rose Sacquegna a Palazzo Rubichi.

Nella ricostruzione di Madaro c’è anche Lidia Carrieri, che nel dicembre 1976 apre lo Studio Carrieri a Martina Franca. Nel giugno 1983 vede per la prima volta, ad Art Basel, le opere di Keith Haring, e quattro mesi dopo è a New York. Da quel momento Rammellzee, Phase Two, Daze, Ero, Futura 2000, Ronnie Cutrone, A-One e lo stesso Haring entrano nella programmazione della galleria di Martina Franca e poi della sede romana. Nel 2007 l’esperienza della galleria confluisce nella Fondazione Noesi, a Palazzo Barnaba, e la collezione diventa un luogo pubblico di studio. È un passaggio simile a quello su cui si basa Camera con vista: una scelta individuale che diventa patrimonio condiviso.

Madaro precisa che le opere esposte non sono state acquistate solo nel Salento, ma anche a Milano, a Roma, nelle fiere internazionali e più di recente alle aste. Le gallerie locali, però, hanno offerto ai collezionisti “una prima grammatica di prossimità”. In un territorio privo di un sistema dell’arte strutturato, cioè di una rete stabile di gallerie, musei e spazi critici, le collezioni private assumono per il curatore un valore particolare, perché rivelano “scelte autonome, desideri, conoscenze, forme silenziose di responsabilità culturale”.

Informazioni pratiche

Camera con vista. Arte italiana e internazionale nelle collezioni private salentine (1963-2015), a cura di Paolo Bolpagni e Lorenzo Madaro, è alla Fondazione Biscozzi | Rimbaud ETS di Lecce, in piazzetta Giorgio Baglivi 4, fino al 10 gennaio 2027. Il catalogo, in italiano, francese e inglese, è pubblicato da Dario Cimorelli Editore. Contiene un testo introduttivo di Dominique Rimbaud, i saggi dei due curatori e le schede biografiche di Giuseppe Graziano.