di Redazione 13/11/2026
Categorie: Mostre / Argomenti: Arte contemporanea - Roma - Fotografia
Dal 13 novembre 2026 il MAXXI di Roma propone tre nuovi progetti espositivi dedicati a Shirin Neshat, Gordon Matta-Clark e Nanda Lanfranco. Tre mostre tra fotografia, cinema, sperimentazione architettonica e memoria dell’arte contemporanea.
Il MAXXI di Roma inaugura il 13 novembre 2026 tre nuove mostre che attraversano alcune delle questioni più significative dell’arte contemporanea: dall’identità e dal controllo sociale alla trasformazione degli spazi urbani, fino alla memoria visiva delle esperienze artistiche del secondo Novecento. Protagonisti sono Shirin Neshat, con Do U Dare!, Gordon Matta-Clark, al centro di un’ampia retrospettiva, e la fotografa Nanda Lanfranco, alla quale è dedicato il focus Ordinare il mondo. L’Archivio di Nanda Lanfranco.
Shirin Neshat. Do U Dare!: identità, solitudine e potere nell’era digitale
Dal 13 novembre 2026 al 10 gennaio 2027 il MAXXI ospita Shirin Neshat. Do U Dare!, una mostra che conduce il pubblico nell’universo visivo e psicologico dell’artista iraniana, tra le figure più riconosciute della scena internazionale. Il progetto, curato da Bartolomeo Pietromarchi con Anne Palopoli come curatrice associata, riunisce una trilogia cinematografica e una serie di fotografie realizzate tra il 2025 e il 2026.
Al centro della ricerca tornano alcuni temi fondamentali del lavoro di Neshat: l’esilio, la condizione femminile, il rapporto tra individuo e potere, la costruzione dell’identità e le tensioni tra Oriente e Occidente. A ispirare Do U Dare! è la vicenda di Nasim Najafi Aghdam, una donna iraniana appartenente alla comunità bahá’í, emigrata negli Stati Uniti per sottrarsi alle persecuzioni religiose. Nel Paese d’arrivo Nasim aveva trovato nella realizzazione di video per YouTube un mezzo per esprimersi, conquistare autonomia economica e ottenere riconoscimento. Attraverso performance, musica, danza e contenuti dedicati anche ai diritti degli animali, aveva sviluppato una presenza digitale personale e distintiva. Il rapporto con la piattaforma, tuttavia, si era progressivamente incrinato, fino al tragico episodio del 2018: la donna aprì il fuoco nella sede californiana di YouTube, ferendo tre persone, prima di togliersi la vita.
Neshat non si limita a ripercorrere il fatto di cronaca, ma ne ricava una riflessione sulle forme di solitudine ed emarginazione, sul desiderio di appartenenza e sui sistemi di controllo della società contemporanea, soffermandosi anche sulla crescente diffusione dell’autoritarismo negli Stati Uniti. La storia individuale diventa così il punto di partenza per interrogare una condizione collettiva, attraverso un linguaggio che intreccia realismo e visioni oniriche.
La trilogia si articola in tre capitoli ambientati nell’area metropolitana di New York, ciascuno legato a una diversa dimensione del rapporto tra individuo e società. In Wall Street, la protagonista si muove nel cuore del potere economico americano, tra i grattacieli e le architetture monumentali di Manhattan. Qui si confronta con un sistema che sembra non riconoscerla, fino a ritrovarsi coinvolta in una performance teatrale e surreale, nella quale assume contemporaneamente il ruolo di spettatrice e protagonista. L’immagine diventa uno strumento per rivendicare visibilità e mettere in discussione le dinamiche del potere.
Il secondo film, Brooklyn, si svolge in un quartiere segnato dalla precarietà e dalla marginalità, accentuate dalla scelta del bianco e nero. La protagonista osserva una realtà alla quale appare estranea, mantenendo inizialmente una posizione distaccata. In seguito, la narrazione si sposta in un contesto in cui un politico americano pronuncia slogan in evidente contrasto con ciò che lo circonda. La svolta arriva con l’ingresso della donna in un negozio di parrucche: il passaggio al colore e il travestimento, che la trasforma in una sorta di Wonder Woman, suggeriscono l’emergere di una nuova consapevolezza e il superamento di una condizione di apparente passività.
Con Suburb, il racconto giunge nella periferia residenziale americana, tra abitazioni curate, giardini e simboli di un benessere che nasconde contraddizioni. In una casa popolata da parrucche, manichini, vestiti e oggetti di scena, la protagonista sperimenta continue trasformazioni. L’ambiente domestico si converte in un set e in un laboratorio dell’immagine, dove il confine tra identità autentica e rappresentazione diventa sempre più incerto.
I tre episodi compongono un unico racconto, nel quale il corpo femminile si afferma come spazio di trasformazione e resistenza, ma anche di confronto con le strutture del potere. Il passaggio dal bianco e nero al colore accompagna questa evoluzione, introducendo una dimensione emotiva e simbolica.
Accanto ai film, la mostra presenta una serie di fotografie in cui figure umane assumono l’aspetto di fragili bambole di porcellana. Volti, mani e busti si trasformano in presenze quasi spettrali, invitando a riflettere sull’influenza dei social media nella costruzione delle identità. Attraverso richiami alla fotografia surrealista, Neshat rende estraneo ciò che appare familiare e solleva una domanda: quanto spazio resta per l’autonomia individuale in una società che tende a uniformare le persone e a marginalizzare chi non si conforma? Gli estratti poetici di Forugh Farrokhzad che accompagnano le immagini aggiungono al percorso una dimensione ulteriore, intensamente lirica.
In occasione dell’apertura, venerdì 13 novembre 2026 alle ore 18, Shirin Neshat incontrerà il pubblico del MAXXI nell’ambito del ciclo Conversazioni d’autore. In dialogo con la storica dell’arte Maria Alicata, l’artista approfondirà il tema della fragilità umana nell’epoca della solitudine iperconnessa, soffermandosi sulle relazioni tra identità, apparenza digitale e alienazione. L’incontro si svolgerà in inglese, con traduzione simultanea, e sarà a ingresso libero fino a esaurimento dei posti disponibili.
Gordon Matta-Clark. Not the Work… The Worker: l’architettura diventa arte e spazio collettivo
Dal 13 novembre 2026 al 28 febbraio 2027 il MAXXI dedica un’ampia mostra a Gordon Matta-Clark (New York, 1943–1978), artista statunitense che negli anni Settanta ha rivoluzionato il modo di concepire l’architettura, trasformandola in uno strumento di sperimentazione artistica, politica e sociale. Gordon Matta-Clark. Not the Work… The Worker, curata da Jessamyn Fiore e Francesco Stocchi, riunisce sculture, fotografie, film, disegni e interventi spaziali, con particolare attenzione alle esperienze italiane che hanno avuto un ruolo decisivo nello sviluppo della sua ricerca.
Formatosi come architetto, Matta-Clark ha scelto di utilizzare l’arte per mettere in discussione le convenzioni dell’edilizia e, più in generale, il modo in cui le persone abitano e condividono gli spazi. Nei suoi celebri building cuts, l’artista interveniva su edifici destinati alla demolizione, praticando tagli e aperture capaci di introdurre nuove prospettive, far entrare la luce e modificare la percezione degli ambienti. Il suo obiettivo non era semplicemente distruggere, ma ripensare il rapporto tra architettura e vita collettiva.
La mostra nasce anche dal confronto con un comitato scientifico internazionale composto da artisti, architetti e studiosi: Laurie Anderson, Martien De Vletter, Elizabeth Diller, Julien Fronsacq, Lorenzo Fusi, Francesco Garutti, Alfredo Jaar, Joan Jonas, Noah Khoshbin, Sylvia Lavin, Camila Mancilla Vera, Azikiwe Mohammed e Sokio.
Il percorso espositivo ripercorre le tappe della ricerca dell’artista, dai primi esperimenti realizzati tra il 1970 e il 1974 fino agli interventi architettonici di maggiore dimensione. Tra le opere più importanti figura Open House (1972), presentata per la prima volta in Italia. Partendo da un cassone industriale per la raccolta dei rifiuti, Matta-Clark lo trasforma in un ambiente attraversabile, introducendo porte, pareti e materiali di recupero. L’interno viene suddiviso in piccoli spazi e corridoi, dando vita a un’architettura alternativa che mette in discussione i modelli tradizionali dell’abitare. Al MAXXI, l’opera entra in dialogo con le forme fluide dell’edificio progettato da Zaha Hadid e invita i visitatori a sperimentare direttamente la trasformazione dello spazio.
L’area della Galleria 4 che circonda Open House sarà inoltre concepita come uno spazio di incontro e partecipazione, destinato a ospitare performance, musica, appuntamenti, laboratori e occasioni di confronto sui legami tra arte, architettura, città e comunità.
Un altro nucleo significativo è rappresentato dai Graffiti Photoglyphs (1973), frutto di una vasta campagna fotografica condotta tra il South Bronx e Harlem per documentare la diffusione dei graffiti come nuova forma di espressione artistica. Matta-Clark realizza oltre duemila fotografie di vagoni della metropolitana ricoperti di scritte e disegni, successivamente rielaborate in composizioni fotografiche di grande formato e arricchite da interventi con vernice colorata.
Alla stessa stagione appartengono Bronx Floors e Walls Papers (entrambi del 1972), realizzati all’interno di edifici residenziali abbandonati del South Bronx. Attraverso la rimozione di porzioni di pavimenti e pareti, l’artista crea collegamenti tra ambienti prima separati e porta l’attenzione sulle conseguenze dell’abbandono urbano, interrogando la funzione sociale dell’architettura.
Un’attenzione particolare è riservata ai soggiorni italiani, fondamentali per l’evoluzione del suo linguaggio. A Milano, nel 1973, Matta-Clark realizza Infraform, intervenendo su un edificio industriale dismesso con incisioni geometriche praticate sulle pareti e sugli angoli. I tagli aprono nuove prospettive e modificano la percezione dello spazio. Il MAXXI ne propone una ricostruzione, offrendo al pubblico la possibilità di sperimentare il principio alla base dell’intervento.
Sempre nel 1973, a Genova, l’artista realizza A W-Hole House, opera che segna il primo intervento su un intero edificio destinato alla demolizione. Alla ricerca sui tagli architettonici si collegano anche i Cut Drawings, lavori tridimensionali ottenuti incidendo diversi strati di carta e cartoncino, nei quali le geometrie degli interventi sugli edifici vengono tradotte in forme plastiche.
Il confronto con il contesto italiano prosegue nel 1975 con Arc de Triomphe for Workers, progetto ideato per un complesso industriale di Sesto San Giovanni occupato da un gruppo di giovani comunisti. L’esperienza colpisce Matta-Clark per la capacità dei lavoratori di coinvolgere la comunità e lo porta ad approfondire ulteriormente il valore collettivo e politico dell’architettura. Da questa riflessione nasce anche A Resource Center and Environmental Youth Program for Loisaida, un progetto mai realizzato che avrebbe dovuto coinvolgere artisti e cittadini nel recupero degli edifici abbandonati di New York.
La ricerca dell’artista raggiunge poi una scala monumentale con alcuni dei suoi interventi più celebri. In Splitting (1974), una casa nel New Jersey viene attraversata da un profondo taglio verticale; con Day’s End (1975), un molo abbandonato di New York si trasforma in uno spazio aperto alla luce e alla collettività. Seguono Conical Intersect (1975), caratterizzato da una grande apertura conica realizzata in due edifici destinati alla demolizione, accanto al futuro Centre Pompidou di Parigi, e Circus (Caribbean Orange) (1978), ultimo grande intervento dell’artista, nel quale un edificio di Chicago viene trasformato attraverso una serie di tagli circolari e sferici.
Il cinema sperimentale, parte integrante della pratica di Matta-Clark, trova ampio spazio nell’esposizione. Oltre alle proiezioni distribuite lungo il percorso, una sala dedicata permette di approfondire il rapporto tra immagini in movimento, architettura e performance.
La mostra è accompagnata da un catalogo Skira, curato da Jessamyn Fiore e Francesco Stocchi, che raccoglie interviste ai membri del comitato scientifico, immagini delle opere esposte e fotografie d’archivio degli interventi dell’artista. Ne emerge una lettura articolata della sua produzione, arricchita dai contributi di studiosi e amici che ne hanno conosciuto da vicino il lavoro.
Ordinare il mondo. L’Archivio di Nanda Lanfranco: la fotografia racconta l’arte contemporanea
Dal 13 novembre 2026 al 28 febbraio 2027 il MAXXI presenta anche Ordinare il mondo. L’Archivio di Nanda Lanfranco, un progetto curato da Lara Conte che restituisce visibilità al lavoro della fotografa ligure e al suo importante patrimonio documentario. Nel 2024, per volontà degli eredi, l’intero archivio è stato concesso in comodato d’uso al Museo, che oggi ne valorizza la ricchezza attraverso un percorso tematico e cronologico. L’iniziativa coinvolge anche il MLAC – Museo Laboratorio di Arte Contemporanea della Sapienza Università di Roma, dove dal 4 marzo all’8 aprile 2027 sarà proposto un approfondimento dedicato al corpo e alla Performance Art, due ambiti centrali nella ricerca di Lanfranco, tanto nella documentazione fotografica quanto nella sua produzione artistica.
Pur restando lontana dai riflettori, la fotografa ha seguito e documentato alcuni dei passaggi più importanti dell’arte contemporanea italiana e internazionale, costruendo un archivio che rappresenta oggi una preziosa testimonianza delle trasformazioni culturali e artistiche della seconda metà del Novecento.
Il percorso prende avvio dalla Genova degli anni Settanta, città particolarmente vivace sul fronte della sperimentazione. L’incontro con Germano Celant e la collaborazione, iniziata nel 1977, con la Samangallery di Ida Gianelli segnano il suo ingresso nel mondo dell’arte contemporanea. Attraverso fotografie e documenti riaffiorano le esperienze di artisti come André Cadere, Rebecca Horn, Daniel Buren, Maria Nordman e Giuseppe Penone, insieme alle successive collaborazioni con la galleria Locus Solus.
Tra gli interessi più significativi di Lanfranco emergono la performance, il corpo e la ricerca artistica femminile. Nel 1975 fotografa a Genova Duets on Ice, la prima performance italiana di Laurie Anderson; l’anno successivo documenta alla Biennale di Venezia Relation in Space di Marina Abramović e Ulay. Le sue immagini non si limitano a registrare le opere, ma restituiscono gesti, relazioni e processi creativi, offrendo uno sguardo ravvicinato sull’esperienza artistica.
A partire dagli anni Ottanta, anche attraverso la lunga collaborazione con Il Giornale dell’Arte, Lanfranco segue le principali manifestazioni internazionali, dalla Biennale di Venezia a Documenta di Kassel. Documenta inoltre le ricerche dell’Arte Povera, le attività del Castello di Rivoli e importanti progetti curatoriali di Germano Celant, tra cui Identité Italienne, presentato al Centre Pompidou di Parigi nel 1981.
Parallelamente all’attività di documentazione, la fotografa sviluppa una ricerca personale caratterizzata dall’uso del bianco e nero, dal formato quadrato e dall’impiego privilegiato della Hasselblad. Al centro delle sue immagini si trovano il corpo della scultura, la natura morta e il ritratto.
Tra i nuclei più interessanti presentati al MAXXI figura il ciclo dedicato ai Tarocchi, nel quale Lanfranco rilegge gli Arcani Maggiori e Minori attraverso composizioni ricche di simboli, duplicazioni e corrispondenze visive. Le fotografie costruiscono un universo sospeso tra realtà e immaginazione, aperto a interpretazioni molteplici. La stessa concezione attraversa l’intero archivio, il cui ordine non si presenta come una struttura rigida, lineare o gerarchica. Al contrario, diventa uno spazio dinamico e generativo, nel quale le immagini possono entrare in relazione, suggerire nuovi collegamenti e dare origine a possibilità di lettura sempre diverse.
“I progetti che inauguriamo oggi raccontano molto bene la visione del MAXXI: un museo aperto al dialogo tra i linguaggi, capace di accogliere nei suoi spazi prospettive ed esperienze artistiche differenti”, ha dichiarato Maria Emanuela Bruni, Presidente Fondazione MAXXI. “Oggi il MAXXI non inaugura solo tre esposizioni, ma apre le sue porte a tre modi di abitare il mondo: attraverso lo sguardo critico sull’architettura e sul lavoro; attraverso la forza delle immagini e la responsabilità della memoria; attraverso la cura paziente con cui un archivio può restituire ordine, senso e futuro al passato”.
Informazioni sulla mostra
| Città | Roma | Sede | MAXXI - Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo | Date | Dal 13/11/2026 | Temi | Arte contemporanea, Roma, Fotografia |
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