教区博物馆馆长纳迪娅-里吉（纳迪娅-里吉）看待博物馆就像看待一个问题，这个问题从未停止过在皮肤下的工作，它不允许自己被封闭在建筑物的墙壁中或标签的宁静中，而是继续在图像的漫长时间和进入者不安的目光中呼吸。20 世纪 90 年代末，当他来到米兰教区博物馆时，这个机构还没有一个明确的形式：那里有一个丰富而分层的图片库，还有散落在教区办公室的作品，最重要的是还有红衣主教卡洛-玛丽亚-马尔蒂尼的愿景，他想象着在这座城市里有一个地方能够让艺术记忆重见天日，并让它回归社区生活。保罗-比斯科蒂尼（Paolo Biscottini）和一群年轻的艺术史学家围绕着这一直觉展开了工作，他们被要求做一些罕见而艰苦的工作：搜寻、识别、研究和重新组合分散的作品，让它们重新拥有共同的历史。拔萃博物馆于 2001 年 11 月 5 日向公众开放。2026 年，它将迎来 25 周岁生日。对于一个文化机构来说，这个时间很短，但却足以让最初的项目成为米兰文化生活中最独特的地方之一，在这里，古老的绘画、摄影、民间反思以及与当代的对话不断交汇，同时又不失与传统的联系。从弗朗西斯卡-吉利（Francesca Gigli）对纳迪娅-里基（纳迪娅-里吉）的采访中，我们可以感受到，从档案馆和圣器室开始的工作从未真正结束：每一次展览、每一次借展、每一次作品间的对话，都会重新提出同样的问题，即图像的意义及其在时间中保持活力的顽强能力。
FG.您在教区博物馆开始工作时，博物馆刚刚诞生，甚至还没有确定永久藏品。这项 “从无到有 ”的工作如何塑造了您今天的思维方式，让您认为博物馆不仅要讲述作品，还要讲述意义？
NR.首先，这是一个非常宝贵的机会，你一生都要感谢那些让你有机会的人。我于 1998 年开始在这里工作，当时博物馆还不具备今天的规模：直到 2001 年才正式落成。当时的馆长是保罗-比斯科蒂尼（Paolo Biscottini），他的任务是陪伴博物馆的诞生，并带领博物馆开馆。大主教画廊作为一个收藏馆已经存在，但可以说，它只是一个理论意义上的画廊：这些作品被收藏在罗马教廷的办公室里，因此无法参观。馆长与红衣主教马尔蒂尼的想法不谋而合，他高瞻远瞩地设想，这些作品最终可以被人看到，最重要的是，它们可以再次讲述一个故事。这不仅是一部艺术史，也是更广泛的传统，是安布罗斯人的分层记忆。对我们来说，这也是一个非同寻常的发现季。我之所以说 “我们”，是因为我与一些艺术史学家同事一起工作，他们中的许多人都曾是我的大学好友：玛丽亚-克里斯蒂娜-特尔扎吉（Maria Cristina Terzaghi）、维托-扎尼（Vito Zani）、拉斐尔-卡西亚罗（Raffaele Casciaro）和尤金尼亚-比安基（Eugenia Bianchi）。他们每个人都带来了不同的观点、不同的专业知识，这使得活动更加丰富多彩。工作开始时，我们先在教区的纸质档案中进行初步筛选，然后再深入实地，对作品进行核实、查看和研究。在寻找具体作品的过程中，经常会出现其他蛛丝马迹，其他意想不到的存在。因此，一方面，从方法论的角度来看，我们的工作非常严谨，这也源于我们在为作品编目时积累的经验。这是一项与地域密切相关的工作：识别作品、了解其保存状况、确定那些需要修复的作品或那些不可能归属的作品。在某些情况下，还真的会遇到一些令人匪夷所思的归属。当然，还必须对所有这些材料进行整理。这不是我一个人的工作，我总是强调这一点：当时我是一个合作者，一个艺术史学家；博物馆毕竟还不存在。然而，我与导演之间的对话是持续而紧张的。我们不断地询问对方，我们想要讲述什么，这次参观会给我们带来什么样的体验。困难，但同时也是最吸引人的挑战，在于如何将我们真正拥有的东西整合在一起。既要从现有的资料中构建出连贯的论述，又要努力创造出一种叙事方式，让人们了解我们身在何处，我们来自哪段历史。
教区博物馆收藏的作品是为礼拜而创作的，但现在却暴露在多元的、往往是非信仰的目光之下。在您的日常工作中，您如何讲述这些作品，而又不将它们贬低为虔诚的物品或单纯的历史文献？在您的工作中，您如何将教会身份与与那些不承认自己属于任何宗教的人对话的需要结合起来？
马尔蒂尼红衣主教曾经说过，这里必须成为所有准备接受坚信礼的年轻人的聚集地。这样说可能听起来很奇怪，但实际上很有道理。对教会来说，坚信礼是坚振圣事，也就是一个人在信仰上成为成年人的时刻：在说 “是 ”之前，你被召唤去真正了解自己是谁的时刻。但这个问题关系到每一个人。它也关系到那些以游客、访客身份来到这里的人，关系到那些也许不再有如此明显的身份根基的年轻人。因为要真正遇到与你不同的人，你必须对自己是谁有一定的认识。这并不意味着把自己封闭在自己的位置上：而是意味着有一个可以敞开心扉的点。为此，追溯自己的历史和起源非常重要。这意味着扪心自问：我从哪里来，我是如何来到这里的，因此我又能去哪里。这是一个属于人类自己的问题。每个人，无论年轻还是年老，无论信教还是不信教，迟早都会面临意义问题。毕竟，当我们谈论博物馆中的作品时，我们也是以此为出发点的。这些作品是在精确的传统中为崇拜而创作的图像，但这并不意味着它们只对那些拥有相同信仰的人说话。我们的任务不是把它们变成单纯的崇拜对象，也不是把它们简化为历史文献。而是试图还原产生这些作品的人类问题。当这一切发生时，作品也会回到那些不认同宗教信仰的人的视野中。因为这些图像不仅仅关乎教义：它们关乎痛苦、希望、死亡，即贯穿每个人生命的经历。这就是为什么我们不认为博物馆是一个必须给出答案的地方，而是一个提出问题的空间。当一件作品成功地向观众提出了一个问题，哪怕只是一个小问题，并随着时间的推移不断产生作用，那么它就已经完成了一件极其重要的事情。从这个意义上说，博物馆的教会身份不是对话的限制，而是真正与他人相遇的起点。因为只有当你知道自己的立场时，你才能向那些与你不同的人敞开心扉。在这一点上，作品就成了一个交汇点：在不同的故事、不同的目光之间，却被同一个问题所交汇。
教区博物馆多年来一直在处理历史、精神和当代性之间的矛盾。在米兰这样一个日益国际化的城市，您如何定义神圣艺术博物馆在今天的作用？
问题在于，我们生活在一个飞速发展的社会，它常常让我们止步于眼前的满足：成功、事业、娱乐。当然，所有这些都是合理的，但并不能解决更深层次的生存问题。如果一个人认真对待自己，这个问题迟早会出现：我真正想要的是什么？什么能让我快乐？生命是否有意义？我认为，文化的任务就在于此。不是提供强制性的答案，而是重新提出问题。这既适用于博物馆，也适用于文学、音乐或戏剧。有些作品，当你真正接触到它们时，会迫使你停下脚步，扪心自问，这种美通向何方，它想告诉你什么。从这个意义上说，即使是在米兰这样的国际大都市，教区博物馆也可以发挥非常特殊的作用：成为一个让你有时间质疑自己的地方。不一定非要得出同样的结论，而是重新激活属于人类自身的研究维度。正是这一点使人能够与许多人对话；因为当一个人固守封闭的身份立场时，他就不再参与对话。但与此同时，身份也不应被抹杀。如果你知道自己的立场，如果你知道自己来自哪段历史，就会更容易真正与他人相遇。信仰还有一个方面常常被遗忘。人们认为信仰只会给出答案，但事实上，信仰也教人如何提问。如果一个人不提问，信仰本身就会变得空洞。因此，博物馆就可以成为这样的地方：一个让这些问题浮出水面的地方，在这种审美体验中，任何人，无论是否是信徒，都能找到答案。
随着时间的推移，永久藏品中是否有一件作品对您来说有了不同的意义，也许是更复杂或更有问题的意义，这也要归功于与公众的持续对抗？
我能说出两件吗？因为对我来说，这两件作品都代表着一种持续的挑战，随着时间的推移，它们在我看来越来越复杂。第一件是卢西奥-丰塔纳（Lucio Fontana）的《十字架之路》（Via Crucis），我非常喜欢这件作品。这是一件不断向我提出质疑的作品。丰塔纳不是一个忏悔意义上的宗教徒，但他发现自己面临着神圣的主题，这仍然是艺术家衡量自己的伟大主题之一。在那幅《十字架之路》中，他开始引入后来成为他最著名遗产的标志：切割。当我们收到这幅作品并首次展出时，我被这一点深深打动了。这些切割已成为他在艺术史上最著名的姿态，它们不仅仅是一种空间概念或形式实验。它们也是一个开口的概念，一个让你瞥见材料之外的东西的缺口。我们再次回到那个贯穿所有艺术的问题。我们不知道外面是什么，但或许存在某种东西。正如他自己所说，它们是洞，光从洞中进入。丰塔纳在创作 “十字路口 ”主题时引入这个标志，一直给我留下深刻印象。我一直在想这个问题，但没有确切的答案。他从未明确表示他这样做是出于这个原因。但有趣的是，这些最初的明显标志是作为基督道路下方的地面痕迹插入的。这个细节引出了许多问题。一个人死了，但对那些有信仰的人来说，他并没有真正死去，在他的脚下出现的这个痕迹暗示了超越的可能性。这个切口似乎在说，也许还有更多。我非常喜欢的另一幅作品是莫拉佐内创作的《雅各布与天使的斗争》，这幅作品借展至 3 月 15 日，在米兰 Fiera Milano 举行的奥运会期间展出。莫拉佐内是 17 世纪伦巴第最伟大的艺术家之一，该世纪的伦巴第绘画在我们的收藏中自然占有非常重要的地位。这块画布非同寻常。罗伯托-隆吉称它为探戈舞步，格里高利也为它写下了优美的篇章，谈到了光线、雪和贯穿整个场景的张力。这幅作品一方面汇集了整个传统，与莱昂纳多和高登基遥相呼应，另一方面又以非凡的力量引入了一个许多人今天已不再认识的《圣经》情节。故事讲述的是雅各布从流放地归来的故事。夜里，当雅各布穿过一条河的岔口时，他的家人已经离开，而他却遇到了一个陌生人，他与这个陌生人搏斗了整整一夜。直到最后，他才意识到这个人就是上帝。这是一个令人难以置信的情节，因为它讲述了一个人与上帝抗争的故事。最后，挣扎给他留下了印记，给他造成了创伤，并改变了他的名字。这是一个强有力的形象：一个人通过挑战找到了自己的真相，而正是通过这场斗争，他得到了改变。斗争可能不会导致毁灭，但会带来改变，这是一个非常强烈的想法。莫拉佐内以非凡的活力、身体的张力和非常有力的光线描绘了这一思想。我非常喜欢这幅画，因为它讲述的正是这个道理。一个人，当他真正成为一个人时，他可以参与任何斗争，最终不是被打败，而是被改变。
在您担任馆长期间，最困难的时刻和最有收获的时刻分别是什么？特别是，您觉得是否有某个展览或出版项目标志着博物馆生命的转折点？
最困难的时刻？我会毫不犹豫地说是科维德时期。这并不是一个抽象的原因，而是因为它发生在博物馆终于进入全面成熟阶段的时候。我在 2017 年成为馆长，我真正制定的第一个计划是 2018 年的计划。由于种种原因，我们正处于一个复杂的时期，因此前几年的工作主要是重建工作：重建与公众的关系，重启连续性的计划，恢复赞助商，恢复博物馆的某种稳定性。2020 年，我们真切地感受到，这项工作终于取得了成果。在这一年，我们认为我们可以超越一些重要的目标，在参观人数方面也是如此。然后，像其他人一样，我们在二月份停了下来。突然之间当时的感觉真的是，似乎刚刚进入最有希望的阶段，却又戛然而止。这是非常艰难的一年。然而，矛盾的是，这也是我经历中最重要的时刻之一。这听起来可能有些奇怪，但这突如其来的中断迫使我向自己提出了一个非常激进的问题：博物馆的任务到底应该是什么？管理一个文化机构到底意味着什么？在那一刻，我更加清楚地认识到，博物馆不能仅限于作为一个保存或展览的场所，而必须充分承担起服务职能。于是，问题变成了另一个问题：即使博物馆的大门关闭了，它还能为人们做些什么？这种思考引发了各种倡议，但最重要的是，它改变了我们对博物馆工作的看法。有趣的是，这种态度并没有随着卫生紧急状况的结束而结束。它依然存在，只是采取了不同的形式。这就是为什么我会说，最困难的时刻同时也是最富有成果的时刻之一。这一停顿迫使我们真正停下来，重新考虑我们的优先事项，并对我们所做工作的意义提出更深刻的质疑。至于标志着博物馆生命转折点的项目或展览，很难只说出一个。每个展览都会留下痕迹，每个项目都会开辟道路。不过，如果非要找出一个特别重要的时刻，我还是会想到马萨乔作品展。这也是因为我们每个人都不可避免地有自己的心血之作，而马萨乔的《 受难图》一直是我的心血之作。我的背景与文艺复兴有着千丝万缕的联系，因此有机会展出这件作品，是博物馆生活中难得一见的非凡时刻。当然，多年来我们也借出过许多最高级别的作品，但这次的情况比较特殊。马萨乔是单独展出的，但在展览日程中（当时正值乔瓦尼-特斯托里百年诞辰），我们和朱塞佩一起决定将特斯托里献给抹大拉的马利亚的文字放在房间的出口处。这幅作品占据了整整一面墙。事实证明，这一选择具有决定性意义。我观察了来访者的行为：他们读完文字后又回到画前。那一刻，强烈的感觉油然而生：人们被感动了，有些人甚至流下了眼泪。就在那一刻，我有了一种直觉。我想，如果像特斯托里这样的当代思想能够如此深刻地触动观看古代作品的人的心灵，那么也许值得尝试构建其他类似的对话。不仅要有艺术史学家，还要有作家、当代艺术家和思想家。在某种程度上，挑战就在这里诞生了。从那时起，我们开始越来越多地思考这样一个问题：一件作品可以成为各种不同解读的中心。不仅是艺术史，还有文学、戏剧和哲学。例如，在那次活动中，我们组织了两次戏剧演出，由 Walter Malosti 朗读特斯托里献给 Magdalena 的文字。时至今日，我们仍在朝着这个方向努力。例如，今年我们将再次将艺术与文学相融合，由 Don Paolo Alliata 主持会议，他将通过托尔斯泰的一篇文章来探讨死亡的主题。归根结底，我们的想法始终如一：我们要认识到，围绕一部作品，永远不会只有一种解释。一件作品可以成为许多不同叙事的起点，而正是在这种交织中，才产生了博物馆应努力为公众提供的深刻洞察力。
不久之后，您开始策划将古代作品与当代方案相结合的展览，比如最近的汉斯-梅姆林（Hans Memling）与当代艺术家的展览。在保持神圣感的同时，又不使一切仅仅具有可比性方面，策展人面临的主要挑战是什么？
我们做了很多关于当代主题的工作，尤其是在复活节展览上，但总是与古代作品联系在一起。我们感兴趣的是，今天的艺术感知力能否帮助我们更深入地理解这些图像的意义。具有真正敏感性的艺术家，因此也具有伟大的心灵，他们的内心往往充满了非常激进的问题，在许多情况下，他们的内心也充满了深深的创伤。正因为如此，他们才能深入人性。在这种情况下，与古代作品的对话就不仅仅是形式上的对抗，而是真正的挑战。策展难度恰恰就在于此。将不同时代的作品并置的风险在于，这种并置仍然是肤浅的：仅仅是一种美学暗示，一种形式上的相似。相反，我们感兴趣的是了解当代艺术家是否愿意让自己真正接受眼前杰作的拷问。从这个角度来看，在伟大的杰作上进行有趣的创作几乎总是可能的。真正的问题在于找到合适的艺术家。这是一项持续的研究工作。近年来，我们与斯特凡诺-雷蒙迪-弗兰吉（Stefano Raimondi Frangi）开展了大量合作，他对许多当代艺术家的作品都非常熟悉。他对许多当代艺术家的作品都非常熟悉，正是他确定并提出了与之展开对话的人选。然后，我们一起评估这位艺术家是否能够真正与古代杰作建立联系，让自己受到图像及其所承载主题的质疑。当这种情况发生时，一些非常有趣的事情就会发生。艺术家并不试图模仿过去（这是不可能的，因为同样的文化坐标在今天已不复存在），而是从自己的敏感性、自己的历史、自己的时代出发，对图像做出反应。因此，每件当代作品都在同一主题下提出了不同的问题。这就好像产生了一个 “主题中的主题”：每个艺术家都进入主题的核心，并根据自己的经验去探索它。对我来说，这一直是非常迷人的，首先是一种个人体验，我希望这对参观展览的人也同样迷人。因为这样一来，古代杰作就不再是遥远的或博物馆式的东西，而是成为一个活生生的问题，继续对我们提出质疑。
当代哲学的一个重要部分（我想到的是让-吕克-南希或保罗-利科尔）反思了与关系和极限相关的非教条式的神圣观念。在你看来，博物馆是否比教堂更能体现这种神圣性？
如果我们把神圣理解为超越我们所能达到的，但同时又赋予现实以意义的东西，那么是的，这个问题就变得非常有趣了。不过，还必须指出的是，教堂和博物馆具有不同的功能，不能相互替代。在这种情况下，“神圣 ”可以被视为一种界限，但不是一种清晰明确的界限，而是一种模糊的界限，一种表示超越的界限。正如我们之前所说，我想起了方塔纳的剪裁。这种姿态暗示着，在我们看不到的表面背后，存在着某种神秘的东西。或许，与其说是神圣，不如说是神秘。然而，这种神秘并不脱离现实：它超越现实，但又与现实息息相关。毕竟，这是最有趣的一点；因为这似乎是一个矛盾：要么某些东西在现实之外，要么它属于现实。相反，这里恰恰是一个将两个维度结合在一起的问题。它是一种超越，在现实的具体体验中不断对我们提出质疑。从这个意义上说，博物馆通过艺术无疑可以成为体现这一问题的场所之一。艺术总是有能力打开这种质疑的空间：暗示存在着超越可见的东西，却又深深地影响着我们对世界的体验。被理解为圣像的神圣艺术也是如此。博物馆让我们有可能重新发现一种传统，并提出一个根本性的问题：几个世纪以来，人类为什么觉得有必要制作这些图像？为什么人类会委托他人制作作品、建造场所、将艺术视为生活中不可分割的一部分？由此不可避免地会产生另一个问题：为什么我们今天还在努力以这种方式构思艺术？我们对世界的体验发生了什么变化？我们的时代在什么意义上更加支离破碎？我认为，博物馆的任务正是促进这种思考。与其说是陪伴人们走向精神的通道，因为这一通道不可避免地仍是个人的，不如说是为这一问题的出现和分享创造条件。从这个意义上说，是的，博物馆可以成为这种质疑继续发生的地方之一。这不是一个明确的答案，而是一个研究和认识的开放空间。特伦斯说过 “homo sum: humani nihil a me ali̯enum puto ”或 “I am man: nothing that is human is alien to me”。在我看来，这句话应该刻在石头上。不知何故，我真的觉得这句话应该永远放在我们眼前，想到写这句话的人是在公元前一百六十年写的，就令人印象深刻。然而，这句话中蕴含的真理仍在以非凡的力量向我们诉说。对人类来说，没有什么是真正陌生的，没有什么是与人类最深刻的经验没有某种联系的。因为人的内心深处有一个从未停止浮现的问题：一个关于意义、重要性和方向的问题。这是一个从根本上属于人类的问题。你可以为他提供一切形式的娱乐，一切分散注意力的可能性，一切当代生活所能提供的东西，但始终有一些东西在困扰着他。这是一个无法压抑的问题。如果一个人对自己诚实，这个问题就会一直存在。它就像一条沉默的木虫，继续在内心深处活动。毕竟，正是从那里诞生了研究：哲学、艺术、宗教，人类试图通过所有这些形式来表达最初的不安。因为人类的一切对我们来说都是陌生的。
许多博物馆（包括教会博物馆）都选择了在美与平和之间寻求安慰的道路。而米兰教区博物馆却经常以残酷的形象、受伤的身体和非和解的主题为创作对象。这是一种选择，还是当下不可避免的结果？
如今，我们说的 “公众 ”越来越少，而 “公众 ”越来越多，我认为这是正确的。博物馆不可能只面对一个理想的对话者：不同的人，不同的敏感性，不同的历史。我们应该尝试与所有人对话。否则，我们可能只能在自己人之间交谈。而当我们只在自己人之间交谈时，从长远来看，我们甚至不再成长。我们仍然封闭在一个自我反思的回路中，无法真正产生对抗。话虽如此，但只有当我们从明确的身份出发时，对话才成为可能。我仍然非常坚持这一点，因为对话并不意味着成为随风转动的风向标。因为对话并不意味着成为随风而动的风向标，并不意味着所有事情都走同样的路。它意味着从你的信仰出发，从你认为属于自己的价值体系出发，从你认为坚实的东西出发。当然，人们可以就许多事情进行对话，可以对细微差别和解释提出质疑，但也有一个核心是坚定不移的。如果一个人是一个有信仰的人，那么他信仰的核心就不会受到质疑：他会不断地质疑它，验证它，但它仍然是一个固定点。正是这一点使相遇成为可能。因为如果我知道自己的出发点，我就能真正与他人相遇。我之所以对他人感兴趣，是因为他的心跳与我的一模一样。当一个人从这种意识出发时，也就有可能处理困难的图像、残酷的主题和受伤的身体。不是为了挑衅，也不是为了免费打扰，而是因为这些层面是人类经验的一部分。从这个意义上说，摄影是我们博物馆的一个非常重要的工具。摄影有一种特殊的能力：它迫使我们审视今天。当你展出非常强烈的摄影作品时（例如，我想到的是战争图片或讲述社会脆弱性的作品），你不可避免地会问自己，现在的世界正在发生什么。远观过去，判断发生了什么很容易。当我们沉浸在当代历史中时，要认识到类似的动态则要困难得多。这就是为什么近年来我们一直在举办同样涉及非常复杂主题的展览：我想到了关于无家可归者、囚犯的作品，或者关于阿尔茨海默氏症的新展览。有人可能会问，博物馆为什么要处理这些现实问题，但答案是这些图像提出了问题。例如，当你看到一个患有阿尔茨海默氏症的人时，你会想知道站在一个不再认识你的人面前是什么感觉。这个人已经变成了另一个人，还是他或她还是同一个人，只是变了？这些都是非常深刻的问题，触及人类经验的核心。最终，你总是会回到那里：回到那个栖息在每个人身上的神秘之处，即使记忆消逝或生命变得脆弱，这个神秘之处依然存在。也许博物馆可以成为我们尝试这样做的地方之一：不是软化现实，而是真正地审视现实，同时创造一个空间，让进入其中的人感到宾至如归，可以自由地面对这些问题。
近年来，博物馆推出了晚间套餐和预约服务，如 “Chiostro Bistrot ”开胃酒。您如何评价这些在不淡化艺术的前提下让艺术大众化的尝试的效果？
Chiostro Bistrot 晚间开馆和预约的想法也源于一个非常具体的考虑：博物馆必须站起来。当然，它必须在文化上站得住脚，但也要从可持续发展的角度出发，这意味着要对公众、城市的时代以及人们如何体验空间提出质疑。当我们查看数据时，我们意识到，在夏季，我们的观众明显减少。这也是可以理解的：大部分常客都是机构公众、学校或有组织的团体，他们在夏季自然会消失。这时，我们开始思考如何截留不同的观众。也许是年轻人，或者是在其他时间、以其他习惯来体验这座城市的人。我们的想法是使用一种看似更简单、更直接的语言，更接近吸引这类受众的社交形式。但还有另一种直觉。米兰在夏季的节奏发生了变化：人们更多地在傍晚外出，这时天气不那么热，城市也稍微放松了一些。因此，我们认为博物馆也可以在这个时候成为一个体验空间。当然，回廊非常适合这种体验。如果有一个美丽的地方可以停下来，坐下来，吃个晚饭，喝杯开胃酒，也许第二天还能和其他朋友一起再来，那么这个地方就开始有了家的感觉。当我碰巧在那里时，我就会注意到这一点。我看到人们回来、预约、将博物馆作为聚会场所，甚至我们在夏季组织的讲座、会议和辩论等活动也正是出于这样的目的：邀请人们回来。有些人是来听讲座的，有些人是来看展览的，还有些人只是来聚会的。慢慢地，博物馆就成了人们在考虑在这座城市做什么时会考虑的地方之一。就效果而言，结果是非常积极的。回廊在一年中大约有五个月是开放的，由于这些活动的开展，夏季的公众人数稳定了许多。如今，夏季的月平均游客量已与全年其他时段相当。当然，有些活动比其他活动更有效。有的活动能吸引更多的游客，有的活动能吸引更多的游客，有的活动能吸引更多的游客。还有一些非常简单的变量，比如天气：如果下雨，上座率就会不可避免地下降。这是博物馆生活的一部分，也是任何试图在城市中保持活力的地方生活的一部分。毕竟，这个想法也很简单。在回廊里喝一杯开胃酒，就能看完一场展览，顺便喝上一杯，而在米兰，花的钱往往只相当于一杯喷雾。因此，也许有人会想：我不能只喝开胃酒，我还要去博物馆。如果他下次和朋友再来，或者决定再看一次展览，这就意味着博物馆已经真正开始成为一个让人觉得有点属于自己的地方。
根据您对世界的观察，近年来公众对艺术的看法发生了哪些变化？您是否注意到一种更加肤浅的态度，还是一种不同的饥渴，也许更加困惑但更加迫切？
总的来说，我的印象是，今天有一种不同的渴望。一种对美的渴望正以某种方式重新崛起。我似乎在各个年龄段都感受到了这一点，这不仅仅是我个人的感觉。即使从数据上看，从同事们的发言中听，从许多博物馆（我指的是民间博物馆）公布的数字上看，人们对艺术的需求似乎确实在复苏。这让我们的工作变得更加有趣，但也更具挑战性，因为如果有这样的愿望，那么我们就必须有勇气提出符合这种愿望的建议。在某种程度上，这也意味着能够提高标准。例如，对我们来说，决定恢复 米兰杰作展并举办一些更具雄心的展览（我也想到了复活节展览），就是这样一个决定。我们试图提高提案的水平。这绝不是一个必然的结果。一开始我也有些担心，我不知道公众是否能真正理解我们所做工作的意义，或者他们是否会认为我们是在肤浅地构建古代与当代之间的对话，而这种并置仅仅是形式上的。风险始终存在。有时，不同时代的作品之间的对话仅限于美学上的相似性，而不会真正质疑图像的深层含义。问题正是如此。观众会理解这里的提议是关于意义而不只是形式吗？我的印象是，这段话已经被理解了。当然，我们永远无法绝对确定，但在我看来，观众的反应是非常专注的。与此同时，我们还努力将目光投向新的观众。例如，摄影就是这方面的首批工具之一。在我担任馆长之前，博物馆对摄影并不陌生，甚至前任馆长也举办过一些展览，但近年来，这种语言帮助我们拦截了不同的感性认识，甚至是年轻一代。还有一个领域对我们来说越来越重要，那就是脆弱性。我们并没有直接处理这个问题。当我们意识到我们可以通过提高意识来提供支持时，我们就开始了这条道路。我指的是社会脆弱性，也指不同形式的残疾。从这个意义上说，与阿丽雅-法尔克基金会（Fondazione Alia Falck）合作的项目非常重要，它让我们能够通过不同的语言来阅读永久收藏品中的一些作品。如今，十几部作品都配有专为不同受众设计的阅读工具，如 LIS 内容、Descrivedendo、 易读工具和替代性辅助交流工具。这些都是感官残疾或认知障碍人士的必备工具。除此之外，我们还试图解决另一个非常具体的问题，即让买不起门票的人进入博物馆的可能性。这并不是一个显而易见的问题，因为博物馆仍然需要经济支持。赞助固然重要，但仅有赞助是不够的，售票仍然是机构平衡的必要组成部分。多亏了阿丽雅-法尔克基金会的支持，我们每年都能免费接待几个团体，这些团体是我们拦截的，或者是应要求而来的。我指的是由明爱机构、圣埃吉迪奥社区、身患绝症的病人或背景较为脆弱的学校支持的团体。对我们来说，这意味着要努力去除一个经常被忽视但却非常强大的过滤器：经济过滤器，它始终也是一个社会过滤器，并努力确保博物馆能够真正成为一个向所有人开放的地方。
本文作者 : Francesca Anita Gigli
Francesca Anita Gigli, nata nel 1995, è giornalista e content creator. Collabora con Finestre sull’Arte dal 2022, realizzando articoli per l’edizione online e cartacea. È autrice e voce di Oltre la tela, podcast realizzato con Cubo Unipol, e di Intelligenza Reale, prodotto da Gli Ascoltabili. Dal 2021 porta avanti Likeitalians, progetto attraverso cui racconta l’arte sui social, collaborando con istituzioni e realtà culturali come Palazzo Martinengo, Silvana Editoriale e Ares Torino. Oltre all’attività online, organizza eventi culturali e laboratori didattici nelle scuole. Ha partecipato come speaker a talk divulgativi per enti pubblici, tra cui il Fermento Festival di Urgnano e più volte all’Università di Foggia. È docente di Social Media Marketing e linguaggi dell’arte contemporanea per la grafica.免责声明：本篇意大利语原文的中文翻译由自动工具生成。 我们承诺会对所有文章进行审核，但无法保证完全避免因软件造成的翻译误差。 您可以点击 ITA 按钮查看原文。如发现任何错误，请联系我们。
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