米兰国际现代和当代艺术博览会（ Miart）由米兰国际展览中心（FieraMilano）主办，今年是第 28 届，也是由尼古拉-里恰尔迪（Nicola Ricciardi）领导的第四届。4 月 12 日至 14 日，来自 28 个国家的 181 家画廊将在 Allianz MiCo 会议中心的 3 号展厅展出知名和新兴当代艺术家的现代艺术作品。2024 年 Miart 的主题是 "无时间无空间"（no time no space）。除了主展区（成熟展区）和新锐展区外，今年还新增了门户展区，该展区刻意与时代脱节，意在混淆时间以谈论我们的时代，在瞬息万变的现实中捕捉艺术中稳定而持久的东西。我们的编辑人员认为，Miart 2024 的十大最佳展台是哪些？一如既往，我们在预展期间参观了展会，并选出了我们认为在方案的原创性、新颖性、布局的精心设计、场景的冲击力和展示的清晰度方面最突出的展台。以下按字母顺序排列。
一个展台分为三个部分，即巴黎193 画廊。首先是出生于 1990 年的肯尼亚艺术家 Thandiwe Muriu，她为 miart 带来了阵阵非洲风情。 她的摄影作品看起来像数码作品，她通过对材料的选择，尤其是对非洲面料和风格的选择，探讨了自我认知的主题，并试图重新定义女性身份。在她的对面，是 37 岁的新西兰画家罗布-塔克（Rob Tucker），他的风景画和静物画以其近乎几何的形状、俏皮的色调、对设计世界的借鉴以及对大卫-霍克尼（David Hockney）画作的关注而引人注目。来自 1994 年的喀麦隆人 Sesse Elangwe（现居住在德克萨斯州圣安东尼奥市）的画作从现实主义、波普艺术和超现实主义中汲取灵感，再现了世界各地黑人的困境。
美国艺术家安德鲁-克雷普斯（安德鲁-克雷普斯）展示了两位非常年轻的艺术家的作品之间的对话，我们认为这种对话是成功的：1998 年出生于香港的亨利-沈（Henry Shum）和 1991 年出生于纽约的马雷玛（Maremma）裔艺术家伊莎贝拉-科斯塔比莱（Isabella Costabile）。岑通过收集他在物理和数字空间中遇到的图像进行绘画，并通过不同的材料建立主题联系。二维空间和三维空间似乎经常相互折叠，暗示着在一件作品中存在多个平面或虚拟性。这种暗示并不反映岑的意愿，而是反映了我们这个时代的一个特定现实：在集体与个人、历史与非历史之间不断游走。伊莎贝拉-科斯塔比莱的研究从废弃物品和材料入手，创造出新的奇特物品，让人想起童年和童年的游戏，同时也能反思日常语言的可能性和形式的模糊性。
出生于 1980 年的英国艺术家亚历克西斯-苏尔-格雷（Alexis Soul-Gray）是洛杉矶贝阿米画廊个展的主角。亚历克西斯-苏尔-格雷（Alexis Soul-Gray）的研究结合了绘画、素描和拼贴画，探讨想象力如何照亮悲伤和失落的道路，好奇心和实验如何带出隐藏的层次，揭示童年的情感生活，以及这如何影响我们成年后的认知和反应。苏尔-格雷从意大利文艺复兴时期的绘画和英国流行杂志中理想化家庭生活的广告中选取图像，发现了妇女和儿童的场景，选择这些场景是因为它们具有人造的特质，“在这些场景中，家庭往往是伪造的，但也能以某种方式感受到”。然后，他细腻地描绘出令人不安的瞬间，这些瞬间似乎出乎意料地真实，例如一个回眸或一个嬉戏的手势。为了突破这些场景化、风格化构图的表面，苏尔-格雷通过摩擦、刮擦甚至使用漂白剂等腐蚀性化学物质来擦除外墙。他在这些人物身上涂抹或拼贴颜料，试图重塑他们未经研究、刺痛人心的人性。当褪色的图像变得更加透明时，画布、亚麻布或纸张令人心安的质感就会闪现出来。透过蓝色和金色的发光面纱，苏尔-格雷的孩子们被困在过去的幻象中，突然浮出水面，迸发出逼真的现实主义气息。在 miart 画廊，苏尔-格雷创作并在 贝阿米 展台上展出了一个新系列，由七幅小型妇女和儿童肖像画组成，寓意圣母与孩童之间的微妙联系。这些画作还挂在漆成钴蓝色的墙壁上，象征着文艺复兴时期绘画的纯洁性。在亚历克西斯-苏尔-格雷（Alexis Soul-Gray）的作品中，同样的蓝色成为处理悲伤和到达新地方的颜色。
Eidos 展台是最奇特的展台之一：事实上，画廊在两位艺术家马里奥-希法诺（Mario Schifano）和白南准（Nam June Paik）之间展开了对话。他们的远见卓识让他们预见到了我们所处的时代。20 世纪 60 年代和 70 年代，希法诺住在一间工作室里，工作室里的几十台电视机一直开着，源源不断地向他的视觉空间注入图像流。通过 “Televisors ”系列，希法诺成为最早尝试使用媒体创造新艺术语言的艺术家之一，他注重图像的速度和捕捉片段以构建新叙事的能力。白南准（Nam June Paik）也活跃于同一时期，主要致力于电视和信息流概念的艺术研究。他将艺术视为全球交流，试图在传统规范之外提出新的艺术模式。在他的表演中，电视成为一种形而上学的对象，既是容器又是内容，变成了一种机器人雕塑，能立即与观众互动。
Carlo Virgilio的提案将整个展台的主题定为 “亲情”，并举办了一场名为 “亲情 ”的展览。亲情。六个家庭的故事"。艺术家的家庭：意在讲述感情、情感、对比、欢乐和疲惫。这些艺术家夫妇是：Adolfo Wildt 和 Francesco Wildt（父子）、Giorgio De Chirico和 Alberto Savinio（兄弟）、Nino Bertoletti 和 Pasquarosa（夫妻）、Paola Consolo 和 Gigiotti Zanoni（夫妻）、Pasquale Di Fabio 和 Alberto Di Fabio（父子）、Isabella Ducrot 和 Giuseppe Ducrot（母子）。这些艺术家的作品跨越了从 20 世纪初到当代的各个时代，他们的作品经常被重新发现，但仍有待研究（从 Francesco Wildt 开始），他们是本期 Miart 最有趣的提案之一。
Anna Boghiguian 的专题展览是Franco Noero 画廊的提案，通过生动的绘画和雕塑作品，探索这位出生于开罗的艺术家的多种艺术世界。天花板上悬挂着鸟类雕塑。都灵画廊是门户展区的一部分，其展台有趣而亲切，可以深入了解这位亚美尼亚出生的艺术家的最新作品。Anna Boghiguian 创造了一种普遍的对话，以有效的直接方式探讨了移民、身份和记忆等主题，反映了漂泊的生活。
考夫曼-雷佩托的展台无疑是最引人注目的展台之一，因为这里有阿根廷艺术家 Vivian Suter 的巨幅油画，浓烈的色彩让人联想到这位艺术家长期生活的热带雨林，还有 Lily Van der Stokker 的大型花卉，这些作品充满了女性的柔美和无忧无虑，同时又相当暧昧。此外还有 Adrian Paci、Elene Chantladze、Anthea Hamilton、Latifa Echakhch 等艺术家的作品。
位于皮特拉桑塔的马科罗西 马科罗西画廊为吉奥塞塔-菲奥罗尼（Giosetta Fioroni）举办了一场单独的展览：不容错过的是陶瓷剧场，这是一位典型的艺术家的作品，其作品以童话、神奇和梦幻的氛围为特点，能够向观众传达一种惊奇和陶醉的感觉。吉奥塞塔-菲奥罗尼是一位多面手，她的突出特点是不断进行表现性研究，并广泛采用各种艺术媒介。自 20 世纪 60 年代首次使用银器创作作品以来，她逐步探索新的艺术途径，从使用工业搪瓷和颜料在画布上作画和绘画，到使用铝作为作品的支撑物。陶瓷是其最新研究的一部分：自 1993 年以来，他一直在这条道路上前行，其制作始于法恩扎著名的 Bottega Gatti。
巴黎-B 展台由三位风格迥异的艺术家组成。劳拉-加西亚-卡拉斯（Laura Garcia Karras），1988 年出生于法国，她用修剪整齐的植物和几块旧的植物图版作伴，她的画作揭示了思想的内核，画风既柔和又有姿态。雅克-朱利安（Jacques Julien），1967 年出生于法国朗斯勒索尼尔（Lons le Saunier），他的作品以幽默的方式将分析和诗意结合在一起。对他来说，雕塑是通向隐形的替身、失踪的身体或空洞形象的起点。自 20 世纪 90 年代以来，他对形式进行了反思：形式的阐述、实现和放弃。因此，她的作品围绕着在工作室中的雕塑实践展开，时间在工作室中流逝，迷失在那里的生活方式中，作品是一系列经验性的实验，试图找到一种自主的形式，与孕育它的地域相协调，与空间的关系始终是她质疑的中心。最后是 1989 年出生于巴黎的 Léa Belooussovitch：艺术家通常从媒体上发现的暴力图像和时事事件开始，将其制作成替身、替代品，对最初的图像进行一系列改造，最终将其解构。因此，从最初清晰而机械的图像开始，作品变得蓬松、天鹅绒般柔软，近乎尘土飞扬，形成色彩的云朵，相互融合，以至于在不知道其来源的情况下，人们可能会认为自己在处理一个纯粹的抽象图像。
无标题将举办德国艺术家罗伯特-布兰博拉（Robert Brambora）的个展，他出生于 1984 年。展览结合了艺术家在过去一年中创作的两个互为补充的系列作品。当代城市景观与带有宁静和沉思气息的陶瓷雕塑相重叠。这一系列作品与背景壁纸相得益彰，引发了人们对展览之外世界的对比的对话。受伊塔洛-卡尔维诺（Italo Calvino）小说《看不见的城市》（Invisible Cities）的启发，布兰博拉（Brambora）在木板上创作了一系列描绘城市风景的绘画作品，这些作品采用了新印象派风格，将传统与现代技术相结合。烟雾笼罩下的城市场景让人联想到气候变化的影响，大火、暴雨和末日景象营造出科幻氛围。布拉姆博拉的画作唤起了一种高度超现实的环境，同时也唤起了一种孤独、荒凉和无聊的感觉：这些都是那些居住在当代资本主义城市广阔而不近人情的城市景观中的人们所熟悉的。在其中一些绘画景观的上方，出现了人工智能生成的数字文本和未来主义广告的片段。这些文字通过 UV 印刷技术叠加在画作上，创造出一种特殊的视觉效果，将工业与手工、知识与亲情融为一体。同样由布兰博拉设计的壁纸描绘了交织的舌头，象征着城市环境的邪恶与喧嚣。与画作中乌托邦式的狂热形象形成鲜明对比的是布兰博拉的其他作品：金色的陶瓷大耳朵。这些雕塑唤起了人们对宁静、静谧和冥想的深切感受。在艺术博览会的繁忙氛围中，它们邀请观众思考感觉和接受的本质。
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