谁说购买艺术品必须花费巨资？即使是在最炫目的博览会上，也能找到有趣的年轻人的作品，而且价格并不昂贵。他们可能不会成为革新艺术史的艺术家，但他们的名字已经在国际舞台上亮相，拥有良好的课程设置，并创作出引人注目的作品。我们选择了其中的十位艺术家，他们都将在博览会上展出自己的作品，中小型作品的价格从 2,000 欧元到 8,000 欧元不等（但以下一些艺术家的作品价格也更低）。以下是其中几位。
德国艺术家大卫-摩西（David Moses）一直在研究如何在他的画作中记录运动和时间，经常使用电影素材作为亲历点。自 2017 年起，他的创作开始使用华特-迪士尼的《快乐交响曲》系列（1929-1939 年）中的静态图像，这些图像构成了他绘画的基础。摩西认为，这些电影最能解释从大众传媒发展到现在的观念变化：它们通常以古典神话为基础，说明古代的伦理问题。摩西关注的重点是人物、动作和模仿，而不是内容，他的绘画走向一种抽象形式，利用素描、碎片和叠加。摩西的重点在于运动：粉彩绘画层层叠加，丙烯颜料层层叠加，促进了图像的剖析过程，反过来又构成了层层叠加，为新的层层叠加奠定了基础。摩西的想法是，通过这种媒介，我们可以在抽象的 “幕布 ”后面传达速度、视觉力量和迪斯尼电影的奢华。
伊莎贝尔-西蒙斯（Isabel Simões）的作品使用不同的媒介，从绘画到雕塑，再到素描，从日常空间和物品出发，成为审视感知主题以及与可见事物之间关系的借口，并将其作为行动的直观领域。在 Artissima，这位葡萄牙艺术家展示了Vistas para o avesso do mar 系列中的一些作品，这些作品分析了图像所提供的不同解释可能性。伊莎贝尔-西蒙斯（Isabel Simões）通过绘画，同时也通过素描，试图扩大对物体的可能解读和意义。在这种情况下，出发点是大海，它被视为一个可识别的重要元素，能够根据观察者与大海建立的关系提供不同层次的解释。该系列的画作安装在不同的高度，反映了观察者与海面之间的联系，提出了一种 “沉浸 ”在水中的概念。光线和色彩改变了水的形状、密度和透明度，赋予了海以表现力，使其具有可识别性，但同时又使其脱离了直接的分类形式。
西班牙艺术家维姬-乌斯莱（Vicky Uslé）的最新作品反映了她选择在坎塔布里亚地区生活的孤独感，坎塔布里亚是她的出生地：对花园和自然现象的沉思和欣赏激发了她的创作灵感。在乌斯莱的作品中，对自然和花园的表现不仅仅是图解，而是对感知瞬间、所见之物、所产生的身体体验以及主题所固有的现有社会和集体内涵的转述。乌斯莱想让我们扪心自问，我们看到的是花园的哪一部分，专注于观察自然带给我们的感受。因此，他最近的作品混合使用了线条和发光形式，并通过深色背景加以强化，意在唤起视网膜感知的图像，从而成为 “冥想自然的抽象场景”（Lydia Korndörfer）。
Giulia Dall’Olio 将在 Studio G7 的素描展区展出多幅素描作品，这些作品以自然及其与人类的关系为主题：虽然这些作品看起来非常精确，但它们并不是从照片开始，而是从艺术家重新创作的个人记忆开始。“伊琳娜-祖卡-亚历山德雷利（Irina Zucca Alessandrelli）在展览附文中写道：”观看他的绘画作品的人，会迷失在光与影之间。事实上，Dall’Olio 的作品以深色木炭为基底，用各种类型的橡皮进行擦除，或多或少都有些软，艺术家根据自己想要表现的自然类型进行雕刻。他的作品力求理想地呈现人类在不断干预环境的过程中实际抹去的自然片段“。对 Giulia Dall’Olio 而言，纸张是一种有生命的材料，她 ”从中抽取部分，干净利落地撕下，几乎就像凿开一样。被减掉的部分变成了新的作品，再也无法重新组合，因为它永远被排除在独特性之外。这些被拯救的木炭自然碎片与代表人为干预的彩色粉笔和丙烯相抗争，几乎是在寻找一种希望而又无法实现的平衡"。
南非人米娅-卓别林（Mia Chaplin）是一位画家和雕塑家：whatiftheworld 画廊专门为她设立了一个专场，展出绘画和陶瓷作品。后者以古典花瓶和瓮为原型：艺术家手工制作框架，用织物、纸张和石膏覆盖，然后涂上一层油彩。作品主题涉及女性世界及其感性，“全部包裹在强烈的女权主义精神之中”，介绍文字如是写道。雕塑让人联想到怀孕的妇女，油漆层的色调和密度旨在唤起皮肤的质感和色调。在 Artissima 展出的绘画作品中，我们可以看到交织在一起的身体，让人联想到 19 世纪的奥德丽丝（odalisques）和文艺复兴时期的维纳斯（Venuses）：米娅-卓别林（Mia Chaplin）的目的是 “利用这些古典时代的不同风格来描绘非传统的女性主题，将她们叠加在郁郁葱葱的环境和风景中”。对卓别林来说，绘画也是一个 “发酵过程”：尽管她的画作表面上看起来熟悉而宁静，但艺术家的目的是激起观察者的冲突情感，在观察过程中产生一种转变状态。
作为一名新兴艺术家，那不勒斯艺术家 Teresa Gargiulo 在由 Artissima 和捷豹路虎举办的 JaguArt 2020 奖项中崭露头角，入围决赛，并在 Tiziana Di Caro 画廊举办了获奖展览。Gargiulo 说：“我的研究”，“将语言和文字的唤醒力作为调查我周围现实的出发点。通过我的日常和个人视角来研究现实，然后将这些元素升华为普遍性，作为叙述身份及其在空间和时间上的变化的借口。观察、分析、解构、得出事物的最小结构，这些都是我的创作元素，主要通过写作、绘画、摄影记录和雕塑来实现，有时对给定材料进行最少的干预，有时进行不寻常的组合，从而产生新的形式”。
活跃于雅典和阿姆斯特丹之间的 Vasilis Papageorgiou，由位于皮亚琴察的 Una Galleria 带到 Artissima，展示了他在都灵的最新作品：陶瓷和钢铁作品，灵感来自日落，这是一天中没有工作任务、等待傍晚的时刻。Papageorgiou 的视线从室内延伸到窗外，专注于这些没有思考或行动义务的自由时刻和注意力分散的时刻。Papageorgiou 用粘土这种天然的泥土材料再现了夕阳的色调，让人联想到一个土壤龟裂的星球，或一个懒洋洋的夜晚。这些作品的标题（如20:11或19:53）表明了作品完成时的日落时间。更广泛地说，帕帕吉奥吉乌的创作实践是在日常生活中寻找断裂和停顿的瞬间，在这些瞬间中可以出现新的情景和可能性：对于这位希腊艺术家来说，这是一种对现状的反抗，是对传统的时间扩展的反抗，传统的时间扩展严格划分为工作时间和自由时间，生产性活动和非生产性停顿。Papageorgiou 想要表达的是时间、材料和艺术的价值。
格鲁吉亚艺术家凯托-洛瓜（Keto Logua）在她的祖国和工作地德国之间接受培训：她的作品以对自然现象的科学调查为起点，这成为她雕塑和电影的基础。萨伊姆-德米尔坎（Saim Demircan）和莫林-迪特里希（Maurin Dietrich）在评论文章中写道：“Logua 利用科学发现”，“通过将技术和艺术程序应用于过去的形式来创造物品：例如，3D 打印一朵原始花朵，或用金属铸造剑龙的脊柱”。正如这位艺术家自己所定义的那样，这种 “材料翻译 ”成为 “她研究工作的象征，她经常请科学家、学者和植物学家以及建筑师和插图画家参与其中，他们帮助她找到将作品视觉化的语言”。凯托-洛瓜自己也承认，她的探索带有孩子气的痕迹，那些不断质疑事物规模的孩子的痕迹，从宇宙的浩瀚到我们所在世界的美丽。
罗马尼亚 Suprainfinit 画廊将展出德国人克里斯汀-文泽尔的多件陶瓷作品。克里斯汀-文泽尔近期的研究以公共空间为主题，想象公共空间的结构和替代处理方式（她通常称之为建议或模型）。通过装置、雕塑和干预措施，Wenzel 将公共建筑视为 “记忆泡沫”（铭刻在其特定的历史中），并将其视为允许偏离其原始设计的开放式结构。在布加勒斯特歌德学院举办的 "夜色中的恋人“展览上展出的 Artissima 陶艺作品，将大自然视为怀旧和向往之地：正如评论家弗兰克-莫茨（Frank Motz）所写的那样，她的花朵传达了一种 ”花之女性 "的理想，这种理想具有伪装性、欺骗性和转换性，正如这些作品的灵感来自兰花一样。这是一个唤起欢乐和期待的图像世界，但也可能是失望的根源。
绘画、拼贴画以及建筑模型是阿根廷人维多利亚-科尔梅格娜在创作中使用的手段。萨伊姆-德米尔坎（Saim Demircan）和莫林-迪特里希（Maurin Dietrich）回忆说，她的作品 “探索了界定群体和亚文化的风格和社区动态。例如，她最新的绘画和雕塑作品是根据艾玛-克莱恩（Emma Cline）的著作《女孩们》（The Girls）创作的，书中的主人公是一名加利福尼亚少年，在 20 世纪 60 年代加入了一个曼森家族式的邪教组织。艺术家通过虚构人物的眼睛重新想象了那个时代的面貌和感觉。在他的创作实践中，艺术被粉丝们用来复制或制作，通常被视为一种可塑的形式，能够适应艺术家的情绪”。
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