第八届奥运会于 1924 年在巴黎举行。田径项目现在被称为奥运会的 “皇后 ”项目，于 7 月 6 日至 13 日在法国首都离 Argenteuil 不远的郊区科隆布的奥林匹克体育场举行。比赛只允许男运动员参加，主要由美国人和芬兰人主导，但也有出色的例外，如英国人哈罗德-亚伯拉罕（Harold Abrahams）出人意料地赢得了 100 米比赛，苏格兰人埃里克-利德尔（Eric Liddell）作为一名狂热的基督徒也赢得了比赛、他作为一名虔诚的基督徒，因为比赛在周日举行而放弃了 100 米比赛，但却赢得了 400 米比赛（这两个英国人的故事为电影《光荣时刻》提供了灵感）；意大利人乌戈-弗里吉里奥是 1920 年奥运会上唯一一个确认了自己冠军头衔的选手（他的情况是在 10.000米），或创造三级跳远世界纪录的澳大利亚人尼克-温特（Nick Winter）。在观众席上观看比赛的是一位非常特别的观众，他深受田径运动的影响：他就是艺术家罗伯特-德劳内（Robert Delaunay，1885 年出生于巴黎，1941 年出生于蒙彼利埃）。
数年来，德劳内一直在对立体主义进行暗示性的重新诠释：这位法国艺术家从碎片化、几何分解以及从各个角度和视点对观察对象进行分析入手，就像毕加索、布拉克及其同事所做的那样，但他更喜欢关注色彩，而色彩对于立体主义诗学来说并不是决定性的（事实上，多年来色彩在立体主义画家眼中已经失去了重要性，他们在多幅作品中仅限于使用灰色和棕色）。另一方面，德劳内热衷于在野兽派作品中看到的对色彩的表现性运用，并对修拉和西涅克的作品大加赞赏，因为他们的艺术是建立在对色彩的科学研究基础之上的：因此，德劳内的绘画也在对光和色彩之间关系的研究中找到了存在的理由。对德劳内来说，色调就像音乐的和谐：因此，他试图将音乐的特质带入绘画中。伟大的诗人纪尧姆-阿波利奈尔（Guillaume Apollinaire）注意到了这一点，他在观察一位与德劳内有着相同信念的艺术家--捷克人弗兰蒂谢克-库普卡（František Kupka）的作品时，创造了"奥菲斯主义 "一词：正如神话中的歌手奥菲斯用甜美的歌声引诱野兽一样，奥菲斯绘画也试图用其抒情性和温和性来缓和立体主义的严谨性（以至于它甚至被称为"奥菲斯立体主义"）。德劳内在 1910 年代开始了他的研究工作：为了躲避第一次世界大战的影响，他在西班牙短暂停留后，于 1921 年返回巴黎。
奥林匹克运动会的田径比赛为德劳内提供了创作灵感，他在 1924 年至 1926 年间创作了一系列绘画作品，这些作品代表了他艺术上的绝对新颖性：《奔跑者》（Les coureurs）系列。八幅作品（其中一幅将于 1930 年完成）描绘了参加比赛的运动员。这不仅对德劳内的艺术来说是新颖的，对整个艺术来说也是新颖的。事实上，这位法国艺术家有一个目标：寻找一个能够融入当代世界的主题。事实上，毕加索和布拉克等立体派画家几乎总是专注于古典主题：静物、风景、音乐家、肖像。对于德劳内来说，新的艺术语言也必须有一个新的主题：因此，还有什么比体育运动更能隐喻现代性呢？体育运动在 20 世纪初就开始有组织、有计划地开展，吸引了成千上万的人来到体育场，令世界各地的人们兴奋不已，任何人都能轻松理解。
其中一幅创作于 1924 年的画作如今收藏在特鲁瓦 现代艺术博物馆。这是一幅令人惊叹的写实油画：在这幅作品之后，其他作品都试图将奔跑者的形象还原为更本质的形式。艺术家使用明亮的色彩（德劳内典型的调色板），在体育场橙色的跑道上构建出五名运动员争夺胜利的形状。这种典型的立体主义几何分解仍然是德洛内艺术的基础之一，但其五彩斑斓的色彩（选手的运动服均用三原色的不同色调绘制）、跑道的弧线以及看台的水平块形成鲜明对比，为这幅画增添了强烈的动感。此外，运动感在德洛内的艺术作品中始终如一。德劳内为他的选手们采用的另一种手法也是如此：如果我们观察他们的身影，就会发现他们的脚完全不见了。这有点像德拉诺内为跑步者拍摄的一张快照：由于脚是运动员活动最多的身体元素，结果是我们无法看清他们的脚，就像我们无法分辨出他们的脸部特征一样，这正是因为捕捉到了运动员的瞬间和运动状态，除了最独特的元素--他们衬衫的颜色--之外，我们无法分辨出他们的个人特征（这也是因为德劳内和当时其他许多以体育为主题的艺术家一样，对赞美冠军个人或运动员个人并不感兴趣）。这幅作品的构图极富节奏感，横向和纵向的线条暗示了运动的速度（注意看看台是如何通过纵向线条被细致地划分为三个区域的，随后在作品的下半部分，纵向线条也将跑步者划分为三个不同的群体），有力地传达了德劳内艺术的创新精神。
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| 罗伯特-德劳内，《奔跑者》（1924 年；布面油画，114 x 146 厘米；特鲁瓦，特鲁瓦现代艺术博物馆） |
正如预期的那样，后期作品将经历更大程度的抽象化：目前收藏于第戎美术博物馆的一幅 1924 年的水彩画预示了这些实现。用实心圆表示运动员的头部，用长方形表示运动员的条纹球衣，这足以表达运动员在跑道上奔跑的意象：同样，在背景中，黑色长方形表示运动员身后是看台的看台。这就是 2015 年在邦瀚斯拍卖行拍卖的一幅布面作品的情况：与特鲁瓦的《奔跑者》相比，德劳内的抽象程度更高，这体现在，为了塑造运动员的形象，德劳内使用了与第戎水彩画相同的纯粹形式（不过，与素描相比，这幅作品的精细程度显然更高，运动员也更容易分辨）。与特鲁瓦的画作相比，第戎水彩画中已经暗示的一个新颖之处（在这里却成为了绝对的主角）是跑者上方天空中太阳圆盘的出现。这是一个重要的存在，因为它让人想起十年前的一幅作品，即《第一个圆盘》（Le PremierDisque）。这幅画对于理解德劳内的艺术至关重要：艺术家将不同的颜色并置在以同心圆排列的象限中，准确地说，形成了一个圆盘，从而营造出光线和运动的效果，因为人们对一种颜色的感知会随着周围颜色的变化而变化。作家布莱斯-桑德拉（Blaise Cendrars）在谈到这个问题时说：“颜色本身并不是一种颜色。只有当它与其他颜色形成对比时，它才是一种颜色。只有当蓝色与红色、绿色、橙色、灰色以及所有其他颜色形成对比时，蓝色才成为蓝色”。德劳内自己也说过，在 “质的关系 ”的基础上，颜色 “被观察者的眼睛以这样一种方式重新创造出来，即它们彼此增强或削弱”。我们可以看到德劳内如何尝试各种并置：互补色（红-绿和蓝-橙部分）、三原色（如中心的蓝色和红色）、同一颜色的各种色调、通过渐变融合的颜色（如右上象限的黄色变成橙色，也给圆盘带来了运动感，打破了严格的水平关系）。如上所述，其目的是测试眼睛如何感知各种颜色的接近，感觉如何，这些颜色是相互增强还是相互抵消，观察者是否会因两种颜色的接近而烦恼，或者相反，这种关系是否会让眼睛感到愉悦。
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| 罗伯特-德劳内，《走廊》（1924 年；纸面水彩画，25 x 33 厘米；第戎，第戎美术博物馆） |
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| 罗伯特-德劳内，《跑步者》（1924 年；布面油画，45.8 x 55 厘米；私人收藏） |
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| 罗伯特-德劳内，《Le Premier Disque》（1912 年；布面油画，直径 134 厘米；私人收藏） |
互补色和原色的并置显然也出现在《奔跑者》中：我们可以在斯图加特国家美术馆的画作中清楚地看到这一点（不过，这幅画作引入了一个变化：运动员是从后面向右跑的），在这幅画作中，中间跑者的黄色运动衫与旁边跑者的蓝色运动衫形成对比，跑道的红色与田径场草坪的绿色形成并置。
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| 罗伯特-德劳内，《奔跑者》（1924-1926 年；布面油画，24 x 33 厘米；斯图加特，国家美术馆） |
最后，《奔跑者》系列还有一个有趣的方面：除了包含罗伯特-德劳内艺术的许多基本特征外，《奔跑者》一方面见证了体育运动在 20 世纪 20 年代广受欢迎，以至于令艺术家和作家着迷的事实，另一方面也体现了体育运动的普遍性，即体育实践的本质。如上所述，德劳内（以及他同时代的许多人）对赞美运动员个人并不感兴趣（然而，他有故事可讲！）。他笔下的运动员没有可识别的特征，也没有个人内涵：他们只是为了最终目标而奔跑、拼搏、流汗、竭尽全力的运动员。更多的权宜之计是向我们传达这项运动令人回味的魅力。
参考书目
本文作者 : Federico Giannini e Ilaria Baratta
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