200 Jahre Fotografie in 100 Bildern im MUDEC in Mailand

Vom 7. März bis zum 28. Juni 2026 zeigt das MUDEC - Museo delle Culture in Mailand die Ausstellung 100 fotografie per ereditare il mondo (100 Fotografien, um die Welt zu erben), ein Ausstellungsprojekt, das zwei Jahrhunderte Fotografiegeschichte anhand von einhundert ausgewählten Bildern umspannt, die die sozialen, kulturellen und politischen Veränderungen der letzten Zweihundertjahrfeier erzählen. Die Ausstellung wird von Denis Curti in Zusammenarbeit mit Alessio Fusi und Alessandro Curti kuratiert und von 24 ORE Cultura mit der Unterstützung der Zurich Insurance Group als Hauptsponsor und mit der Unterstützung von Turisanda1924, der Reisemarke der Alpitour World Gruppe, produziert.

Das Projekt geht von einer Reflexion über die Rolle der Fotografie als Sprache aus, die in der Lage ist, die Erinnerung zu bewahren und die Veränderungen der Welt zu dokumentieren. Im Laufe von zwei Jahrhunderten hat das fotografische Bild Ereignisse, soziale Veränderungen, Krisen und kulturelle Veränderungen festgehalten und ist zu einem der wichtigsten Instrumente für die Interpretation der Gegenwart geworden. Durch einen Rundgang, der historische Fotografien und zeitgenössische Werke miteinander verbindet, schlägt die Ausstellung eine Interpretation der Fotografie als visuelles Archiv der Menschheit und als Instrument zur Wiederherstellung der Komplexität der Gegenwart vor. Die Idee des “Erbens der Welt” wird so zum Ausgangspunkt für eine Reflexion über die Gegenwart: ein Kontext, der von beschleunigten technologischen Transformationen, Umweltkrisen, hybriden Konflikten und einer zunehmenden Übersättigung mit Bildern geprägt ist. In einem Panorama, das durch eine kontinuierliche visuelle Produktion gekennzeichnet ist, wird die Fotografie als ein Werkzeug interpretiert, um sich in der Realität zu orientieren und zur Konstruktion eines kollektiven Gedächtnisses beizutragen.

Die Ausstellung beginnt mit einem einleitenden Abschnitt mit dem Titel Gesellschaft ohne Bilder - Gesellschaft mit Bildern, der der Anfangsphase der Verbreitung fotografischer Bilder gewidmet ist. Anhand von Objekten und Techniken wie Scherenschnitt, Daguerreotypie, Ambrotypie, Ferrotypie und Carte de Visite kann das Publikum den Übergang von einer Gesellschaft, in der Bilder selten und kostbar waren, zu einem Kontext beobachten, in dem die Fotografie ein fester Bestandteil des täglichen Lebens wurde. Das fotografische Porträt dringt nach und nach in den familiären und sozialen Bereich ein und trägt zur Bildung einer gemeinsamen Erinnerung bei.

Ausgehend von dieser historischen Schwelle rekonstruiert die Ausstellung die wichtigsten Etappen der globalen Fotografie mit dem Abschnitt Geburt der Fotografie, der den ersten technischen und visuellen Experimenten des Mediums gewidmet ist. Zu den Protagonisten gehören die bahnbrechenden Experimente von Nicéphore Niépce und Daguerre, die ausdrucksstarken Porträts von Julia Margaret Cameron, die allegorischen und politischen Bilder von Hippolyte Bayard und die Kriegsfotografien von Roger Fenton, der als einer der ersten den Krimkonflikt im Jahr 1855 visuell dokumentierte. In der gleichen Abteilung ist auch die Femme à la balle (1887) von Eadweard Muybridge zu sehen, ein in England entstandenes Werk, das die Fotografie als Instrument zur Analyse von Bewegungen einführt und eine neue Auffassung von Zeit und Darstellung des Körpers vorwegnimmt.

Der zweite Abschnitt mit dem Titel Fotografie: Zwischen Realität und Fiktion markiert den Übergang zur Modernität der fotografischen Sprache. In dieser Phase geht die Fotografie über die Funktion der einfachen Aufzeichnung der Realität hinaus und entwickelt eine experimentelle Dimension, die Bildkonstruktion, formale Forschung und neue kompositorische Ansätze umfasst. Die surrealistischen Experimente von Man Ray stehen neben den avantgardistischen Aufnahmen von Aleksandr Rodčenko und den ironischen Kompositionen von André Kertész, dem Autor des berühmten Satirischen Tänzers von 1926. Diese Abteilung umfasst auch Fotografien wie Behind the Gare Saint-Lazare (1932) von Henri Cartier-Bresson, ein Bild, das eine Konzeption der Fotografie einführt, die auf der Aufmerksamkeit für die Komposition und der Idee des sogenannten entscheidenden Augenblicks beruht. Daneben ist DaliAtomicus (1948) von Philippe Halsman zu sehen, ein Foto, das die physikalischen Regeln unterläuft und die Aufnahme in eine echte visuelle Performance verwandelt. Die Sektion wird durch die Kompositionen von Mario Giacomelli und die konzeptionellen Experimente von Joan Fontcuberta vervollständigt, Beispiele für die Fähigkeit der Fotografie, sich zwischen Dokument und imaginärer Konstruktion zu bewegen.

Die Ausstellung wird mit vier thematischen Abschnitten fortgesetzt, die die Fotografie als eines der wichtigsten Instrumente interpretieren, durch die das Bild an der Erzählung menschlicher Erfahrungen teilnimmt. Die dritte Sektion, Fotografie als Dokument, ist inspiriert von der Unterscheidung, die der Kurator John Szarkowskie in den 1960er Jahren im Museum of Modern Art in New York formulierte, und versammelt Bilder, die historische Ereignisse und soziale Veränderungen dokumentieren. Einige Fotografien, die als emblematisch für das 20. Jahrhundert gelten, erscheinen in diesem Kontext, darunter Dorothea LangesMigrantenmutter (1936), ein symbolisches Bild der Großen Depression in den Vereinigten Staaten. Die Ausstellung umfasst auch Fotos von der Mondlandung 1969, einem der berühmtesten Momente der Zeitgeschichte, sowie Bilder vom Fall der Berliner Mauer 1989, fotografiert von Carol Guzy. Die Sektion befasst sich auch mit den Folgen der Anschläge vom 11. September 2001 anhand der Fotografien von Joel Meyerowitz, dem einzigen Fotografen, der unmittelbar nach den Anschlägen Zugang zu Ground Zero hatte. In diesem Zusammenhang werden auch einige Fotografien von Martín Chambi aus den Sammlungen des MUDEC gezeigt, die von seiner Arbeit zur Dokumentation der andinen Gemeinschaften zwischen 1927 und 1944 zeugen.

Die dokumentarische Dimension wird ergänzt durch die Sektion Fotografie als Tagebuch, die der introspektiven Dimension und der Darstellung der Identität gewidmet ist. Die Fotografie wird in diesem Fall zu einem Instrument der persönlichen Untersuchung und Selbstdarstellung. Zu den anwesenden Autoren gehört Claude Cahun, der bereits 1927 das Selbstporträt nutzte, um Geschlechterkonventionen zu hinterfragen. Daneben stehen die Bilder von Pierre Molinier, einem Autor, der in den 1960er Jahren das Begehren und die Metamorphose des Körpers erforschte, und die Fotografien von Robert Mapplethorpe, der in der Ausstellung mit Bob Love (1979) vertreten ist, einem Werk, das den menschlichen Körper in eine skulpturale und symbolische Form verwandelt.

Die fünfte Sektion, Fotografie als Evokation, konzentriert sich auf die metaphorischen und symbolischen Möglichkeiten der fotografischen Sprache. In diesem Teil der Ausstellung erscheint die Fotografie als ein Raum, in dem Realität und Fiktion durch konstruierte Sets, Inszenierungen und visuelle Überlagerungen miteinander verwoben sind. Zu den anwesenden Autoren gehören Newsha Tavakolian mit ihrem Werk Listen (2010), Sandy Skoglund mit ihren surrealen Environments, Nancy Burson mit ihren Experimenten zu Identität wieIdentität wie Androgyny (1982), David LaChapelle mit seinen visuellen Bühnenbildern und Mat Collishaw mit Last Meal on Death Row (2012), einem Werk, das Ästhetik und ethische Reflexion verbindet.

Die Ausstellung schließt mit der Sektion Fotografie als Kompass für morgen, die der fotografischen Produktion des 21. Jahrhunderts und den Themen, die die Gegenwart prägen, gewidmet ist. Jahrhunderts und den Themen, die die Gegenwart prägen, gewidmet ist. In diesem Teil der Ausstellung tauchen Fragen wie Multikulturalismus, Geschlechteridentität, Migration, zivile Konflikte und die Umweltkrise auf. Zu den Autoren gehören Ebrahim Noroozi mit Lake Undecided (2016), Carlos Ayesta und Guillaume Bression mit dem ProjektFukushima No-Go Zone (2011-2016), das den kontaminierten Gebieten nach der Atomkatastrophe gewidmet ist, und Gohar Dashti mit Home #8 (2017), das das Zuhause als Raum des Widerstands in vom Krieg betroffenen Gebieten darstellt. Hinzu kommen Alba Zari mit dem Projekt About the Y (2021), das eine Reflexion über Identität im postdigitalen Kontext darstellt, und Carlos Idun-Tawiah mit Hold Me Close (2024), einem Werk, das die Verbindungen zwischen Gemeinschaft, Zuneigung und individueller Geschichte untersucht.

Mit dieser Ausstellung bekräftigt das MUDEC seine Berufung als eine Institution, die sich dem Verständnis der Kulturen durch Bilder widmet. Die hundert ausgewählten Fotografien bilden ein visuelles Archiv, das sich über verschiedene Epochen und Sprachen erstreckt und ein Instrument zur Interpretation von Geschichte und Gegenwart durch das Medium der Fotografie bietet. Das Ausstellungsprojekt umfasst auch eine parallele Initiative, die am Mailänder Hauptsitz von Zurich in der Via Santa Margherita 11 veranstaltet wird. Vom 7. März bis zum 28. Juni wird dort eine Nebenausstellung mit einer Auswahl von sieben Fotografien der Hauptroute gezeigt. Der Eintritt zur Ausstellung ist kostenlos und die Initiative ist als Erweiterung des Ausstellungsprojekts für die Stadtgemeinschaft gedacht.

Auf dem Programm steht auch eine öffentliche Veranstaltung, die am Samstag, den 14. März um 17 Uhr im Auditorium des MUDEC stattfindet. Bei dieser Gelegenheit wird der Kurator Denis Curti mit dem Sammler Ettore Molinario, dem Gründer des Casa Museo Molinario Colombari, sprechen. Anlässlich des zweihundertsten Jahrestages der ersten Fotografie von Nicéphore Niépce wird das Treffen einige Meilensteine in der Geschichte der Fotografie nachzeichnen und über die Rolle der Bilder bei der Konstruktion der Erzählung der Gesellschaft nachdenken. Die Teilnahme ist kostenlos, wenn man sich über die Website des Museums anmeldet. Zur Ausstellung ist auch der Band 100 photos that shocked the world erhältlich, der von 24 ORE Culturae herausgegeben und von Denis Curti redigiert wurde. Das Buch ist im MUDEC Design Store, im Buchhandel und online erhältlich.

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