Vom 16. Juli bis zum 16. Oktober beherbergt das Forte Belvedere in Florenz die Ausstellung „No Heroes“, die Marino Marini gewidmet ist und das zweite Kapitel von „Drama: Four Acts“ bildet, einem von Sergio Risaliti konzipierten und kuratierten Ausstellungsprojekt. Die von der Stadt Florenz geförderte und von der Fondazione Mus.e unter der wissenschaftlichen Koordination des Museo Novecento realisierte Initiative setzt den am 24. Juni mit der Einzelausstellung „God Year“ von Paolo Canevari eingeleiteten Weg fort und bietet eine Gegenüberstellung von Werken des historischen Novecento und zeitgenössischer Kunst.
„Drama: Four Acts“ ist als Erzählung konzipiert, die sich über vier Akte erstreckt, die über die Sommersaison verteilt sind, und stellt Verbindungen zwischen verschiedenen Künstlern, Ausdrucksformen und Epochen her, wobei die Räumlichkeiten des Forte Belvedere als Ort der Begegnung zwischen zeitgenössischer Kunst, historischem Erbe und Landschaft dienen. Mit „No Heroes“ tritt eine Auswahl von fünf Bronzeskulpturen von Marino Marini in einen Dialog mit den Werken von Paolo Canevari und gestaltet so einen Parcours, der sich mit den Themen Erinnerung, Geschichte und der conditio humana auseinandersetzt.
Die Ausstellung erstreckt sich über das erste Stockwerk der Palazzina des Forte Belvedere, wo sich die Gegenüberstellung von Marino Marini und Paolo Canevari auf die Analyse der Wandlungen der humanistischen Zivilisation und der Spannungen konzentriert, die das 20. Jahrhundert und die Gegenwart durchziehen. Auf der einen Seite stehen die Werke von Marini, die durch eine ständige Auseinandersetzung mit der menschlichen Figur und ihren Archetypen gekennzeichnet sind; auf der anderen Seite die zeitgenössische Sprache von Canevari, die auf der Verwendung von Industrie- und Recyclingmaterialien basiert, um historische, soziale und politische Konflikte zu evozieren.
Im Mittelpunkt von Marino Marinis Schaffen steht das Thema des Pferdes und des Reiters, das er im Laufe seines Schaffens als Metapher für die Beziehung zwischen Individuum, Natur und Geschichte behandelt. Während die in den 1930er Jahren entstandenen Werke noch ein monumentales Gleichgewicht und einen gewissen klassischen Einfluss bewahren, verändern die Ereignisse des Zweiten Weltkriegs, der Völkermord und die Aussicht auf eine nukleare Apokalypse die Bildsprache des Bildhauers tiefgreifend. Die Figuren nehmen versteifte und kantige Formen an, während sich das Pferd in der berühmten Serie „Miracoli“ so sehr aufbäumt, dass es den Reiter abwirft. Der Verlust des Gleichgewichts wird so zum Symbol für die Krise des zeitgenössischen Menschen, der unfähig ist, die von der Geschichte erzeugte Gewalt zu kontrollieren.
In der von der Ausstellung vorgeschlagenen Lesart stellt das Motiv von Pferd und Reiter auch eine Kritik an der technologischen und industriellen Gesellschaft dar, die Marini für Entmenschlichungsprozesse, Konflikte und Zerstörungen verantwortlich macht. Dieses tragische Gefühl zieht sich durch seine späteren Werke wie die „Gridi“ und die „Miracoli“, in denen die Figuren zerbrochen, verzerrt, schreiend oder zusammengesunken erscheinen und die Ängste einer von Krieg und nuklearer Bedrohung geprägten Epoche in plastische Formen umsetzen.
„Die Menschen“, schrieb der Künstler im Zusammenhang mit der Kernenergie, „haben etwas entdeckt, das größer ist als sie selbst, etwas, das sie nicht mehr beherrschen können, das für die Menschheit gefährlich wird [...], der Künstler spürt all dies genauso stark und hundertmal stärker als die anderen […] daher wird es tragisch, absolut tragisch. Deshalb sind meine Skulpturen ausgewählte Formen, Architekturen einer gewaltigen Tragödie […]. Die Reiter und das Pferd sind in meinen jüngsten Werken zu seltsamen Fossilien geworden, zu Symbolen einer verschwundenen Welt oder vielmehr einer Welt, von der ich glaube, dass sie dazu bestimmt ist, für immer zu verschwinden.“
Mit diesem Thema steht auch der „Prigioniero“(Gefangener) in Verbindung, der als eines der herausragendsten Beispiele seiner essentiellen Modellierung gilt, in dem die menschliche Figur den Charakter eines wehrlosen Opfers der Geschichte annimmt, das dem Fortschritt und den zerstörerischen Ambitionen der Macht geopfert wird.
Zu den ausgestellten Werken gehört auch eine „Bagnante“, deren hockende Haltung an Michelangelos berühmten „Adolescente“ erinnert. In Marinis Skulptur überwiegen jedoch ein Gefühl introspektiver Melancholie, Niedergeschlagenheit und Entmutigung, die die Entwicklung seines Schaffens nach den Tragödien des 20. Jahrhunderts widerspiegeln.
Vervollständigt wird der Kern der fünf Skulpturen durch die „Tänzerin“, die in einem Saal steht, der durch die von Paolo Canevari geschaffenen Skulpturen aus Reifen geprägt ist. Wie der „Seiltänzer“ gehört auch die Tänzerin zur Welt des Zirkus, einem Universum, das eine starke Anziehungskraft auf den Künstler ausübte. Akrobaten, Gaukler und Tänzerinnen werden in der letzten Schaffensphase von Marino Marini zu alternativen Figuren zum traditionellen Heldenmythos. Nach dem Zerfall des Bildes der triumphierenden Menschheit, geprägt von Kriegen und der Aussicht auf eine neue technologische Katastrophe, erhalten diese Figuren die Bedeutung von Symbolen für Kreativität, Fantasie, Spiel und Ironie und verweisen auf eine ursprüngliche Dimension der menschlichen Erfahrung, die sich nach der Vorstellung des Bildhauers noch immer den Prozessen der Entmenschlichung entgegenstellen kann.
„Ich habe hinter dem Theater gelebt, denn dahinter liegt für die Fantasie eine großartige Welt: Die Form vermischt sich mit den Farben, vermischt sich mit der Figur, die sich verzerrt; das Falsche wird wahr, das Wahre wird falsch; dort öffnet sich die Welt der Fantasie“, sagte Marino über seine Faszination für den Zirkus und seine Figuren. „Es ist eine Welt der Jongleure, in der es weder Mann noch Frau mehr gibt: Farben und Formen, die sich verändern, flach werden, voll werden; die gesamte gelebte und imaginierte Welt verbirgt sich hinter einer Theaterkulisse. Diese Welt hat mich tief beeindruckt und war für eine gewisse Zeit von großer Bedeutung, nämlich die Zeit der Jongleure und Tänzerinnen nach 1950.“
Mit „No Heroes“ setzt sich somit der Parcours von „Drama: Four Acts“ fort, der das Forte Belvedere als Raum der Begegnung zwischen Werken aus verschiedenen Epochen nutzt und einen kontinuierlichen Dialog zwischen historischer Erinnerung und Gegenwart herstellt. Das Projekt wird im September mit der dritten Ausstellung fortgesetzt: „Oscuro Abbagliante“, einer ortsspezifischen Installation des norwegischen Künstlers Per Barclay.
„Mit ‚No Heroes‘ wird das Forte Belvedere wieder zu einem Ort der Forschung, des Dialogs und des Experimentierens, an dem das historische Erbe auf die großen Protagonisten der modernen und zeitgenössischen Kunst trifft“, sagte Giovanni Bettarini, Kulturdezernent. „Die Gegenüberstellung der Werke von Marino Marini und Paolo Canevari bietet dem Publikum einen Parcours von außergewöhnlicher Intensität, der verschiedene Epochen durch universelle Themen wie die Zerbrechlichkeit des Menschen, Konflikt, Erinnerung und Hoffnung miteinander in Beziehung setzt. Das ist der Sinn des Projekts ‚Drama: Four Acts‘: einen der symbolträchtigsten Orte der Stadt durch ein hochkarätiges Kulturangebot aufzuwerten, das Bürger und Besucher dazu einlädt, das Forte als einen Raum zu erleben, der offen ist für Austausch, Reflexion und Entdeckung. Ich danke Sergio Risaliti, dem Museo Novecento, der Kulturabteilung, der Stiftung MUS.E und all jenen, die ein Projekt ermöglicht haben, das das kulturelle Angebot der „Estate Fiorentina“ weiter bereichert.“
„Die Gegenüberstellung mit Paolo Canevari ergibt eine überraschend aktuelle Lesart des Werks von Marino Marini“, erklärt Sergio Risaliti, Direktor des Museo Novecento. „In der Inszenierung überwiegt ein dramaturgischer Ansatz, der den Kontrast hervorhebt und sogar eine Umkehrung der Inhalte bewirkt. Die Motive erfahren eine Bedeutungsverschiebung, wodurch die Badende zu einer trauernden Frau wird, zu einer Frau am Fuße eines Kalvarienbergs, eine vor dem Unbeschreiblichen und dem Schmerz niedergeworfene Gestalt, wodurch der Kontrast zwischen Lebenskraft und Pessimismus, zwischen Ironie und Nihilismus, zwischen schöpferischer Energie und zerstörerischen Kräften, zwischen Macht und Unschuld verstärkt wird. Während Canevari den Betrachter durch industrielle Materialien, die in verstörende Bilder verwandelt wurden, mit den Widersprüchen und der Gewalt der Gegenwart konfrontiert, so erzählt Marini von derselben Zerbrechlichkeit des Menschen durch die zeitlose Kraft der Skulptur und die archetypischen Figuren des Pferdes und des Reiters sowie der Tänzerin oder des Gefangenen. Der Dialog zwischen den beiden Künstlern überwindet so die zeitliche Distanz und verdeutlicht eine Kontinuität der Fragen nach dem Schicksal des Menschen, nach Konflikt und Entmenschlichung, wodurch die Festung San Giorgio zum Ort wird, an dem Vergangenheit und Gegenwart aufeinandertreffen.“
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| Florenz, Marino Marini im Forte Belvedere: Fünf Skulpturen im Dialog mit Paolo Canevari |
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