Franco Vaccari, die große Anthologie der Umgebungen, die in Bozen zu sehen ist

Das Museion in Bozen hat eine umfassende institutionelle Ausstellung über Franco Vaccari (Modena, 1936 - 2025) eröffnet, die den Titel Feedback. The Environments of Franco Vaccari, kuratiert von Frida Carazzato und Luca Panaro, die vom 28. März bis zum 13. September 2026 zu sehen sein wird. Diese Initiative ist von großer Bedeutung, da sie auf den 90. Jahrestag der Geburt des Modeneser Künstlers fällt und die erste organische Präsentation seiner Werke nach seinem Tod im Dezember 2025 darstellt. Das Ausstellungsprojekt konzentriert sich auf eine spezifische und noch nie dagewesene Art und Weise auf Umgebungen, die als fundamentale und grundlegende Elemente seiner gesamten künstlerischen Produktion gelten. Durch eine reiche Auswahl an fotografischen Arbeiten, Filmen, Künstlerbüchern und Archivdokumenten soll die Ausstellung die Komplexität einer Figur wiederherstellen, die die italienische Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg und die internationale konzeptuelle Forschung tiefgreifend beeinflusst hat.

Franco Vaccari, der 1936 in Modena geboren wurde, blieb seiner Heimatstadt trotz einer weltweiten Karriere zeitlebens eng verbunden. Seine wissenschaftliche Ausbildung, die mit einem Abschluss in Physik am Mailänder Polytechnikum gipfelte, bildete die logische Grundlage für einen Kunstansatz, der auf Emotionalität verzichtet und sich auf die der Realität zugrunde liegenden Prozesse und Strukturen konzentriert. Sein Einstieg in die Kunstwelt erfolgte Ende der 1960er Jahre über die visuelle Poesie und die verbo-visuelle Forschung, wobei er mit Persönlichkeiten wie Adriano Spatola zusammenarbeitete und an kollektiven Veranstaltungen wie der Parole sui Muri in Fiumalbo teilnahm. Im Jahr 1969 definierte Vaccari jedoch, was zu seinem theoretischen und praktischen Markenzeichen werden sollte: dieReal Time Exhibition. Dieses Konzept sanktioniert die Überwindung des Kunstwerks als statisches und fertiges Objekt, um es in eine Vorrichtung zu verwandeln, die nur durch die direkte Beteiligung des Besuchers aktiviert wird und Gestalt annimmt, der somit zum aktiven Akteur und Sinnproduzenten wird.

Vaccaris Theorie findet eine grundlegende Systematisierung in zwei in den späten 1970er Jahren veröffentlichten Aufsätzen, Duchamp and the Concealment of Work und Photography and the Technological Unconscious. In diesen Schriften reflektiert der Künstler über die Notwendigkeit, die Handlichkeit des Machers zugunsten der Idee und des Prozesses aufzugeben, eine Position, die ihn in die Nähe von Marcel Duchamp und John Cage rückt. Der Begriff des technologischen Unbewussten beschreibt die Fähigkeit technologischer Werkzeuge wie der Kamera, die Realität unabhängig vom menschlichen Willen und der visuellen Konditionierung aufzuzeichnen und so Aspekte der Existenz zu enthüllen, die sonst unbekannt bleiben würden. Diese Vision verwandelt die Fotografie von einem einfachen Instrument der mimetischen Darstellung in einen physischen Beweis der Präsenz, eine Spur des Seins, die die gesamte Karriere des Künstlers kennzeichnet.

Der von Fosbury Architecture sorgfältig konzipierte Ausstellungsparcours im Museion folgt keiner chronologischen Reihenfolge, sondern entwickelt sich nach thematischen Schwerpunkten durch den dritten und vierten Stock des Gebäudes. Die Gestaltung zielt darauf ab, jeden Raum als erlebbare Situation und nicht als bloße historische Dokumentation erscheinen zu lassen, wobei geborgene Materialien und temporäre Architektur verwendet werden. Bereits am Eingang des Museums trifft der Besucher auf die Echtzeitausstellung Nr. 38, Biomasse, ein Werk aus dem Jahr 2007, das aus einer Plattform besteht, die mit einem Terminal verbunden ist. Anstatt die Anzahl der Personen zu zählen, misst dieses Gerät das Gesamtgewicht der organischen Masse, die das Museum betritt, verwandelt das Publikum in ein kollektives biologisches Datum und macht die physische Präsenz der Teilnehmer vom ersten Moment an sichtbar.

Im dritten Stock des Gebäudes konzentriert sich der Rundgang auf eine intimere, individuellere und wahrnehmungsbezogenere Dimension, die oft mit der Erforschung der Dunkelheit als sensorischem und psychologischem Zustand verbunden ist. Zu den bedeutendsten Werken gehört The Dark Sculpture von 1968, bei dem der Besucher eingeladen wird, in einen Raum ohne Licht einzutauchen. In diesem Zustand des sensorischen Entzugs verlagert sich die Wahrnehmung vom Sehen auf den Tastsinn und das Hören und erzwingt eine verlangsamte, innere Erfahrung des eigenen Körpers. Damals wie heute können sich die Besucher vor dem Betreten der Ausstellung in Schaumgummi wickeln, um sich vor möglichen Stößen mit luftgefüllten Plastiksäcken zu schützen, die im Inneren hängen. Ähnliche Themen kehren in Ambiente grigio multiuso von 1987 wieder, einer selbsttragenden Struktur, die ursprünglich für die Palazzina dei Giardini in Modena entworfen wurde. Dieses Werk zielt darauf ab, die sensorischen Fähigkeiten des Besuchers durch ungewöhnliche Instrumente wie einen Geigerzähler für kosmische Strahlen, einen Laser für räumliche Messungen, ein Nadelloch und einen Einwegspiegel für das Sehen, ohne gesehen zu werden, zu erweitern.

Vaccaris Interesse an der Welt des Oneirischen zeigt sich in Sogni n. 1 (Träume Nr. 1), einer Intervention aus dem Jahr 1975, die ursprünglich in Brescia in der Galleria Cavellini realisiert wurde. Die Umgebung, bestehend aus einem abgedunkelten Raum mit Schlafsäcken, die auf einer hölzernen Plattform angeordnet waren, lud die Besucher ein, die Nacht im Ausstellungsraum zu verbringen. Nach dem Aufwachen wurden die Träume transkribiert und wurden zu einem integralen Bestandteil des Werks, in einem Dialog zwischen der Realität und dem Unterbewusstsein. Die Ausstellung im Museion reaktiviert diese Dynamik, indem sie dem Publikum erneut die Möglichkeit bietet, im Museum zu schlafen und mit der Erzählung ihrer nächtlichen Visionen dazu beizutragen, eine zeitliche Brücke zu den Träumern von 1975 zu schlagen. Andere Arbeiten in dieser Sektion untersuchen die spontane Kreativität, wie das Video Nei sotterranei (In the Underground ) von 1966-67, das Schreiben und Graffiti in öffentlichen Toiletten als Formen vorgefundener Poesie dokumentiert, die vom menschlichen Bedürfnis zeugen, gegen die soziale Unterdrückung eine Spur von sich selbst zu hinterlassen.

Ein zentraler Aspekt von Vaccaris Poetik ist das Konzept der minimalen Reise, das durch Werke veranschaulicht wird, in denen die Erfahrung der Verschiebung wichtiger ist als das endgültige Ziel. Mit Viaggio per un trattamento completo im Albergo Diurno Cobianchi sammelte der Künstler 1971 Eintrittskarten für verschiedene Schönheits- und Hygienebehandlungen in Mailand. Weitere Aktionen sind die fotografische Dokumentation der Rückseiten von Lastwagen während einer Fahrt nach Graz oder der Fußweg von Carpi nach Ferrara, bei dem Vaccari Polaroid-Postkarten an den Ausstellungsort schickte. Diese Aktionen zeigen, wie das alltägliche Leben und die Bewegung im Raum in Echtzeit in Werke verwandelt werden können. Zu dieser Abteilung gehören auch die Hommagen von 1973, in denen Vaccari einem Handwerker, der mechanische Orchester herstellte, berühmte Künstler beschrieb, damit er deren Abbild reproduzieren konnte. Ziel des Experiments war es, zu beobachten, wie sich das Bild einer Person verändert, wenn es durch das Unbewusste einer Person aus einem anderen Kulturkreis gefiltert wird.

Im vierten Obergeschoss widmet sich Vaccari der sozialen Interaktion, dem kollektiven Verhalten und der Besetzung des öffentlichen Raums. Hier findet sich eine Rekonstruktion desberühmtesten Werks des Künstlers, das 1972 auf der Biennale von Venedig gezeigt wurde: Real Time Exhibition No. 4, Leave a photographic trace of your passage on these walls. Bei dieser Gelegenheit stellte Vaccari einen Fotoautomaten auf und lud in vier Sprachen dazu ein, ein Porträt zu machen und es an den Wänden des Saals anzubringen. Am Ende der Veranstaltung waren die Wände mit mehr als sechstausend Fotostreifen bedeckt, die ein riesiges Archiv menschlicher Anwesenheit schufen und die Macht des technologischen Automatismus als Instrument der demokratischen Beteiligung demonstrierten. Im Museion bleibt eine Kabine desselben Typs aus jener Zeit als Denkmal und Erinnerung an diesen Prozess präsent, obwohl sie auf Wunsch des Künstlers nicht mehr aktiv ist.

Das Thema der Fotografie als virtuelles und destabilisierendes Alter Ego wird in Instant Myth von 1974 weiter erforscht. In diesem Doppelraum wird der Besucher zunächst mit einem Polaroid fotografiert und sieht sich dann im nächsten Raum seinem eigenen vergrößerten und projizierten Bild gegenüber. Diese Begegnung erzeugt ein Gefühl der Desorientierung, da das von der Kamera eingefangene Bild oft von der inneren, idealisierten Wahrnehmung eines jeden abweicht. Das Projekt Photomatic d’Italia, das zwischen 1972 und 1974 entwickelt wurde, weitete diese Untersuchung auf nationaler Ebene aus, wobei über siebenhundert über ganz Italien verteilte Fotokabinen zum Einsatz kamen. Mit Plakaten, auf denen neue Gesichter für einen Film gesucht wurden, sammelte Vaccari Tausende von Spontanporträts und schuf so ein soziologisches Panorama Italiens in jenen Jahren, die von dem Wunsch nach Selbstdarstellung und der Explosion der Massenkultur geprägt waren.

Ein weiteres Werk von großer politischer und sozialer Tragweite ist Bar Code - Code Bar, das ursprünglich für die Biennale in Venedig 1993 geschaffen wurde. Der Künstler stellte eine echte, funktionierende Bar nach, in der das Publikum sitzen und einen Kaffee trinken konnte, aber der Raum war mit Hinweisen auf die Geschichte der Aktivistin Silvia Baraldini übersät, die zu dieser Zeit in den Vereinigten Staaten zu 43 Jahren Haft verurteilt wurde. Die Besucher wurden aufgefordert, eine Petition für ihre Freilassung zu unterzeichnen, wodurch ein informeller Ruheplatz in einen Raum für bürgerschaftliches Engagement und Diskussionen verwandelt wurde. Der Titel spielt auf die doppelte Bedeutung des Begriffs “Bar” an, der sowohl als Treffpunkt als auch als Gefängnisbar oder als Linie eines Kodex der sozialen Kontrolle verstanden wird. Die Ausstellung dokumentiert auch visuelle Experimente, die darauf abzielen, die menschlichen Wahrnehmungskonventionen aus den Angeln zu heben, wie Modena auf Hundehöhe, wo Vaccari die Stadt aus einer sehr niedrigen Perspektive fotografiert, um sich vom Automatismus der menschlichen Höhe zu befreien, oder die Serie, die auf dem Isle of Wight Festival aufgenommen wurde, wo die Rahmung einem räumlichen Automatismus anstelle der ästhetischen Wahl eines Motivs anvertraut wird.

Das Werk von Franco Vaccari erweist sich heute als überraschend aktuell und nimmt Themen vorweg, die in den 1990er Jahren für die künstlerische Praxis von zentraler Bedeutung sein werden, wie etwa die Beziehungsästhetik. Der Direktor des Museion, Bart van der Heide, betont, dass Vaccaris Werk ein notwendiger Vorläufer für weltberühmte zeitgenössische Künstler wie Tino Sehgal oder Anri Sala war, auch wenn es in der internationalen kritischen Debatte manchmal in den Schatten gestellt wurde. “Wenn ich das Werk von Franco Vaccari betrachte”, sagt er, “denke ich unweigerlich an Künstler wie Tino Sehgal, Alicia Framis oder Anri Sala. Außergewöhnlich ist nicht nur die Klarheit, mit der seine Werke ihre Themen vorwegnehmen, sondern auch die Tatsache, dass er diese Ideen bereits in den 1960er Jahren formulierte. Trotzdem bleibt Vaccari im internationalen kritischen Diskurs relativ unerkannt - vor allem in Bezug auf einige neuere Aufarbeitungen der zeitgenössischen Kunstgeschichte der Nachkriegszeit. Dieses Projekt versucht, diese Lücke zu schließen, indem es die grundlegende und dringende Relevanz seiner Werke für die heutige Zeit hervorhebt”. Die Kuratorin Frida Carazzato pflichtet ihm bei: "Vaccaris lange Karriere und seine Herangehensweise heute zu konfrontieren, bedeutet, die Aufmerksamkeit auf die Gegenwart und die daraus resultierende Verwirrung zu lenken, die durch die Hyperproduktion und Überbelichtung des Ichs entsteht, um eine Kunst zu fördern, die den Weg für den ’Kurzschluss des Ichs’ ebnet.

Mit seinen Environments, die als temporäre Architekturen und Aktivatoren des Bewusstseins verstanden werden, hat der emilianische Künstler die Beziehung zwischen dem individuellen und dem kollektiven Raum neu definiert und ein Vermächtnis hinterlassen, das nicht zur passiven Betrachtung, sondern zum Handeln und zur Verantwortung für das eigene Dasein in der Welt einlädt. Das Museion, das rund zwanzig Werke des Künstlers in seiner Sammlung hat, bekräftigt mit diesem Projekt sein Engagement für die Aufwertung des zeitgenössischen Erbes und die Förderung des kritischen Denkens durch die direkte Einbeziehung der Gemeinschaft.

Franco Vaccari, die große Anthologie der Umgebungen, die in Bozen zu sehen ist

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