Benni Bosetto im HangarBicocca, wenn der Zeitgenosse sich mit harmlosem Schnickschnack beschäftigt

Das Zeremoniell der erschöpften Möbel, die Benni Bosetto in den drei großen Räumen seiner Ausstellung Rebecca versammelt hat, die bis zum Hochsommer den Schuppen im Pirelli HangarBicocca einnehmen soll, und die, wie es üblich ist, bedingungslos von der Flut von Notizen und Pressemitteilungen, die die Schlagzeilen und Kulturbeilagen überschwemmen, beklatscht wird, glänzt mit harmloser Gelassenheit. All jenen, die vor dem Streifzug durch Rirkrit Tiravanijas Architektur, die in der nächsten Ausstellung zu sehen sein wird, Interesse daran zeigen, in Rebeccas Räumen vorbeizuschauen und zu versuchen, wenigstens eine Geschichte zu erfahren, wird ein kostenloses Büchlein zur Verfügung gestellt, das, wie üblich, nicht nur die grundlegende Maßeinheit für den Unterschied zwischen Absicht und Ergebnis ist, sondern auch sorgfältige Erklärungen parat hält: Wir informieren die sanften Passagiere darüber, dass der Künstler “den Schuppen im Pirelli HangarBicocca in eine Umgebung verwandelt, die an einen häuslichen Raum erinnert, in dem Räume, Wände und Oberflächen lebendig zu werden scheinen”. Der Titel, so lesen wir weiter, “erinnert an den gleichnamigen gotischen Roman von Daphne du Maurier, in dem die junge Protagonistin nach dem Umzug in ein neues Haus die lästige Anwesenheit der früheren Bewohnerin Rebecca spürt”. Eine Bewohnerin, die, so der Künstler, “in allem und in jeder Geste zu finden ist”. Mit seiner Ausstellung wollte Bosetto also eine Art belebtes Haus erschaffen, ein Haus, das zu Fleisch wird, ein weiblicher Körper, ein lebendiger Organismus (die drei Umgebungen entsprechen “Wange”, “Bauch” und “Herz”) mit einer erklärten Einladung, einer ausdrücklichen Einladung, die fast zu schreien scheint, um “den Besitz der eigenen subjektiven Zeit wiederzuerlangen, in der man träumen, sich ausruhen, seine Vorstellungskraft wiedererlangen kann”. Natürlich nicht ohne eine dreiundzwanzigseitige Erläuterung mit einem Leitfaden für die Interpretation jedes Werks. Ein Hilfsmittel, um die Ausstellung zu aktivieren, oder eine Krücke, ohne die die Ausstellung nicht zu öffnen ist?

Wenn man den großen Saal des Schuppens durchquert, der von diesem didaktischen, sich wiederholenden Projekt der Heimdekoration heimgesucht wird, fragt man sich spontan, aus welchen Gründen die Öffentlichkeit, die italienische Öffentlichkeit und noch mehr die internationale Öffentlichkeit, sich die Mühe machen sollte, einer bestimmten zeitgenössischen italienischen Kunst ein Minimum an Anerkennung (oder auch nur ein wenig abgelenkte Nachsicht) zu gewähren. Rebecca ist eine zahme, respektable Übung in Friedhofsrespektabilität, mild wie ein Kinderlied, ausgestattet mit dem seltenen Verdienst, jeden Anschein von Ereignis zu vermeiden. Rebecca kommt, flieht und kehrt zurück: Wenn sie gedacht ist, um zu stören, wird man hier keine Beulen finden. Wenn sie zum Schutz gedacht ist, ist es schwer, den Schatten eines Schutzes zu finden. Man kann auch nicht sagen, dass es ein verpacktes Nichts ist, denn dann würde Rebecca einen ästhetischen Bereich bewohnen, der ihr nicht gehört. Alles ist ruhig, alles ist präzise und korrekt, jedes Werk anmutig an seinem Platz, um jede Einladung zur Existenz mit äußerster Höflichkeit abzulehnen.

Es beginnt mit ’Frechheit’, die sich an dem etwas ehrgeizigen (ja, vielleicht sogar völlig unerreichbaren) Ziel messen soll, das Publikum zum Träumen aufzurufen, wie uns der Künstler mitteilt (lesen Sie die Gebrauchsanweisung, bevor Sie das Produkt starten): Die Umgebung liegt irgendwo zwischen der archäologischen Ausgrabung eines Trödels und der Gardinenabteilung eines Kaufhauses, und es ist schwer zu verstehen, wie es sein kann, dass hier, in diesem Schuppen, in dem früher Lokomotiven gebaut wurden, in dem man noch das Eisen riechen kann, und in dem jetzt eine Wohnlarve untergebracht ist, auf diesen Flohmarkt-Dormeusen aus zweiter Hand, die selbst der Beweis dafür sind, dass der menschliche Körper vielleicht ein unwillkommener Gast ist (und deshalb wahrscheinlich in geheimer Absprache mit dem italienischen Konsortium von Hexenschuss-Spezialisten entworfen wurde), kann man sogar daran denken, “sich Fiktion und Fantasie wieder anzueignen und den Geist zum Träumen zu erziehen”, wie der Künstler in einem Anflug von offenem Optimismus und verächtlichem Selbstbewusstsein vorschlägt. Aber darf man, um den Geist zum Träumen zu erziehen, ein Minimum an Komfort verlangen? Vorausgesetzt natürlich, dass wir das Unbehagen in einen ästhetischen Wert verwandeln wollen, in ein waches Instrument (Träumen ja, aber nicht Einschlafen), das in der Lage ist, eine bewusste Spannung zwischen derAufforderung und der Unmöglichkeit eines ernsthaften Verzichts (es besteht jedoch die ernsthafte Befürchtung, dass der bewusste Wille des Künstlers außer Kraft gesetzt werden könnte). Es lohnt sich daher, die Sofas am Eingang des HangarBicocca zu überdenken, die weicher, breiter, bequemer und sogar weniger präskriptiv sind, und da sie sich am Anfang des Weges befinden, läuft der Besucher nicht Gefahr, in Versuchung zu geraten, ihn zu verlassen. Das Risiko, dass jemand neben ihm träumen möchte und ihn so am schönsten Punkt seiner heiligen Traumaktivität, die durch die von Benni Bosetto entworfenen Tapeten angeregt wird, stört.

Wenn man mit dem Träumen fertig ist, verlässt man die ’Wange’, indem man zwischen den beiden Vorhängen hindurchgeht, unter denen zwei mit schwarzer Farbe bemalte Keramikpumps hervorlugen (falls Sie es verpasst haben sollten, erinnern Sie sich daran, dass es noch ein Haus gibt, das zum Körper wird), und betritt den ’Bauch’, ein Titel, der auch perfekt zum Titel des Werks passt.belly", ein Titel, der im Übrigen perfekt zum Inhalt passt, denn das Publikum findet sich in der Gegenwart einer hartnäckigen Ausstellung von Nabelkunst wieder, die die Form einer Reihe von Türen annimmt, die wie Grabsteine horizontal auf dem Boden angeordnet sind. Es gibt eine Tür, die an die Zeit erinnert, als Bosetto als Kind mit ihrer Familie Hülsenfrüchte schälte, um eine Suppe zu kochen. Da ist die Tür mit den Werken, die Bosetto vor etwa zehn Jahren für eine Ausstellung in Rom angefertigt hat. Da ist die Tür, die mit kleinen Brotblumen bestreut ist, um an die Zeit zu erinnern, als Bosetto und seine Mutter kleine Myosotis aus Brotkrümeln modellierten. Hier und da finden sich kleine Verweise auf die Bücher und Filme, die Bosettos Fantasie beflügelt haben. Mit welchem Selbstbewusstsein beansprucht diese sehr korrekte akademische Übung, diese bröckelnde Abfolge von Ornamenten, die aus ihrer Funktion gerissen wurden, ihre eigene vermeintliche Konsistenz als Schwelle, die sich zu anderen Dimensionen öffnet, als Tor zu Parallelwelten, als Instrument der Metamorphose. Man hat den Eindruck, in den Detritus der Schule des Bühnenbildes, in die Reste einer unterbrochenen Inszenierung einzutauchen, in einen Raum, der zu real ist, in eine Dimension, die zu selbstreferentiell ist, um dem Ballast des Rückzugs in sich selbst zu entkommen.wo es fast so scheint, als ob die Präzision des Artefakts jede Art von Zuhören ausschließt und jede Idee von Alltäglichkeit, von Zerbrechlichkeit, von Subtraktion erstickt. Ist das Durchblättern des Familienalbums noch eine politische Geste, oder besteht die Gefahr, dass es zu einem ununterscheidbaren, irrelevanten Hintergrundgeräusch wird?

Aus den Gräbern des ’Bauches’ eine Anstrengung noch im Ballsaal, der im Raum nebenan eingerichtet ist, das ’Herz’, ein ’Raum’, der als Milonga eingerichtet ist, ’in dem Emotionen als kollektive Pulsationen auftauchen’.Voraussetzung ist allerdings, dass man zu den vorgesehenen Zeiten der Aufführung kommt, die laut Kalender, der auf der Website eingesehen werden kann oder am InfoPoint des Pirelli HangarBicocca erhältlich ist, einmal pro Woche für etwa zwei Stunden stattfindet. Die Performance ist nichts anderes als eine Tango-Session, bei der die Teilnehmer mit Tiermasken tanzen (Benni Bosetto hat offensichtlich nicht den Verdacht, dass man nur den Discovery Channel einschalten und eine Dokumentation über den Haubentaucher sehen muss, um zu entdecken, dass sich das Ritual der Liebe auf alle lebenden Arten erstreckt): Es geht darum, “den Ort in einen Beziehungskontext zu verwandeln, in dem der Tanz als eine Praxis des gegenseitigen Zuhörens und der Präsenz verstanden wird”. Wer das Pech hat, an den anderen sechs Tagen der Woche im HangarBicocca zu sein und die Gelegenheit zu verpassen, dieser Praxis des gegenseitigen Zuhörens beizuwohnen, kann Abhilfe schaffen, indem er auf der Website des Vereins Faitango unter der Rubrik “Veranstaltungskalender” nach seiner Provinz sucht und nachschaut, welche Diskothek, welcher Tanzclub, welche Piazza, welche Bar, welcher Kulturclub, welches Sozialzentrum, welcher a. s.d., a.s.d., die nächstgelegene Turnhalle, in der ein Milonga-Abend organisiert wird (es gibt eine Auswahl in fast ganz Italien), um diesen Beziehungskontext vor der eigenen Haustür zu finden. Im Caffè Liberty in Viareggio tragen die Milongueros keine Einsiedlerkrebs- oder Ottermasken, sondern können in ihrem natürlichen Lebensraum beobachtet werden, sie folgen keinem Skript, wirken weniger gezwungen und damit echter.

Seltsamerweise scheint die Ausstellung gerade dann etwas zu sagen, wenn Rebeccas Milonga leer ist, wenn auch ungewollt (so scheint es zumindest, wenn man das Begleitheft betrachtet). Es geschieht, wenn die roten Seidenstoffe, mit denen die Tische bedeckt sind, unberührt bleiben, wenn niemand am Tisch des Musikers sitzt, wenn die Stühle nur dazu dienen, den erschöpften Besuchern nach der Reise durch den epidermalen Wandteppich der Wange und inmitten des mnemonischen Borboriums des Bauches eine Erfrischung zu geben. Die Passagiere sollen ihre moralisierenden Wanderungen im physischen Raum des Hauses aufgeben, dem Locus, in dem sich jetzt alle verkriechen, erschöpft vom eigenen Leben und vom Leben der anderen, einem Ort, an dem die größtmögliche Verführung für die meisten Menschen ein reinkarnierter Schwanz ist. Die Mehrheit der Menschen schreckt vor dem Bildschirm zurück, ob fest installiert oder tragbar spielt keine Rolle, und betrachtet den Käfig, die Ruine, das leere und dekadente Simulakrum einer Epoche, die nicht mehr existiert, so sehr sich die Aufführungen auch bemühen, sie zu reaktivieren, ob bewusst oder nicht, spielt keine Rolle. Dies ist der Moment, in dem Benni Bosetto etwas Authentisches berührt. Natürlich: wir bewegen uns immer im Bereich des Bühnenbildes, des Theaters, der Fiktion, mit der zusätzlichen Verschärfung des Epigonentums, und das schwache Gespenst der Ohnmacht und des Unaussprechlichen, das inmitten dieser leeren Tische lauert, scheint versehentlich heraufbeschworen worden zu sein, eine unvorhergesehene Konsequenz, die mit der Aufforderung, den Aufführungskalender zu konsultieren, verjagt werden soll.

Es ist also nur natürlich, dass man sich außerhalb der häuslichen Grenzen umsehen muss, wenn man eine anspruchsvollere, beunruhigendere und unbequemere Betrachtung finden will. Ohne sich mit Rachel Whitereads gespenstischen Betongüssen oder Doris Salcedos Assemblagen von Trödelmöbeln herumschlagen zu müssen, in denen sich Fetzen einer dramatischen Universalgeschichte verbergen, kann man auch in den Karten einer bescheideneren, zerstörten Geografie suchen.Man kann auch in den Karten einer bescheideneren Geografie stöbern, indem man unter den Künstlern stöbert, die zwar keine Wunderkinder der Innovation sind und sogar die gleichen Werkzeuge wie Bosetto verwenden, aber dennoch einen größeren Teil des Risikos akzeptieren, einen Kompromiss mit dem Unangemessenen. Beunruhigender ist zum Beispiel die Amerikanerin Fiona Connor, die vor vier Jahren in Los Angeles eine Galerie mit originalgetreuen Nachbildungen von Türen geschlossener Geschäfte, Clubs und Diskotheken füllte, die nicht mehr existieren und von denen einige sogar zu zeitgenössischen Ruinen geworden sind. Natürlich bestand auch damals schon die Gefahr des Wiederverkaufseffekts, aber die Gebrauchsspuren, die Siegel der Behörden, die Verbotsschilder Aber die Abnutzungserscheinungen, die behördlichen Siegel und die Zeichen der Geschäftsaufgabe verwandelten den Schaufenster- und Türrahmensalon schließlich in einen ephemeren Kenotaph, ein Denkmal der kommerziellen Verödung, das in eine Art Frankensteins Monster der Erinnerung verwandelt wurde, düster ja, aber mit einer selbstgenügsamen Düsternis, ohne besonderen Bedarf an vorgewärmter Exegese.

Eine heftige Übung in kreativem Schreiben, angewandt auf Objekte, eine Streuung im Vintage-Laden, ein stiller Manierismus: Rebecca könnte den Status eines neugierigen, ausgefransten Versuchs der Wiederverbindung anstreben, wenn es nicht schwierig wäre, sich das Werk ohne Papier vorzustellen, um das von den Werken erhobene Gebet zu erfüllen, um eine Exegese zu erflehen, die sie von der Last des Gesehenwerdens befreit, ohne die Notwendigkeit eines Blattes Papier als Defibrillator.

Der Autor dieses Artikels: Federico Giannini

Nato a Massa nel 1986, si è laureato nel 2010 in Informatica Umanistica all’Università di Pisa. Nel 2009 ha iniziato a lavorare nel settore della comunicazione su web, con particolare riferimento alla comunicazione per i beni culturali. Nel 2017 ha fondato con Ilaria Baratta la rivista Finestre sull’Arte. Dalla fondazione è direttore responsabile della rivista. Nel 2025 ha scritto il libro Vero, Falso, Fake. Credenze, errori e falsità nel mondo dell'arte (Giunti editore). Collabora e ha collaborato con diverse riviste, tra cui Art e Dossier e Left, e per la televisione è stato autore del documentario Le mani dell’arte (Rai 5) ed è stato tra i presentatori del programma Dorian – L’arte non invecchia (Rai 5). Al suo attivo anche docenze in materia di giornalismo culturale all'Università di Genova e all'Ordine dei Giornalisti, inoltre partecipa regolarmente come relatore e moderatore su temi di arte e cultura a numerosi convegni (tra gli altri: Lu.Bec. Lucca Beni Culturali, Ro.Me Exhibition, Con-Vivere Festival, TTG Travel Experience).

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