在塞尔吉奥-隆巴多位于罗马的档案馆门前，仍有一块几十年前与帕尔马-布卡雷利（Palma Bucarelli）和切萨雷-皮耶特罗伊乌斯蒂（Cesare Pietroiusti）共同设计的大理石牌匾，上面用红色字体刻着：“Jartrakor，实验空间和艺术问题研究中心”。2007 年，当我第一次走进那扇门时，我刚刚从美术学院毕业，正在寻找一个能让我摆脱灌输或风格束缚的艺术归属，当时塞尔吉奥-隆巴多的工作室还没有形成档案馆的结构，在没有正式角色的追随者、助手和其他合作者的环境中发展和合作并不容易。但经过多年的不懈努力，除了尊敬和爱戴之外，还形成了一种思想上的交流，这种交流在很大程度上激发了我和不同年代的许多人对艺术永不满足的追问。过去和现在，都很少有艺术家能以同样的坦率和知识来谈论艺术系统不断变化和转变的动态。在伦巴多身上，我发现了一个不怕被反驳的知识分子的诚实，事实上，他已经对一个实验室进行了广泛的测试，该实验室实际上将分歧运用得恰到好处。
隆巴多于 1979 年创办了《艺术心理学杂志》（Rivista di Psicologia dell’Arte），每年出版一期，通过新的实验和合作，科学地编纂和更新他的偶发理论。就像他在 1983 年那一期的社论中首次提出的那样，伦巴多在 2026 年再次将恋爱置于艺术的中心，这不仅是对弗洛伊德移情理论的美学移植，也是当今唯一可能的美学参数。一部作品如何才能超越所有预测、时尚、营销和市场伎俩而成为艺术？伦巴多在 1/9unosunove 画廊的展台上展示了他 20 世纪 80 年代在米兰米亚特（Miart）展出的一些早期随机绘画作品，在这次访谈中，他解释了这个问题。在 Miart 画展结束几天后，1/9unosunove 画廊还将在罗马举办伦巴多的最新地图个展，展览名称同样为 "美学工程"。这是一次难得的机会，您可以沉浸在他的刺激中（通过数学构思，让人惊奇、迷惑或震惊），这些刺激首次以垂直组合的方式出现，因此几乎具有纪念碑的规模，您还可以验证它们的心理和精神效果。下一站将于 6 月在莫利塞（Molise）举行，届时将有可能直接在教堂里体验隆巴多随机刺激的狂喜，在那里，他油画的丙烯酸色彩将让位于由法恩扎（Faenza）的一家制造商根据 2012 年随机地图制作的大型地板瓷砖的陶瓷光彩。
REF.您的新系列画作和您在罗马的新展览的名称是 " 美学工程"。为什么我们今天要从哲学和现象学转向工程学来定义美学？
SL.美学落后于科学和技术。美学一直与愉悦、装饰联系在一起。或者说，它倒退了，在进化的尺度上倒退了，走向了对野性和原始的迷恋。未来主义者将机器、飞机理想化，他们崇拜未来主义工程师，而相反，美学家、艺术评论家、哲学家却在抽象地争论诗歌，从未达成一种能够反驳和发展的共识。今天，如果我们绕月旋转，我们不应该归功于哲学家，而应该归功于工程师。美学必须改变范式，必须接受实验方法，将其转向对操作和工程意义上的美的追求。
您的下一次个展将于 4 月 28 日在罗马的 1/9unosunove 画廊开幕，届时您将展出一系列新的 倾斜作品（瓷砖地板、棋盘格）和一幅 6×3 米的作品，这幅作品垂直地将四幅画布组合在一起。这是您第一次以这种身临其境的方式展示您的随机地图吗？
在我的绘画中，尺寸一直是一个重要的美学参数。1963 年，当我在 La Tartaruga 画廊展出《Gesti Tipici》时，我的画作的尺寸将展览变成了一个让观众感到被观察和受到威胁的事件。这一次，我也向公众展示了刺激。
通过对同一块瓷砖进行多次旋转和组合，可以得到许多不同形状的作品。
一旦我拥有了可以与同一块瓷砖不重复地组合的所有形状，我就拥有了一幅 MCCT 图：最小、完整、紧凑和环形。观察者不会立即明白它是什么样子，他们会沉浸其中很久，几乎着迷。即使对我来说，我对这些作品了如指掌，但这些画作还没有达到饱和状态，它们仍然会吸引我长时间地注视。
根据您的研究理论 “终极主义”，我理解艺术家必须控制其作品的展示，平衡作品的可及性，准确地说，是作品的饱和度。在您的创作过程中，尽管您认为美的理想和批评已经过时，但展览仍然是一个核心规范。
当然，与街头涂鸦艺术相比，我更喜欢在画廊里欣赏绘画艺术。那是一种狂野的活动。另一方面，绘画包含了非常先进的技术，画框、楔子、画布、化学颜料，它可以构建极其精致的图像，这是其他技术无法实现的。我使用数字方法进行创作，我的作品是数字艺术，但随后我再绘制图片。数字印刷是不稳定的，它总是倾向于灰色，在小范围内有效，在大范围内则无法观看。从长远来看，一切都会衰败，艺术会变得饱和，重要的是事件发生了，如果没有发生，就缺少了本质。如果事件真的发生了，它的饱和就会变成历史、市场和经济价值。
这与戏剧和活动之间的区别有些相同。场景工程偏向于奇观，魔术可以在观众身上反复上演。
而 “发生 ”则必须一次成功，如果重复，效果就会大打折扣。
因此，你的审美必须是可重复的，它绝不是随机的。
算法是可重复的，即使它是随机的。随机算法产生的刺激总是不同的，但它不是随机的。为了有效，审美刺激必须引起事件，随着时间的推移，这种刺激会趋于饱和。如果不产生事件，那就不是艺术。
你的偶发理论需要什么契机才能成为一场艺术运动？
当艺术家决定不屈服于主流艺术体系，而是遵循不同的、更具原创性的美学范式时，一种理论就会成为一场运动。当他们挑战市场饱和的参数并提出新的美学标准时。这些标准总是可以证伪的，并且相互冲突。另一方面，在主流体系中，艺术家们排队等候，希望通过资历得到认可，相信宣传、到处被看到、痴迷于此，会让他们成名。但在这样做的过程中，他们趋同于平均水平，成为墨守成规者。艺术和科学一样，当它偏离平均水平，当它改变主流范式时，它就是创新的。
你画的是环形图，是抽象的数学图，是随机进行的。为了将无限几何图形的 “国家 ”彼此区分开来，颜色必须不同，否则边界就会合并。色数（我将其想象为一种高级调色板，其中的颜色数量不再是随机的，而是确定的）是用于划分形状边界的不同颜色的最少数量。这个 “色数 ”概念也是您的一位弟子几年前成立艺术团体时所选择的名称。
给任何平面图或地图上色，最多需要四种颜色。如果要给环形地图上色，有时可能需要七种颜色。给地图上色所需的最少颜色数就是该地图的颜色数。这是几个世纪以来数学家们众所周知的拓扑定理，但直到 20 世纪 50 年代才被证明。在我的绘画中，从单色画到随机画，我一直使用尽可能少的颜色数。我以前的学生迪奥尼吉-马蒂亚-加利亚尔迪（Dionigi Mattia Gagliardi）最初巧妙地使用了这个数学定理的名称来标识他的艺术集体。
假设我是米开朗基罗，要画《最后的审判》：我能先验地确定调色板上颜色的最少数量吗？
这很难。具象有细微差别，没有界限。首先，你必须把它变成一幅地图，然后只用四种颜色就可以上色。计算色数是从地图开始的，我们是在拓扑几何领域，尤其是图论。
您是否为每一个新的绘画系列创造一种新的算法？您创造了多少种算法来制作随机地图？
我创造了几种。最重要的有 TAN、SAT、V-RAN、S-RAN 方法，以及各种 Tiling 和 Quilting 组合。我可以对它们进行串行应用、修改和调制。它们包含各种可以调节的参数，从而构建出随机绘画的复杂系统。
美的定义是如何随着您的艺术创作过程而变化的？
如果我说艺术是对美的追求，那么我们就必须定义 “美”。在古代，柏拉图、普罗提诺、伪狄奥尼修斯的 “美 ”是理想、神的幻象、陶醉。代表上帝的 “美 ”还具有神奇的治疗力量。它将人从生物动力的奴隶转变为情人。但丁看到贝阿特丽斯时，神秘的雷电击中了他，使他在梦中看到了天堂。此后，哲学家们对 “美 ”的定义多种多样，和谐、比例、崇高、自发性、复杂性，也许更世俗，但却不那么精确。他们忘记了爱的体验，而爱是一个事件。他们将 “美 ”简化为大多数人喜欢的、每个人都倾向于喜欢的东西，就像一块糖果。因此，如果几乎每个人都喜欢它，它就可以有价格，可以交易。而在我看来，美的东西是被人喜爱的，是无法用其他东西交换的，是无价的、非理性的，但只属于一个人。循规蹈矩的人趋同于同一目标，所有人都渴望得到大多数人渴望得到的东西，而恋爱中的人则以不同的方式去爱。
一件作品的美不再是根据客观的理想，而是当同一件作品以多种不同的方式受到喜爱时，所有这些方式都是不和谐的、相反的。正是集体爱上自己的主观性，才是对作品之美的认可。
我在寻找事件，寻找产生分歧的原因。另一方面，美学告诉你什么是大家都喜欢的。举个例子，圆的概念是完美的，因此也是美的，但所有具体的圆都是理想圆的丑陋复制品。具体的圆越接近理想的圆，就越美丽。或者更准确地说：具体的圆越接近理想的圆，它们就越不丑陋。然而，这是一种最不糟糕的美学。通过测量比例、研究平衡和风格，艺术史学家和评论家们寻找最不丑陋的东西，他们都汇聚在同样的物体上，就像蜜蜂采蜜一样。
比例的计算是古希腊美学准则的基础。
确切地说，通过这种方式，一种标准可以为大众所共享。在特定的文明中，比如在希腊，如果身体或轮廓具有特定的比例，就会被认为是美的。菲迪亚斯使用的就是 “标准”。所有希腊人看了波利克里图斯（Polyclitus）的雕塑（也是标准雕塑）后，都说那是美的，因为他们对美的理论是一致的。然后是和谐、平衡、比例、度量。
正典是过去的美学工程，它的作用是让尽可能多的人喜欢某样东西吗？
教规不是为了让人们喜欢雕塑或绘画之类的东西，那是不可能的，它是为了展示理想之美。如果我向你展示波利克里图斯的《迪斯科波鲁斯》，你会认为它是完美的，因此是美的。在那种文化中，完美的、相称的才是艺术。在我所捍卫的美学观中，完美的东西并不美，它是最差的。在我的美学观中，只有被爱的东西才是美的，但每个人爱的对象不同，我爱驼背的人，你爱歪鼻子的人。我们爱的是具体的事物，而不是抽象的理想。最坏的一致性对每个人都有好处，恋爱对一个人有好处。
文艺复兴是古典理想美的延续。也许早在曼纳主义时期，完美的原则就开始陷入危机，比例和平衡被抵消，身体被扭曲。
我不想进入更适合艺术史学家进行的讨论，然而，是的，在曼纳主义中，范式发生了转变，崇高、奇妙被追寻，禁欲、超凡被遗失。
从理论上讲，偶像派艺术家的作品一定会让很多人坠入爱河。把爱作为审美判断的基础，是否还能理解什么时候是艺术？
我从事的是美学研究，我对美的定义拒绝物理测量、比例，因为它们倾向于一种外在于事件的形式理想。在不陷入偶像崇拜的前提下，对我来说，只有被爱的东西才是美的，但由于每个人所爱的对象不同，不可能有一个适用于所有人的美的尺度，就像不可能有永远适用的永恒艺术一样。拉丁格言：“De gustibus non est disputandum ”相当于维特根斯坦关于事件的著名论断：“对于不能言说的，我们必须保持沉默”。事实上，美是一个事件，因此不能成为语言。事件的特点是每个人都以自己的方式体验它，因此，当一种刺激在人类样本中产生截然不同的反应时，当它产生非常广泛的唤醒光谱时，那么这种刺激就是一件艺术品。
以《米罗的维纳斯》为例，它在今天不再是艺术了吗？ 它是过去的艺术吗？
过去的艺术是艺术，但已经饱和。它是过去的一个事件。但事件并不稳定，它会衰变，变得饱和。一旦饱和，事件就会成为语言，成为历史，可以被衡量，可以被商业评估，可以作为艺术展出，可以保存在博物馆里。
因此，在你看来，作品越能引发不一致和矛盾的激情，就越有可能被认可为艺术？
人们不会只说我喜欢或不喜欢。他们将自己最深刻的价值观投射到这幅画上。
他们对 “美 ”的看法不是趋于一致，而是众说纷纭。
我对意见或判断并不感兴趣。我感兴趣的不是意见或判断，而是唤起，尤其是前意识和无意识的唤起，其范围非常广泛。
这样一来，随着市场和作品的商业价值而变得武断的审美判断再次成为可能，不过是通过分散的方式。
我的理论是反理想主义的，我看重的是差异性。终极主义的刺激突出了差异，刺激了多样性，但并不刺激相似性。
为了让你的画作受到喜爱，你不做任何事情吗？
在我的作品中，从《带警报器的球体》到《中毒致死计划》，再到《带梦境刺激的速镜》，我一直试图激发与人之间的深层关系，而不是娱乐或快感关系。我的作品中没有愉悦的维度，事实上，很多时候它们是排斥的，如果有愉悦，那也只是表面上的。
在您的艺术作品中，有一种对偶像的否定，一种对抽象主义的追求，这将您与伊斯兰艺术联系在一起。
从这个角度来看，也许有一点相似之处，我非常喜欢伊斯兰艺术，尽管我发现它有时是重复的，甚至是强迫性的。而我的不是。我的画不是抽象的，不是重复的，甚至不是装饰性的。
也许正是为了发展，伊斯兰艺术应该从您的研究开始。无论如何，您一再声明您的研究不包括装饰，您称自己为 “美学工程师”，超越了艺术家-工匠的旧形象。
我是一名设计审美活动的实验科学家，我不是工匠。
因此，您的艺术并不止步于绘画或作品，而是超越绘画或作品，对反应进行调查和研究。
是的，在某种程度上是这样的，甚至莫里兹奥-卡尔维西（Maurizio Calvesi）多年前在谈到我的作品时也是这么说的。他引用了普鲁塔克的名言 “fortunuita eventa”。
自 20 世纪 60 年代以来，批评已被广告所取代。你以某种方式将其还原给直接用户，他们不同的主观反应验证了这是否是艺术。
这种情况只发生在我的研究阶段，然后我的作品会变得饱和，并遵循艺术的正常命运。
回到发散的美学概念，您也恢复了争议：根据您的观点，受到最多不同想法和冲突的作品才是最美的。这与威尼斯双年展这样的艺术竞赛恰恰相反，在威尼斯双年展上，评审团或多或少会一致同意最美的作品，从而决定谁是获奖者。
我不喜欢评审团，唯一的评审团就是历史。
您也是按照同样的逻辑选择卖画对象的吗？
我不控制市场。
作品的饱和度从何时开始？
美学价值由事件决定，经济价值由市场决定。市场是由饱和的事件组成的。饱和从你谈论它开始，从对作品的影响转化为语言开始，就像我们在对话中所做的那样。
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